LETRAS EXPLICITAS (Straight Outta Compton)

LETRAS EXPLICITAS
(STRAIGHT OUTTA COMPTON)

Sean testigos del ascenso a la fama del grupo más notable del mundo.
En 1987, cinco jóvenes—Ice Cube (O’SHEA JACKSON, JR.), Dr. Dre (COREY HAWKINS de Non-Stop), Eazy-E (JASON MITCHELL de Contraband), DJ Yella (NEIL BROWN, JR. de Fast & Furious) y MC Ren (ALDIS HODGE de A Good Day to Die Hard)—usando rimas brutalmente honestas y ritmos intensos, transformaron su frustración y enojo acerca de la vida en su barrio de Los Ángeles en la más poderosa arma: su música. 
Durante los 80’s, las calles de Compton, California, eran de las más peligrosas del país. La plaga de cocaína crack crecía a una tasa alarmante, al igual que el violento y gansteril negocio que propiciaba su consumo. El Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD) y su unidad especializada lideraban la guerra contra las drogas sin piedad ni control, dejando a los residentes de la comunidad del sur de California no sólo tensos, sino traumatizados, desconfiados de la autoridad y sumamente resentidos.
Eazy-E, un carismático vendedor de drogas lo suficientemente inteligente como para ver un futuro en el floreciente mundo del rap de Los Ángeles, tenía un plan. Decidido a dejar la vida de la calle atrás, contacta a su amigo Dr. Dre, un DJ local que tocaba regularmente en los clubes de Compton con su contraparte, DJ Yella. Ellos también estaban cansados de los callejones sin salida y hambrientos de un cambio, y Eazy-E tenía los recursos y las conexiones para lograr que sucediera ese cambio. A esta empresa se les unen dos jóvenes raperos del barrio: MC Ren, y Ice Cube, un talentoso chico de 16 años cuyas explosivas rimas llamaron la atención de Dr. Dre. Era tiempo de usar su frustración como combustible para su arte y de darle a su gente la única cosa que necesitaban desesperadamente: una voz.
Llevándonos a donde todo comenzó, Letras Explícitas cuenta la verdadera historia de cómo estos rebeldes culturales—armados sólo con sus letras, su contoneo y su talento crudo—enfrentaron a las autoridades que querían mantenerlos a raya y formaron el grupo más poderosos del mundo, N.W.A. Debido a que ellos hablaban con la verdad como nadie lo había hecho antes y exponían la vida en el barrio, su voz despertó una revolución social que todavía hoy tiene una reverberación.
Letras Explícitas es un apasionado proyecto dirigido por F. GARY GRAY (Friday, Set It Off, The Italian Job, Law Abiding Citizen), basado en la historia de los co-productores ejecutivos de la película, S. LEIGH SAVIDGE (Welcome to Death Row) y ALAN WENKUS (Private Resort), y de ANDREA BERLOFF (World Trade Center).  El guión del drama fue escrito por el nuevo talento JONATHAN HERMAN y Berloff. 
El drama, co-estelarizado por el ganador del Globo de Oro PAUL GIAMATTI (John Adams de HBO), está producido por los miembros originales de N.W.A, ICE CUBE y DR. DRE, quienes se unieron a sus compañeros productores TOMICA WOODS-WRIGHT, MATT ALVAREZ (la serie Ride Along), Gray y SCOTT BERNSTEIN (la próxima a estrenarse, Ride Along 2). 
El equipo creativo detrás de cámaras de Letras Explícitas está liderado por el director de fotografía MATTHEW LIBATIQUE (Black Swan, Iron Man 2), el diseñador de producción SHANE VALENTINO (Beginners, The Normal Heart de HBO), el editor BILLY FOX (Hustle & Flow, Four Brothers), la diseñadora de vestuario KELLI JONES (Sons of Anarchy, Homefront), el compositor JOSEPH TRAPANESE (Oblivion, The Raid 2) y el supervisor musical JOJO VILLANUEVA (Horrible Bosses 2, Black or White). 
WILL PACKER (de la serie Think Like a Man) funge como productor ejecutivo del drama, junto con ADAM MERIMS (The Butler de Lee Daniels), DAVID ENGEL (Saint John of Las Vegas), BILL STRAUS (The Last Rites of Joe May), THOMAS TULL (Jurassic World) y JON JASHNI (Godzilla).


ACERCA DE LA PRODUCCIÓN
“Directo de las calles”:
Una historia que tardó décadas en contarse
La historia de N.W.A es polifacética, abarcando las cautivadoras historias personales de sus miembros, mientras se entreteje la trama social de donde emergió la revolucionaria música del grupo durante un periodo que abarcó más de 10 años.
Con una carrera próspera y larga como artista encabezando las listas de éxitos, y como una amenaza cuádruple en el entretenimiento como actor, escritor, productor y director, Ice Cube, también conocido como O’Shea Jackson, siempre tenido en mente la crónica del ascenso de N.W.A.
En 2009, Ice Cube se topó con un guión demasiado tentador para pasarlo por alto, y por primera vez encontró viable la idea de hacer una biografía cinematográfica basada en las experiencias del grupo, las cuales comenzaron hace casi tres décadas.
Cube, no tenía duda de que la versión cinematográfica de la historia de N.W.A sería dedicada al fundador del grupo Eric “Eazy-E” Wright, quien murió en 1995. Cube reflexiona: “Doy gracias a Dios por Eazy, quien tuvo esta visión y vio a esta música como el futuro. Lo que la gente quiere escuchar. Él fue muy persistente en la idea de poner a Compton en el mapa. Él solía pensar: ‘Todos saben de Brooklyn. Todos conocen Queens, el Bronx, el norte. Pero qué hay de Compton.’ Él fue determinante en hacerse a la tarea de poner a Compton en el mapa, así fuera la última cosa que hiciera”.
Con la participación de jugadores clave—incluyendo a su compañero de N.W.A, Dr. Dre, y a la viuda de Eazy-E, Tomica Woods-Wright, quienes entrarían al proyecto como productores, y a los miembros originales del grupo, MC Ren y DJ Yella, quienes se unieron como consultores, el equipo supo que podría llevar a cabo este proyecto para rendir homenaje a su historia.
El guión, titulado Straight Outta Compton, fue creado a partir de varios años de entrevistas e investigaciones recopiladas por el documentalista de música, S. Leigh Savidge (Welcome to Death Row) y el guionista Alan Wenkus. Ese primer borrador sentaría las bases de la versión de trabajo de Andrea Berloff, quien junto con el trabajo del guionista Jonathan Herman, pulieron el guión que se usaría para filmar la película.
Incorporando una gran cantidad de recuerdos obtenidos a través de todos los frentes, el trabajo conjunto de los escritores reflejó una extensa mirada a la vida y época de N.W.A.  En la mente de todos estaba la creencia de que contando su historia, rendirían homenaje a su amigo Eazy-E como el magnético visionario que fue. Eazy-E fue medular para la creación de este grupo y sería representado con respeto.
Desde un inicio, el objetivo de Eazy era retratar la vida en el barrio con las letras francas  de Ice Cube y los contagiosos ritmos de Dr. Dre para crear un nuevo movimiento que evocara sus experiencias en Compton con una honestidad que nunca antes había sido expresada. Él sabía que tenían algo especial, y que junto con DJ Yella y MC Ren, los cinco harían música icónica que llegaría mucho más allá de los centros urbanos pobres de Norteamérica y que llamaría la atención alrededor del mundo.
Woods-Wright, con su comprensión única de la vida personal de Eazy-E y su entendimiento del hombre detrás de la música, fue invaluable para la producción. La productora quiere que los fans de N.W.A y el público ajeno a la historia, conozca a Eazy-E: “Eric era un realista auténtico que ejemplificó el verdadero significado de la perseverancia. El legado de Eazy es una profunda reflexión de la esencia detrás de la metáfora ‘nunca juzguen a un libro por su portada’… y si tienen la oportunidad de leer todas las páginas obtendrán el conocimiento y lo entenderán, lo cual los dejará marcados de por vida”.
Andre Young, mejor conocido por millones en todo el mundo como el Dr. Dre, estaba mucho más renuente que los demás acera de traer la historia a la pantalla grande. Para el artista/productor, cuyos discos “The Chronic” y “2001” continúan influenciando de gran manera el rap y el hip-hop de la Costa Oeste, aquellos primeros años fueron muy personales, momentos que definieron en su vida, y estaba escéptico acerca que cómo esos momentos podrían ser capturados con exactitud e integridad.
Después de leer el material y tras varias conversaciones, primero con Ice Cube y luego con su propia familia, Dr. Dre se unió al proyecto para ayudar con la producción de la película que compartiría con el mundo el viaje en montaña rusa que fue N.W.A. 
Defensor de tiempo atrás del material y parte integral de su desarrollo dentro de Universal Pictures, Scott Bernstein, ex vicepresidente ejecutivo de producción del estudio, siguió siendo parte del proyecto cuando dejó Universal para empezar su propia compañía de producción y ser productor de Letras Explícitas.  Él explica lo que le atrajo de la historia: “La historia de N.W.A no sólo engloba temas universales como la amistad, la hermandad y el triunfo, sino que también muestra la parte oscura de la traición y la tragedia que envolvió al grupo. Me sentía fascinado porque al mismo tiempo que los chicos lograban el sueño americano, experimentaban una tragedia griega. En ese aspecto, Eazy es el personaje más trágico en esta historia. Él comienza toda esta estratagema y esta energía, y al final del día es traicionado por su propio ego y por creerle a Jerry Heller que Ruthless Records y Eazy-E eran más importantes que el grupo. Para cuando se da cuenta de sus fallos y trata de enmendaros, ya es demasiado tarde. Cube y Dre se dispusieron a hacer esta película en honor a su hermano en desgracia y para celebrar el legado de su lucha”.
El socio de producción de Ice Cube, Matt Alvarez, quien ha trabajado con la compañía de producción de Cube desde Next Friday, está de acuerdo con su compañero productor. Él comenta: “Cube y yo hemos trabajado juntos durante mucho tiempo, y nunca habíamos desarrollado un proyecto que fuera tan importante y tan personal para él. Ver cómo todo esto se ha concretado para él y para los demás miembros de N.W.A es increíblemente conmovedor. Me siento honrado de ser partícipe para contar su verdadera historia”.
El hombre responsable de guiar al equipo para llevar a cabo esta compleja historia al cine sería el director F. Gary Gray, cuya lista de créditos incluye diversos géneros desde películas de acción como The Italian Job y películas de suspenso dramático como The Negotiator hasta comedias como Be Cool. Profundamente involucrado con el proyecto desde 2011, Gray considera Letras Explícitas como la película más importante de su larga carrera, y como la culminación de sus experiencias y el trabajo de su vida. 
La relación del director con el material explorado en la película es muy personal, y es un tema que Gray siente en lo profundo de su alma. De niño, él creció en las mismas calles que estos jóvenes a los que seguimos en esta historia, viendo cómo la cocaína crack y las armas automáticas importadas destruían hogares y familias en los 80’s. Su historia es la de él: memorizando detalles de las marcas y modelos de los coches de los policías encubiertos que entraban a Compton, viendo los allanamientos de los hogares destruidos del barrio, y descubriendo que tu arte podría ser el medio ideal para expresar la frustración y el enojo diario.
Gray, quien también es productor del drama, comenzó su carrera cinematográfica cuando tenía 23 años con un cortometraje llamado Legacy, el cual exploraba los males sociales de la violencia y sentaría la base de su fascinación por el uso de este medio para contar las historias que él y su gente conocía y amaba.
En particular, su relación con Ice Cube y Dr. Dre está caracterizada por una amistad de hace mucho tiempo y de un mutuo respeto. Como joven director, Gray dirigió videos musicales para artistas de hip-hop y R&B, incluyendo a Ice Cube y Dr. Dre, y usó esa experiencia como campo de entrenamiento para su incipiente carrera en el cine. Su trabajo incluye el éxito de Ice Cube, “It Was a Good Day”, y la colaboración de Ice Cube-Dr. Dre, “Natural Born Killaz.” De hecho, él hizo su debut como director de cine en la comedia clásica de 1995, Friday, la cual estuvo escrita y estelarizada por Ice Cube.
Motivado por su larga historia con estos dos artistas, el objetivo principal de Gray era crear una película auténtica que narrara la duradera amistad y que contara cómo el dinero, el ego y la tragedia transformarían la hermandad y al revolucionario grupo. Él también quería demostrar el impacto de N.W.A en la cultura pop actual a partir de sus propias experiencias y relaciones con la comunidad artística, mucha de la cual conoció esa vida íntimamente.

“Cuando leí el guión por primera vez, sentí que era acerca del paso de la niñez a la juventud, y fue algo inesperado”, reflexiona el director. “Parecía el principio de la historia con estos cinco hermanos. No esperaba la emoción que me hacía querer profundizar más La música de N.W.A es genial, pero quería hacer hincapié en la humanidad. Todos conocen a Dr. Dre, Ice Cube y Eazy-E; son íconos, pero también son personas. En una de mis primeras conversaciones con Ice Cube, dije, ‘si me dan acceso a O’Shea Jackson, Andre Young y Eric Wright, entonces me interesa contar esta historia’”.
Gray explica que ésto es mucho más que una película para él: “Letras Explícitas es la historia que se ha estado gestando en mí desde que era un niño y es la película que nací para hacer. Cuando miro las caras de los actores en la película, veo a los niños de mi calle hace 30 años Esta es nuestra historia de crecimiento, y puedes sentir la pasión por todos los involucrados y el corazón que todos hemos puesto en la película. Sabíamos que debíamos hacerla bien para que el público que no es de ese barrio pudiera tener una idea de todo por lo que habíamos pasado y para que todos los de aquí sintieran que les estábamos haciendo justicia con su historia. Desde mi primer corto hasta esta película, siento que cierro un círculo y me siento honrado de decir la verdad”.
Así como las crudas letras de N.W.A le dieron voz a la vida de los negros en las calles del sur de Los Ángeles, también sembraron una nueva generación de artistas urbanos, cuyos mensajes socialmente conscientes permanecen relevantes y poderosos décadas después.
La historia detrás de la música iconoclasta del grupo se extiende por más de una década en Letras Explícitas—desde los orígenes del rapero adolescente que se convirtió en una voz para aquellos privados de sus derechos, el DJ que tuvo el talento y la determinación para convertirse en mega-productor y que revolucionó el mundo del rap, y por último el pandillero cuya visión los unió a todos, junto con otros dos talentos de las calles de Compton. Juntos pulieron un género que se volvería popular entre el público de todo el mundo y que duraría por décadas.
 “Queríamos que todo el mundo prestara atención. Yo lo llamo ‘shock-hop.’” Dr. Dre explica. Ese ‘shock’ se convirtió en un deliberado pseudónimo para el grupo, el cual hacía sentido con el incendiario mensaje. “Queríamos hacer una declaración con nuestro nombre y música, hacer que todos prestaran atención y escucharan lo que teníamos que decir”.
Desde la creación del grupo, los miembros de N.W.A supieron que tenían química y cada uno descubrió su respectivo rol, creando una sinergia dentro del grupo. Ice Cube y MC Ren poseían el talento poético; Dr. Dre y DJ Yella, quienes se iniciaron juntos como DJs en el World Class Wreckin’ Cru, estaban a cargo del sonido y de la producción; y Eazy-E tomó el papel del líder dentro y fuera del escenario, haciendo mercadotecnia del aspecto característico y del sonido del grupo no sólo entre sus amistades, sino entre los amantes de la música de todo el mundo.
El alter ego de Lorenzo Patterson, MC Ren, era un joven adolescente del barrio cuando conoció por primera vez a Eazy-E, una figura popular en el rumbo. MC Ren comenta acerca de los primeros días del grupo presentándose en pequeños locales: “Yo quería actuar; yo quería ser rapero. E me dio la plataforma para hacerlo y de forma diferente”.
Por su parte, después de que Antoine “DJ Yella” Carraby había estado trabajando en clubes junto con Dr. Dre durante un par de años, ambos estaban listos para hacer un movimiento. Las ventajas de las chicas guapas y de la fiesta fueron opacadas por la falta de dinero y el deseo de hacer una mejor música. “En los 80’s, todo era el rap de la Costa Este; la Costa Oeste no tenía nada”, recuerda Yella. “Dre y yo habíamos visto un par de espectáculos de Run-DMC, y eso no hizo pensar en lo que queríamos hacer fuera de Wreckin’ Cru. Yo pensé: ‘¿Nos vamos a quedar aquí y vamos a quebrar o vamos a empezar algo nuevo?’  Fue entonces que Eazy entró en escena”.
Pero así como optimistamente se reunió N.W.A, la desaparición del grupo fue por una turbulenta desintegración, marcada por sentimientos de desconfianza y traición, que debilitó su amistad. La complicada relación entre Eazy-E y el manager del grupo Jerry Heller dio pie a un giro en la historia de N.W.A y precipitó su descenso.
La confianza comenzó a desmoronarse cuando Ice Cube cuestionó a Heller sobre su contrato con Ruthless Records—la marca que Heller y Wright fundaron para lanzar la música de N.W.A—y dejó al grupo en 1989.  Dr. Dre pronto lo siguió para comenzar su exitosa carrera como solista con Death Row Records y finalmente con su propia marca discográfica, Aftermath Records.
Se necesitarían muchos años más de faltas de respecto y distanciamientos, pero eventualmente, Ice Cube, Dr. Dre y Eazy-E bajarían la guardia. La reconciliación que tuvo lugar justo antes de la enfermedad de Eazy-E fue el testimonio para los miembros fundadores de que su lazo era más fuerte que las rivalidades que los separaron.
“Creo que es tan sencillo como la madurez,” comenta Dr. Dre acerca de la reconciliación.  “Bien, hice lo mío. Tuve éxito, y lo pasado, es pasado. Éramos hermanos. Surgimos juntos; empezamos esto juntos, y yo no voy a guardar rencores. Volvamos ahí, hagamos lo que hacemos y pasemos un buen rato con lo que nos encanta”.
Mientras que la reunión fue imposible antes de que muriera Eazy-E, la música continuó viviendo e inspirando a nuevas generaciones de jóvenes desfavorecidos con una música no sólo para el desahogo de su frustración y enojo con la autoridad, sino por el gozo de ser jóvenes e imprudentes.
El negocio de la música puede comerse vivo al talento sin experiencia, y en su mayoría, no fue diferente para los miembros de N.W.A. Mirando hacia atrás, todos están de acuerdo en que estaban tan enfocados en aprovechar lo más posible su oportunidad de hacer música, presentarse ante el público y disfrutar de los frutos de su labor, que pasaron por alto las letras pequeñas de la parte del negocio.
Para Dr. Dre, en ese momento lo importante era ser creativos. Hasta entonces, él no había tenido acceso a estudios de grabación y a equipo profesional, y las posibilidades eran infinitas. Él comenta: “Estaba tan enfocado en la música que no estaba poniendo atención al negocio que se estaba gestando. Viendo hacia atrás, debí haber prestado atención, pero eso es cuestión de madurez y nosotros éramos jóvenes. Yo sólo quería meterme en el estudio, hacer lo que hacíamos y pasarla bien con el hip-hop que amamos. De eso se trataba para mí”.
DJ Yella hace eco a los comentarios del Dr. Dre: “Simplemente éramos jóvenes y estúpidos y tomaban ventaja de eso. Algunos nos percatamos de esto antes que otros, y finalmente el grupo se desintegró. Es una pena, pero honestamente, siento que N.W.A fue creado para eso. De otra forma no hubiéramos llegado a este punto”. 
 
 El Grupo Más Peligroso del Mundo:
Seleccionando al Reparto de los Hermanos en Armas
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Seleccionar el reparto para los papeles estelares para una complejo y emotivo drama de la vida real callejera como Letras Explícitas fue muy personal para todos, y necesitó de una inmenso esfuerzo por parte de Gray, Ice Cube, Dr. Dre, Woods-Wright y sus compañeros productores. Por supuesto, su objetivo durante la búsqueda del reparto para estos codiciados papeles era encontrar actores muy completos y de primera clase que pudieran actuar e interpretar con una intensidad sin filtros que fuera semejante a la de Eazy-E, Ice Cube, Dr. Dre, DJ Yella y MC Ren.
Gray comenta el proceso: “El aspecto más importante de la selección del reparto de N.W.A era la autenticidad. El hip-hop se trata de ser auténtico, y cuando se trata de Eazy-E, Dr. Dre, Ice Cube, MC Ren y DJ Yella—quienes vienen de un lugar muy específico—es un reto todavía mayor”. Cuando llegó el momento de elegir el reparto, el director y sus compañeros productores sabían que su prioridad era el talento frente a la pantalla. “La orden era: interpretación en primer lugar, después la familiaridad con las calles, y la semejanza con el miembro de N.W.A que estaban interpretando. La historia debe ser la correcta, y ella vive y muere con la interpretación”.
Lo que comenzó con una selección de reparto tradicional en Los Ángeles y Nueva York pronto se diversificó ha numerosos ‘castings’ abiertos por todo el país, incluyendo las ciudades de Detroit, Chicago y Atlanta, entre otros.   
Los papeles de Eazy-E y Ice Cube fueron los primeros en ser seleccionados. Conforme la primera etapa de desarrollo del proyecto empezó a tomar forma, Ice Cube pudo fácilmente imaginarse a su hijo de 20 años en el papel de él mismo en pantalla. Un vistazo a O’Shea Jackson, Jr., y no hay duda de que es el hijo de su padre. No sólo son las sorprendentes similitudes físicas entre ambos, sino los matices sutiles que la genética no puede negar,—como ese aire arrogante que viene de una profunda y fuerte conciencia de sí mismo.
Llámenlo intuición paternal, pero Ice Cube sabía que su carismático hijo tenía talento. Sólo necesitaba un formación y herramientas para ser considerado seriamente para el papel. Sin experiencia actoral previa, Jackson admite haber estado nervioso al audicionar para alguno de los papeles, más aún uno personal y de alto perfil en donde interpretaría a su padre en la muy esperada y promovida película biográfica acerca del trascendental grupo de rap.
Ice Cube fue franco con Jackson acerca de lo que se esperaba de él al prepararse para el papel, pero le aseguró que lo guiaría a través de todo el proceso. Al igual que su padre, Jackson se atiene a la frase “hacerla en grande o irse a casa”, y una vez que se decidió para audicionar para el papel, lo dio todo.
“Empezó a volverse una obsesión”, comenta Jackson. “Sabía que no podría ver Letras Explícitas con alguien más haciendo el papel. Me hubiera vuelto loco porque sentía que nadie podría interpretar este papel como yo. Si lo piensas bien, básicamente he estado estudiando más de 20 años para este papel”. Él ríe: “Me he convertido en un súper actor de método con mi acercamiento al papel”.
Para Jackson, el desarrollo de esa forma de actuación del “súper método” comenzó después de múltiples audiciones para probarse a sí mismo y ganar el papel. Para sacar el fuego profundo de su interior, Jackson trabajó con el director Gray por cerca de dos años con clases continuas de actuación y ‘coaches’ en Los Ángeles y Nueva York.  Como la mayoría de sus compañeros del reparto, el joven intérprete utilizó el mejor recurso: a sus compañeros en N.W.A de la vida real. Cuando la película comenzó, el intercambio artístico entre padre e hijo fue una parte vital e integral para que Jackson entrara fácilmente en los zapatos del joven Ice Cube.  
“Papá me ha contado estas historias toda mi vida, así que poder recrearlas en pantalla es lo mejor del mundo”,  comenta Jackson. “Él siempre se mantiene accesible; él me llama y me dice dónde estaba su cabeza durante ciertas escenas… así que yo puedo usar ese conocimiento para hacer la escena de forma sobresaliente y lo más auténtica posible”.
Cuando se trataba de los aspectos musicales y de interpretación, el ADN de Jackson entraba en juego y él se sentía completamente cómodo… ya fuera que filmaran escenas en el escenario de un concierto en frente de miles o haciendo las pistas en el estudio de grabación. Jackson, quien rapeó en Letras Explícitas y suena perturbadoramente similar a su padre, atribuye los años de viajar y cantar al lado de su padre en giras alrededor del mundo a su nivel de confort mientras canta en la película. Poco se imaginaba entonces que esos años de sumergirse en el escenario con el rapero le ayudarían con este nuevo proyecto.
Para el papel de Eazy-E, el actor Jason Mitchell, quien estaba viviendo en Nueva Orleans en esa época, mandó una cinta con su audición que cautivó a los cineastas desde el primer momento. El aspecto físico de Mitchell, junto con su intensidad, hizo que Gray y sus compañeros productores se levantaran y prestaran atención. Con tan sólo pocos créditos como actor y sin entrenamiento formal, el joven de 28 años logró un indeleble impacto. Él personificaba totalmente al hombre conocido como El Padrino del rap Gangsta.
“Es un regalo y una maldición no tener a Eazy aquí para que me guiara en este viaje”, reflexiona Mitchell. “Quiero ser capaz de re-humanizarlo y de ser lo que la gente recuerde de él. Pero el más grande reto como actor es re-crear y realmente personificar a ese ser humano. Si soy capaz de recrear aunque sea una fracción de lo que su familia o amigos recuerdan, entonces todo está bien”.

El actor Corey Hawkins, graduado de la prestigiosa Escuela Juilliard, quizá sea mejor conocido por su trabajo en el teatro, incluyendo el papel de Tybalt en la producción de Broadway de Romeo and Juliet al lado de Orlando Bloom y Condola Rashad, y en un pequeño papel en la película de acción de Liam Neeson, Non-Stop. Él sería el siguiente actor seleccionado para la película en el papel del pionero del rap, Dr. Dre.
Hawkins casi se salió del camino cuando recibió la llamada para invitarlo a audicionar. El actor, ferviente admirador de N.W.A, al principio creyó que no tenía la voz, el físico o el parecido para interpretar a Dr. Dre, y no quería lanzarse a la audición si no se sentía un contendiente sólido. Finalmente, decidió mandar un video y basado en esa poderosa audición le ofrecieron su primer papel estelar.
“El proceso de selección fue intenso”, recuerda Hawkins, “pero Dre compartió mucho conmigo y se convirtió en un gran mentor a través de todo el proceso. Lo recuerdo diciendo: ‘No tienes que imitarme; no tienes que hacer una mímica de mí. No busco que hagas nada de eso. Busco el que representes a N.W.A y aquello por lo que luchábamos. Si tú pones eso por delante, todo lo demás saldrá solo’”.
Uno de los momentos más decisivos para los realizadores de la selección de reparto de la película fue una de las pruebas finales de química, en la cual se reunió a los principales contendientes para los papeles de Ice Cube, Dr. Dre y Eazy-E. frente a las cámaras; Jackson, Hawkins y Mitchell tuvieron una interacción rítmica que emocionó a todo el mundo.
Mientras observaban cómo el trío lograba una camaradería fácil y relajada detrás de cámaras, fue evidente para todos en la habitación que esa energía finalmente y de manera constante influiría en sus actuaciones delante de la cámara. Aunque el proceso fue enervante y arduo, los actores admiten que sintieron esa amabilidad. Esa conexión se sostuvo en los tres al inicio del viaje y de camino hacia su transformación como en el artista poético, el productor musical épico y el ícono legendario.
Los realizadores tenían a su Ice Cube, a su Dr. Dre y a su Eazy-E, pero todavía necesitaban redoblar sus esfuerzos para encontrar a los que interpretarían a MC Ren y DJ Yella. El objetivo mientras continuaba la búsqueda por las piezas finales del rompecabezas del reparto era complementar la innegable dinámica que ya se había establecido con la selección de estos tres primeros miembros de N.W.A.
Poco después, Aldis Hodge y Neil Brown, Jr. fueron seleccionados para los dos papeles finales y completaron el equipo soñado de Gray, cimentando la hermandad de los actores en la vida real. Hodge, quizá el actor más conocido de los miembros del reparto principal, tuvo un papel co-estelar en la serie de televisión de TNT, Leverage e interpreta a MC Ren, mientras que Brown, quien ha tenido pequeños papeles en películas como Fast & Furious y Battle: Los Angeles, interpreta a DJ Yella.
Al igual que Jackson y Hawkins, una de las mayores ventajas para Hodge y Brown fue el acceso que tuvieron a sus contrapartes en la vida real. No muchos jóvenes actores obtienen un papel que posiblemente pueda definir su carrera y  tener el teléfono personal y el correo de la realeza del rap. Su entrada a N.W.A fue inmediata e incluyente, y el grupo de los cinco se compenetró durante el proceso.
 “Raramente tienes un reparto con el que sientes una conexión natural y genuina”, comenta Hodge. “Todos llegamos con la misma mentalidad que tenía N.W.A—apoyarse los unos a los otros para hacer realidad su sueño—y nosotros hicimos lo mismo”, dice Hodge. “Somos un equipo, y así ha sido desde el primer día. Estos son mis muchachos”.
Mitchell, también utilizó los recursos de los miembros sobrevivientes de N.W.A, pero aún más importante, él tuvo el privilegio de pasar tiempo de calidad con Woods-Wright, algunos miembros de la familia Wright y amigos que compartieron sus memorias de Eazy-E. La familia, en su momento aceptó la invitación de los realizadores para visitar el set y ver la filmación de escenas selectas para ver de primera mano cómo se estaba contando la historia.
La hija de Eazy-E, Erica, y su hijo, Eric Wright (también conocido como Lil’ E), fueron de particular ayuda y vinieron al set de Los Ángeles en muchas ocasiones. “Junté todos los videos que pude”, explica Mitchell. “Tomica fue de gran ayuda para eso, pues ella tenía acceso a pietaje nunca antes visto y a todo tipo de material ‘detrás de cámaras’. También tomé pequeñas cosas de conversaciones que fueron de gran ayuda para armar al personaje”.
Gray, fanático de los detalles, tomó todo lo que pudo de N.W.A para recrear lo más posible de su mundo. En el set, se le permitía el lujo de voltearse de su asiento frente al monitor para preguntarle a Ice Cube o a Dr. Dre, o a sus esposas Kim y Nicole, respectivamente, su opinión sobre una escena particular o el estado de ánimo o el estilo del cabello en cierta época. Igualmente, el director usó estrategias de integración que había desarrollado con el reparto en otras películas que hicieron más fácil el que cada miembro de este ensamble se adentrara más en su personaje y verdaderamente sintiera la camaradería que estaban interpretando.
Además de Ice Cube, Dr. Dre y Woods-Wright, tanto DJ Yella como MC Ren se unieron para compartir sus memorias y asistir a la producción y al diseño de vestuario—desde sus opiniones personales sobre su primera gira en Skateland hasta el subtexto emocional sobre la época en donde le diagnosticaron SIDA a Eazy-E… y su muerte. Incluso los procedimientos, como la forma en que DJ Yella trabajaba en los paneles de mezcla o la distintiva forma en que Dr. Dre giraba su tornamesa, todo importaba, y se instruía al reparto hasta que lograba hacer las cosas correctamente.
Bernstein comenta el activo involucramiento de los miembros originales del grupo: “Su presencia en el set aportó un profundo sentimiento de autenticidad y realismo a la película. Tener a Dre y a Cube involucrados desde el inicio, y después a Ren y a Yella en el set durante la producción, nos permitió capturar sus matices. Permitió que los actores pasaran tiempo con ellos y entendieran la esencia de N.W.A”.
Con los cinco miembros de N.W.A listos, era tiempo de pulir los papeles de apoyo. Uno de los más grandes logros para los realizadores fue tener al actor ganador del Globo de Oro, Paul Giamatti, para el papel del manager de N.W.A, Jerry Heller. Giamatti, quien anteriormente había trabajado con el director Gray en la película de suspenso de 1998 The Negotiator, era estudiante de la Universidad de Yale cuando escuchó por primera vez a N.W.A. Por lo mismo, cuando fue llamado para el proyecto, él tenía conciencia de su innovadora música y de su impacto social.
“Nadie antes había escuchado nada como N.W.A, y para ellos, lograr tal nivel de éxito comercial y convertirse en un momento cultural en la historia, es admirable”, comenta Giamatti. “Son tipos fascinantes; cuando leí el guión no me sentí decepcionado. Es una historia emocionante; es épica en diferentes aspectos”.
Como Giamatti lo ha hecho con sus anteriores papeles en los cuales ha interpretado a gente real, él optó por apoyarse en el material disponible y en su instinto para adentrarse en el papel. Él conscientemente no quiso desviarse con la controversia alrededor del veterano manager de música, cuando manejó espectáculos para gente de la talla de Elton John, Van Morrison, Marvin Gaye, Ike & Tina Turner y The Who.
“Los realizadores tratan a Heller bastante equitativamente”, comenta el actor. “Fue interesante poder interpretar eso, porque a él genuinamente le interesaba la música, y realmente escuchó algo único e importante en N.W.A. Él verdaderamente pensó que esta era música importante”.
Establecer una compenetración entre Giamatti, un experimentado actor con décadas de actuaciones de cine, televisión y teatro aclamadas por la crítica, y el novato Mitchell, cuyas escenas juntos levantan la cortina acerca de la dinámica entre Eazy-E y Heller, era clave para el objetivo de los realizadores de explicar todos los aspectos de la relación. Al igual que con el resto del reparto, el par logró una relación de trabajo fácil, a pesar del intenso material con el que tuvieron que trabajar.
Desde el principio, Giamatti estuvo impresionado con Mitchell. “Desde el segundo en que le di la mando a Jason el primer día que llegué a Los Ángeles, pensé que había algo muy especial en este tipo”, comenta Giamatti. “Él es extraordinario, y yo no sé si él se percate de lo bueno que es. Pero es la neta, y fue interesante verlo trabajar”.
Así como la hermandad de N.W.A los puso en el mapa, el ancla leal de las mujeres que estuvieron cerca los sostuvo a través del turbulento viaje. Kim Jackson, esposa de O’Shea y madre de O’Shea, Jr., es interpretada por ALEXANDRA SHIPP (Aaliyah: The Princess of R&B, la película por estrenarse X-Men: Apocalypse). Jackson estuvo de manera regular en el set con su esposo, observando orgullosamente a su hijo recrear momentos de su pasado común en una película que narra desde su cortejo hasta el nacimiento de sus hijos. Tomica Woods-Wright, la viuda de Eazy-E y curadora del legado que dejó, es interpretada por CARRA PATTERSON (Why Did I Get Married Too?), mientras que la actriz ELENA GOODE (de la serie de TV As the World Turns) toma el papel de Nicole Young, la esposa de Dr. Dre durante 19 años.
Otros papeles de soporte en la película son interpretados por novatos y veteranos por igual, incluyendo a KEITH POWERS (Sin City Saints de Yahoo!) como Tyree, el hermano menor de Dr. Dre; LAKEITH LEE STANFIELD (Selma) como Snoop Dogg; TATE ELLINGTON (de la serie de TV Quantico) como Bryan Turner, el ex manager de Ice Cube; COREY REYNOLDS como Lonzo Williams, dueño del club y compañero del World Class Wreckin’ Cru, junto con Dr. Dre y DJ Yella; y R. MARCUS TAYLOR (Life of Crime) como Suge Knight.

“Los Chicos del Barrio”:
La Música de la Película
 

A finales de los 80’s, el rap de la Costa Este estaba a la vanguardia del rap con artistas como Run-DMC, LL Cool J, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim y Beastie Boys de gira y acaparando la radio a nivel nacional.
El estilo nunca antes escuchado del rap realista/gangsta tenía un sabor distintivo en la Costa Oeste que había nacido y se había criado en los barrios del sur de Los Ángeles.  Las letras de N.W.A con sus sonidos estilizados, repelen y al mismo tiempo incitan al juego de la música. Lo que diferenciaba a N.W.A de los raperos de la Costa Este era su contenido sin reglas, social y visceral, el cual en momentos fusionaba la franqueza pura con el humor negro acerca de la vida urbana de los negros.
Esta innovadora combinación fue lo que atrajo a Ice Cube al grupo. “En esa época, veía nuestra música como nuestra única arma y nuestra única forma de atraer la atención al barrio”, él comenta. “Además de pequeños comentarios en las noticias, nadie realmente sabía o le interesaba lo que estaba pasando con la Policía de Los Ángeles, o el problema alrededor de nosotros. Los aspectos políticos de los discos me prendían tanto como el aspecto gánster y las fluidas rimas y ritmos. Pero también acertamos al agregar a nuestra música algo de comedia porque nos reíamos de la mierda que haría llorar a casi toda la gente. Por todo lo que estaba sucediendo, me emocionaba se parte de N.W.A”.
Su música estaba hecha para la gente de su barrio, y nadie se sorprendió más que estos cinco tipos cuando su música fue exitosa en la radio. “Boyz-N-the-Hood” y la canción del título del disco debut del grupo de 1988, “Straight Outta Compton,” fueron los primeros temas de introducción de N.W.A, y provocaron un amplio rango de reacciones emocionales: desde el reconocimiento y la intriga, hasta la indignación y el miedo.
Tomó más de un mes grabar un disco en Torrance, California, y décadas después todavía es relevante tanto musicalmente—continuamente encabezando las listas de Mejores Discos de Rap—y socialmente, mientras que la nación se enfrenta con un creciente número de jóvenes negros muertos en manos de oficiales de la policía.
Mientras que el disco puede haber despertado el interés en N.W.A, la canción “F*ck tha Police” provocó una tormenta de fuego con el FBI a la cabeza, citando la letra de la canción como incendiaria. La canción protestaba contra la brutalidad de la policía y la discriminación racial que los miembros del grupo veían a su alrededor, mientras que Gangsta Gangsta” reflejaba la forma de ver la vida de la juventud del barrio atrapada en la mira de los pandilleros.
“No tenía idea de que ‘F*ck tha Police’ tuviera algún impacto a nivel mundial”, comenta Ice Cube. “Sabía que la gente en cada barrio, en cada gueto, en cada área marginada estaba sintiendo la misma frustración y sentirían la canción, pero, ¿el mundo? Yo creí que sólo se trataba de Norteamérica”.
Al grupo le llovía por todos los frentes. Tenían que lidiar con los líderes de la iglesia, la fuerza de la ley y el PMRC (Parents Music Resource Center). El grupo era muy conocido por la etiqueta de Advertencia de los Padres, así como de la “etiqueta Tipper”—refiriéndose a Tipper Gore, co-fundadora del grupo y esposa del entonces Senador Al Gore, quien estaba presionando en contra de las letras de N.W.A. Pero cuando el FBI los condenó, N.W.A voluntariamente se vio envuelto en la defensa de su derecho a la libertad de expresión y a la expresión creativa.
MC Ren recuerda esos días: “‘F*ck tha Police’ era como cualquier otra canción de nuestro disco. Pero una vez que desató la controversia, nos llevó a otro nivel. Todo el mundo estaba molesto por ella. El FBI, los predicadores, los políticos, todos. Pero no nos importó, sólo queríamos hacer música. Conforme me hice mayor, me di cuenta de que había tenido un gran impacto”.
Al igual que con cualquier película profundamente arraigada en la música, los realizadores debían sopesar sus opciones para intentar capturar la música. Quizá fue aún más difícil cuando se trataron de seleccionar las canciones y de capturar el singular sonido del catálogo de N.W.A.  
Finalmente, lo que querían era celebrar la música radical de N.W.A, y para hacerlo era esencial que lograran las pistas originales lo más realistamente posible. ¿Tendrían los actores que creativamente mejor encajaban en los roles las habilidades musicales para escucharse como el grupo? ¿Tendría el supervisor musical JOJO VILLANUEVA (American Reunion, Black or White), junto con el productor musical HARVEY MASON, JR. (The Help, Dreamgirls), la necesidad de mejorar digitalmente las voces del reparto, o serían los actores capaces de interpretar y grabar sus propias voces y ponerlas sobre las pistas originales? 
Las voces de N.W.A son todas únicas, y por supuesto, nadie del equipo quería subestimar su esencia. En etapas tempranas, Villanueva y Mason se cercioraron de que la mayoría del reparto, con algo de entrenamiento vocal, fuera capaz de sacar adelante las demandas de recrear casi todo el disco de “Straight Outta Compton”, así como las partes como solistas de Eazy-E, Ice Cube y Dr. Dre. En algunos casos, las voces serían mezcladas con las voces verdaderas para crear un híbrido balanceado.
El reparto obviamente estaba consciente del impacto de N.W.A, musical y socialmente hablando, y nuevamente numerosas conversaciones con sus contrapartes en la vida real les dieron un entendimiento adicional que les dio perspectiva a sus interpretaciones. Jackson comenta: “La música de N.W.A es la voz de la gente. Es educar a otros sobre las realidades que no escuchan a través de los medios de comunicación. Son ellos aclarando las cosas y quitando la venda de los ojos a la gente”.
Los actores se tomaron muy en serio la tarea de trabajar en el estudio. Hawkins y Brown también tendrían instrucción adicional para usar el panel de mezcla y los tornamesas con ROBERT “DJ ROBSHOT” JOHNSON, quien se unió a la producción como ‘coach’.
“Corey y yo tuvimos que aprender cómo ser DJs”, comenta Brown. “Yo quería ser capaz de rayar, cortar discos y mezclar. Le dije a Robshot, ‘Enséñame todo’, y él lo hizo. Desde preparar el equipo hasta demolerlo y todo lo que suceda en el medio. Lo seguí haciendo hasta que se convirtió en mi segunda naturaleza, hasta que me sentí como un DJ en forma”. 
Fue Ice Cube quien sugirió que se trajera al compañero rapero WILLIAM “WC” (se pronuncia “dob-C”) CALHOUN de Westside Connection, otro colaborador musical de Ice Cube, para entrenar al reparto con sus estilos de rap y la presencia en el escenario. WC estuvo con cada uno de los actores, mostrándoles un proceso metódico que analiza la letra de cada canción… así como el estilo, cadencia, tonalidad y entrega de cada uno de los miembros.

Las enseñanzas de las voces de rap del ‘coach’ los afectaron profundamente. “Soy un actor.  No puedo hacer rap, pero puedo actuar como si supiera cómo hacer rap”, declara Hawkins. “Dub ha sido una enorme caja de resonancia para todos nosotros. Todos estuvimos en el estudio, grabamos y escuchamos el rap de los demás. Después, tener a Cube y a Dre diciéndonos que estábamos haciendo un buen trabajo y que Eazy estaría orgulloso fue un sentimiento muy poderoso”.
Las escenas críticas de interpretación les dieron a los actores la idea del asenso de N.W.A y les permitieron compenetrarse en el escenario. La primera escena era con Ice Cube adueñándose del escenario con Dr. Dre y DJ Yella de World Class Wreckin’ Cru en Doo To’s, un club de Compton, cuando interpreta una versión en crudo de “Gangsta, Gangsta,” la cual llama la atención del miembro del público, Eazy-E. Era la primera vez para Jackson en un escenario con micrófono, al igual que para Hawkins y Brown, quienes apenas se estaban sintiendo cómodos al trabajar en las tornamesas. Para agregar un poco de presión, Dr. Dre estaba en el set ese día.
Uno de los momentos más memorables fue la escena que representa la primera actuación comercial de N.W.A en Skateland U.S.A. en Compton, una pista de patinaje sobre ruedas que también era sede para artistas del hip-hop y del rap locales y nacionales. “En Compton, Skateland era como el Apollo,” cita MC Ren.
Uniéndose al reparto y al equipo ese día estaban Dr. Dre, DJ Yella, MC Ren y The D.O.C., quienes a menudo escribían para el grupo y hacían giras juntos. Aquellos originarios de Compton estaban asombrados por la semejanza del set al Skateland real (la producción filmó en la pista de patinaje de Glendale), y por cómo el reparto había actuado en su primer espectáculo.
Hawkins nos narra esto: “Cuando llegó el día de filmar el espectáculo de Skateland,  la multitud era más grande y todos estaban ‘roqueando’ con ‘Dopeman’. Yo estaba ahí detrás, cortando las muestras, y realmente empezamos a sentir a N.W.A y a sentirlos como grupo. Había una contribución a nuestros personajes, pero también había una contribución para nosotros, demostrar que podíamos lograr traerlos de vuelta”.
Para el momento en que el N.W.A de la pantalla tenía fechas de filmación para las escenas de los espectáculos de la gira, ellos ya estaban en completa sincronía. Esas escenas, un montaje de las múltiples fechas en la gira única de 40 presentaciones en 1988, incluyeron conciertos en Houston, Texas; Louisville, Kentucky; y más notablemente, Detroit, Michigan, donde se produjo el incidente ahora-infame cuando la policía local invadió el escenario después de que interpretáramos “F*ck tha Police”.
Esas escenas fueron algunos de los momentos más nostálgicos tanto para Ice Cube domo para Dr. Dre. Algunos elogios especialmente gratificantes para Jackson se dieron durante las muchas conversaciones en el set con Dr. Dre, quien le dijo cuánto se parecían sus movimientos, sus gestos y sus inflexiones vocales a las de su padre. Jackson resume: “Para mí, el que Dre tuviera ‘flashbacks’ mientras me veía en el escenario significaba que lo estaba haciendo bien”.
Al filmar durante dos días en la Arena de Deportes de Los Ángeles, y otro día en el Auditorio Cívico de Santa Mónica, las escenas permitieron que miles de extras y admiradores de hueso colorado de N.W.A cantaran, vitorearan y aplaudieran mientras Jackson, Hawkins, Mitchell, Hodges y Brown cantaban “F*ck tha Police,” “Straight Outta Compton” y “Compton’s N the House.” Entre tomas, se podría escuchar a los fans gritándole a Mitchell “¡Te amamos, Eazy!” mientras los chicos se colocaban para otra toma.  
Ice Cube, Dr. Dre, DJ Yella y MC Ren estuvieron a la mano para muchas de esas actuaciones, lo cual energizó al reparto y al público. Fueron largos días, incluso para los extras más experimentados, pero cada noche todos eran recompensados cuando Ice Cube y WC brincaban al escenario e interpretaban un par de números para la multitud. Ice Cube incluso invitó a su hijo a que se le uniera en una canción, lo cual volvió loco al público.
En definitiva, todos estuvieron de acuerdo en que fue un buen día.

Compton, E.U.A.:
Locaciones y Diseño:
 
Mientras que la investigación y las conversaciones profundas con los miembros de N.W.A fueron esenciales para la interpretación de los actores y sirvieron de base para crear la visión de los realizadores de Letras Explícitas, no hubiera sido posible contarla correctamente sin escarbar en el telón de fondo ante el cual se desarrolla la turbulenta historia.
La ciudad de Compton a mediados de los 80’s, con su violenta historia y sus orgullosos residentes, es una parte integral del asenso de N.W.A así como cualquier otro elemento. El desafiante nombre de N.W.A, junto con las rudas letras, hablan directamente de la vida en este barrio predominantemente negro y de clase trabajadora marcado por las pandillas y la violencia. Cuando esta realidad fue expuesta clara y sencillamente por N.W.A, la compleja historia de esta compleja ciudad resonó en millones de personas de todo el país.
Más importante aún, la música del grupo se convirtió en un himno sobre lo que los jóvenes negros de todo el país estaban viviendo, permitiéndoles a ellos, a sus amigos y a sus familias tener una voz para sacar su coraje ante la brutalidad policial y la injusticia. El rap real nació de todo eso.
Gray mismo, producto de esa época en Los Ángeles, tiene sus propios recuerdos: “Yo crecí en el sur del centro de L.A., y era bastante duro en los 80’s. Era la era de Reagan, la economía estaba realmente mal y había un gran cambio en la cultura de las calles. N.W.A sólo lo exteriorizó sin censura y sin filtros. A veces, la vida era buena y a veces era peligrosa, y ellos capturaron eso en sus canciones. N.W.A y Compton son un referente histórico”.
Antes de que la fotografía principal comenzara, Mitchell hizo una peregrinación a Compton para entender su relevancia. “Cuando vine a California por primera vez, lo cual fue cuando firmé para hacer Letras Explícitas, hice toda la investigación que pude”, dice el actor. “Gran parte de ello fue ver de primera mano de dónde provenía él. Si investigas acerca de Compton, puedes saber un poco más de Eazy.”
La ciudad de Compton es parte de la tela de N.W.A, y el conocido mantra “Compton es el sexto miembro de N.W.A” es repetido por aquellos que crecieron ahí. Gracias a N.W.A, raperos de la Costa Oeste como Snoop Dogg y Tupac Shakur, y a exitosos raperos locales como The Game y el ganador del Grammy, Kendrick Lamar (ambos protegidos del Dr. Dre) que provienen de ahí, la pequeña ciudad es reconocida mundialmente.
En esa época, los raperos de la Costa Este hablaban de sus lugares de origen. Pero nadie hablaba de Compton, y eso era algo que Eazy-E quería cambiar. Ice Cube comenta acerca de la importancia de Compton para todos ellos: “Era uno de los principales objetivos de Eazy: Él quería hacer buenos discos, hacer mucho dinero y poner a Compton en el mapa. Compton siempre estuvo en su mente y como prioridad de lo que quería lograr. Era muy importante para él”.
Filmar en el sur de Los Ángeles atrajo a vecinos que esperaban ver algo de Ice Cube, Dr. Dre, DJ Yella y MC Ren. Los “Reyes de Compton” estaban en casa para contar su historia y fueron recibidos con los brazos abiertos. Brown comenta lo que recuerda de los días de filmación en la ciudad: “Igual que con la música de N.W.A… si haces feliz a Compton, vas a hacer feliz al mundo”.
Donde quiera que la producción iba a filmar, las noticias corrían rápidamente. Gente del antiguo vecindario los saludaba o gritaba los nombres de Ice Cube y Dr. Dre, quienes estaban atónitos mientras la gente se volvía a presentar con ellos y les recordaba alguna buena fiesta o al primo de alguien de aquellos días.
Capturar el sabor del sur central a fines de los 80’s y principios de los 90’s era clave para la visualización de Gray en Letras Explícitas. Trabajando de cerca con su equipo detrás de cámaras, conformado por el diseñador de producción Shane Valentino y la diseñadora de vestuario Kelli Jones, tomaron ventaja de todos los recursos a su disposición. Ice Cube, Dr. Dre, Woods-Wright y sus familias compartieron muchas fotos, videos y memorias colectivas de haber crecido en medio de la represión/guerra de la policía de Los Ángeles contra las drogas—en una época donde pareciera que cada hombre negro era el objetivo. Los daños colaterales de la guerra de Daryl Gates contra las drogas y los pandilleros eran los trabajadores y familias que iban a la iglesia, que vivían en los vecindarios y que quedaban atrapados en medio del fuego cruzado.
Por mucho que el reparto se esforzó en darle vida a sus personajes, el toque final se dio en su apariencia con peinados, maquillaje, vestuario y un diverso diseño de producción que incluyó desde las violentas calles de Compton hasta las elegantes casas de un millón de dólares de los parajes más ricos de Los Ángeles. 

ANDREA JACKSON (Dreamgirls, Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day) fue invitada al proyecto de producción como cabeza del departamento de estilistas. Ella supervisó las pelucas hechas por encargo que se usaron para recrear el aspecto de Jackson, Mitchell y Giamatti. Mientras que Jackson y Mitchell usaron el rizado Jheri, el estilo favorito de muchos afroamericanos durante los 80’s, Giamatti usó una peluca canosa con un copete para completar su aspecto.
El guardarropa sería el siguiente paso para reforzar el aspecto de todos los personajes. Ellos estuvieron en muy buenas manos con Jones, quien fue diseñadora de vestuario de la serie de larga duración de FX ,Sons of Anarchy, y cuya estética se apoya fuertemente de la cultura urbana que vio ascender a N.W.A. Aún así, ella hizo una copiosa investigación, incluyendo fotografías y videos de archivos, consultas con amigos cercanos y leyendo los blogs de fans de hueso colorado de N.W.A. Sabiendo que la base de rabiosos fans todavía sigue creciendo, ella quería asegurarse de que sus elecciones de diseño fueran lo más realista posible mientras ella ayudaba a visualizar el vestuario de la rica historia del grupo más peligroso del mundo.
Clave para su acercamiento era mantener el aspecto auténtico de la época mientras mantenía una vibra moderna. Afortunadamente, sólo tenía que voltear a ver a Ice Cube y a Dr. Dre, cuyas elecciones de moda actuales todavía reflejan su conexión con las calles. “Las fuertes letras de N.W.A hablaba de lo intensos que eran, y su estilo directo hacía lo mismo”, comenta ella. “La simplicidad era un elemento clave. No necesitaban verse llamativos. Los estilos de la Costa Este tendían a ser más de marca y más ostentosos, y yo quería que ilustrar la diferencia”.
No inmunes a las ventajas de la fama, N.W.A pronto usaría sus gruesas cadenas de cuerda de oro y sus brazaletes de eslabones, los cuales fueron añadidos por Jones. Aún así, algo clave permaneció: la ropa de la calle que ellos eligieron reinó por todo lo alto.
El calzado y la ropa que la diseñadora de vestuario usó para el elenco principal fue de Nike Air Force Ones y Cortezes, Converse Chuck Taylor All Stars, y pantalones y camisetas de Dickies. Ella agregó la cantidad correcta de Levi’s, camisetas ProClub, shorts Pendleton y chamarras de cierre deportivas—así como abundantes cosas de los Raiders de Los Ángeles. Ella también tuvo que vestir a los actores de reparto y a los extras con vestimenta de los 80’s y 90’s sin llegar a los aspectos cursis por los cuales esa época fue conocida.
De hecho, un camper separado de guardarropa fue usado para albergar las miles de piezas de ropa para los cientos de actores extras usados para la filmación. “Lo bueno es que los 80’s y los 90’s están otra vez de moda,” ríe Jones. “Fui a una tienda y vi toda una pared llena de ropa deslavada, pantalones de mezclilla ajustados y con cintura alta, y todo lo que tenían en la vitrina de joyería eran aretes de bambú. Era asombroso. Eso ayudó para vestir a las extras. Algunos aparecieron vestidos como si hubieran salido de un video musical de los 80’s, y yo sólo les cambié algunas cosas. Afortunadamente para el resto, teníamos un camión lleno de cosas geniales de los 80’s y los 90’s que habíamos comprado”.
El diseñador de producción Valentino fue encargado de visualizar el aspecto de nuevos ricos. Ya fuera recrear el Compton de los 80’s—tanto las modestas casas familiares y lugares de drogas hasta escenarios en sitios como Doo To’s y Skateland—o plasmar el exceso de las mansiones de la cima de su éxito ubicadas en vecindarios ricos de Los Ángeles, el consumado diseñador tenía infinidad de lugares por ambientar.
Sólo muy pocas escenas fueron filmadas en foros, ya que los realizadores querían sacar el mayor provecho de la producción basada en Los Ángeles y filmar en otras prácticas locaciones en el Valle de San Fernando, y el centro y Oeste de L.A. Algunos de los trabajos más ambiciosos de Valentino incluyeron las escenas de los disturbios de 1992 en Los Ángeles. Aunque las escenas fueron filmadas en un día, les tomó semanas de preparación.
Valentino platica lo que se necesitó para lograr la recreación de un momento histórico de L.A.: “El mayor reto fue crear un ambiente que funcionara para la narración de nuestra historia, y que al mismo tiempo se mantuviera fiel a la tremenda cantidad de documentación histórica. La ciudad de Los Ángeles se erige como otro personaje en la película; la textura y tono de este set en particular, necesitaba capturar los sentimientos de la comunidad de rabia, confusión y protesta. Necesitábamos enfocarnos en la sensibilidad del material y al mismo tiempo tener un compromiso fuerte y coordinado hacia la ejecución No podíamos darnos el lujo de tener cualquier aspecto equivocado”.
Las escenas fueron filmadas a lo largo de un tramo de cuatro cuadras en el Boulevard Laurel Canyon en el norte del Valle de San Fernando, donde los edificios existentes conservan el aspecto de la época.
El equipo de Gray diseñó fachadas de tiendas que fueron quemadas y cuyos vidrios fueron rotos, y permitieron la volcadura de vehículos. Cientos de extras gritaban: “¡No hay justicia, no hay paz!”, mientras otros interpretaban a saqueadores corriendo fuera de control y dueños de las tiendas con armas defendiendo su territorio en los tejados. Camiones de bomberos tripulados por bomberos reales de L.A. pasaban a toda velocidad por la escena para asistir un incendio controlado por el departamento de efectos especiales. Los transeúntes se reunían en la áreas bloqueadas y estaban asombrados por lo que estaban atestiguando.
El único aspecto de la filmación que el equipo y el reparto no podrían negar eran las dramáticas similitudes entre los violentos enfrentamientos, los arrestos intencionados y el acoso a jóvenes negros de mediados de los 80’s y las muertes en estos días de jóvenes negros en manos de la fuerza de la ley en todo Estados Unidos. Todos estaban en los corazones y en las mentes de la producción mientras el equipo recreaba los encuentros violentos que inspiraron mucho de la música de N.W.A.
Aún cuando la producción empezó en locaciones del sur central desde Compton hasta el Parque Leimert y el Boulevard Crenshaw, rostros de una vida pasada regresaron para ver su historia representada en la pantalla. Una de las mayores pruebas para toda la producción fue crear arte basado en gente real quienes quizá hayan recordado el pasado de forma diferente. 
Aunque no necesitaban preocuparse. Un número de sus viejos amigos—incluyendo a Jimmy Iovine, Lonzo Williams, The D.O.C., L.A. Law y DJ Speed—quienes son representados en papeles de soporte en la película, pasaron por el set y quedaron asombrados por sus dobles en pantalla. Muchos comentaron cómo fueron transportados en el tiempo… no sólo por cómo se veían los sets, sino por la energía y la vibra de esos primeros espectáculos y enfrentamientos.
Durante los últimos años, Compton ha estado pensando en el futuro para renacer bajo la guía de un nuevo liderazgo, tanto dentro como fuera de la infraestructura política. Sin embargo, aunque es difícil sacudirse el estigma de la violencia y las drogas que plagaron a la pequeña comunidad, también tiene un fuerte legado de sus hijos nativos de N.W.A, el cual se erige fuerte y orgulloso entre sus ciudadanos.
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Mientras que la amistad, el talento y la ambición juntaron es estos cinco chicos, la avaricia que tan fácilmente acompaña al dinero rápido terminó por separarlos. Casi 20 años después, la amistad entre N.W.A ha sido reparada y es más fuerte que nunca, lo cual fue más que evidente durante la filmación. Los logros y el legado del grupo eran celebrados diariamente mientras que Cube, Dre, Yella y Ren recordaban su tiempo juntos hace muchos años junto a Eazy-E.
Con la producción ahora terminada, Dr. Dre ofrece algunos pensamientos de cierre: “N.W.A fue un punto de partida perfecto para que todos nosotros nos conociéramos y fuéramos capaces de colaborar. Es la raíz de este increíble árbol de la vida. Para mí, se trata de la inspiración. Recientemente tuve una conversación con Cube acerca de cómo este proceso de filmación me ha inspirado a regresar al estudio. Quiero regresar al corazón de lo que me gusta hacer. Todo lo referente a mí está basado en la música, incluso los audífonos. En retrospectiva, no cambiaría nada, lo malo o lo bueno”.
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            Universal Pictures y Legendary Pictures presentan—en asociación con New Line Cinema/Cubevision/Crucial Films—una producción de Broken Chair Flickz de una película de F. Gary Gray: Letras Explícitas, estelarizada por O’Shea Jackson, Jr., Corey Hawkins, Jason Mitchell y Paul Giamatti. La música original del drama fue compuesta por Joseph Trapanese, y su supervisor musical fue Jojo Villanueva. La película fue editada por Billy Fox, ACE, y su diseñador de producción fue Shane Valentino. El director de fotografía de Letras Explícitas fue Matthew Libatique, ASC, y sus co-productores ejecutivos fueron S. Leigh Savidge, Alan Wenkus. Los productores ejecutivos de la película fueron Will Packer, Adam Merims, David Engel, Bill Straus, Thomas Tull, Jon Jashni, y fue producida por Ice Cube, p.g.a., Tomica Woods-Wright, Matt Alvarez, p.g.a., F. Gary Gray, p.g.a., Scott Bernstein, p.g.a., y Dr. Dre. La historia de  Letras Explícitas corrió a cargo de S. Leigh Savidge & Alan Wenkus y Andrea Berloff, y su guión fue escrito por Jonathan Herman y Andrea Berloff. La película fue dirigida por F. Gary Gray.  © 2015 Universal Studios.
www.straightouttacompton.com

ACERCA DEL REPARTO
O’SHEA JACKSON, JR. (Ice Cube) hace su debut en la actuación con Letras Explícitas en el papel de su vida, interpretando a su padre, O’Shea Jackson, mejor conocido como Ice Cube.
Aún así, el carismático joven de 23 años no es ajeno al escenario, habiéndolo compartido con su padre durante giras en numerosas ocasiones.
Jackson vive en Los Ángeles y planea continuar su carrera en la actuación.
COREY HAWKINS (Dr. Dre) fue recientemente visto en Broadway en el papel de Tybalt en la producción de David Leveaux de Romeo and Juliet, al lado de Orlando Bloom y Condola Rashad.  Otros de sus créditos incluyen la producción Katori Hall fuera de Broadway del Teatro Signature de Hurt Village, dirigida por Patricia McGregor; la producción de la Compañía de Teatro Roundabout de Suicide, Incorporated; y la producción del New York Stage and Film de Piece of My Heart: The Bert Berns Story.
Los créditos de Hawkins incluyen la película de Universal Pictures, Non-Stop, al lado de Liam Neeson, y la película de Marvel Studios, Iron Man 3. Sus créditos recientes en televisión incluyen Golden Boy y Royal Pains.
Graduado del programa de drama de la Escuela Juilliard, la interpretación de Hawkins como Walter Lee Younger en la producción de Juilliard, A Raisin in the Sun de Lorraine Hansberry, logró que lo invitaran a reinterpretar su papel en Los Ángeles, al lado de Rutina Wesley. Hawkins recibió el premio John Houseman, el cual se le otorga a un estudiante de Juilliard que ha demostrado una habilidad excepcional en el teatro clásico.
Con una personalidad magnética, JASON MITCHELL (Eazy-E) es un versátil nuevo talento que de manera constante ha construido una reputación como un actor en asenso. Una persona con un innegable carisma, Mitchell se enorgullece de interpretar dinámicos y complicados personajes.
Mitchell hizo su debut actoral en Texas Killing Fields, estelarizada por Sam Worthington.  Sus otros créditos en el cine incluyen Contraband de Baltasar Kormákur, estelarizada por Mark Wahlberg; y Broken City de Allen Hughes, con Wahlberg, Russell Crowe y Catherine Zeta-Jones.
Además de la película de N.W.A, Mitchell actuará al lado de Emile Hirsch, Zoë Kravitz y Zoey Deutch en la película independiente, Vincent-N-Roxxy. Él también será visto en la nueva comedia de New Line, Keanu, junto a Keegan-Michael Key, Jordan Peele y Will Forte. 
Nacido de padres militares en Würzburg, Alemania, Mitchell decidió ser actor en 2010 y tomó clases de actuación locales. Actualmente vive en Nueva Orleans, Louisiana, con sus dos hijas.
NEIL BROWN, JR. (DJ Yella) es un actor mejor conocido por sus papeles en Battle: Los Angeles de Jonathan Liebesman y Fast & Furious de Justin Lin. Sus otros créditos en cine incluyen Bad Blood, San Patricios, Scare Zone, Mr. 3000, Out of Time, Tigerland y el corto independiente Choices: The Good, the Bad, the Ugly.
Brown, nacido y criado en el difícil barrio de Richmond Heights en Orlando, Florida, fue contagiado por el virus de la actuación después de ganar un papel en programa de televisión de corta duración acerca de las artes marciales, WMAC Masters. Sus numerosos créditos en televisión incluyen papeles en NCIS: Los Angeles, Suits, NCIS, Weeds, Castle, The Walking Dead, Harry’s Law, Army Wives, Fear Clinic, Surface, South Beach y MDs
ALDIS HODGE (MC Ren) es mejor conocido por su papel como Alec Hardison en la exitosa serie de televisión de TNT, Leverage, el cual ganó el premio People’s Choice en 2013. Él estelarizó el piloto de Amazon The After, del creador de The X-Files, Chris Carter, y actualmente tiene un papel recurrente en la serie de AMC, TURN: Washington’s Spies. Próximamente, Hodge estelarizará la serie de televisión de Sony Pictures Television Underground, para WGN America, al lado de Jurnee Smollett-Bell y Christopher Meloni. 
Hodge estelarizó la película de suspenso de eco-terrorismo de Fox Searchlight Pictures The East, la cual también fue estelarizada por Alexander Skarsgård, Ellen Page, Patricia Clarkson y Brit Marling. Dirigida por Zal Batmanglij, la película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2013. Hodge también apareció en la película de Twentieth Century Fox, A Good Day to Die Hard, la más reciente película de la franquicia Die Hard
Hodge comenzó su carrera a los tres años cuando obtuvo un trabajo en impresos para ESSENCE con su hermano, Edwin (The Purge, The Purge: Anarchy, Red Dawn, la serie de TV Chicago Fire). Aldis Hodge después fue modelo de anuncios impresos y comerciales hasta que hizo su transición a la pantalla cuando él y su hermano fueron seleccionados para participar en Sesame Street. Después se unieron al reparto de la nueva puesta en escena ganadora del Tony del clásico Show Boat en Broadway. Durante ese periodo, él también apareció en varias películas, incluyendo Die Hard With a Vengeance, Bed of Roses, The Stone House, Edmond, The Ladykillers y Big Momma’s House.
Los papeles para televisión de Hodge incluyen la serie aclamada por la crítica Friday Night Lights, Supernatural, The Walking Dead, Girlfriends, American Dreamz, City of Angels, Bones, CSI: Crime Scene Investigation, ER, Cold Case, Charmed y Boston Public.
Hodge nació en Jacksonville, North Carolina, y fue criado en Nueva York. Además de la actuación, Hodge escribe guiones para el cine y la televisión, diseña relojes de lujo y es un ávido artista y pintor.
Actualmente vive en Los Ángeles.  

Con una diversa lista de elaboradas, galardonadas y aclamadas actuaciones, PAUL GIAMATTI (Jerry Heller) ha se ha posicionado como uno de los más versátiles actores de su generación.
Giamatti recientemente estelarizó la película de Bill Pohlad, Love & Mercy, y Madame Bovary de Sophie Barthes, en la cual interpretó al apasionado Monsieur Homais, entre otras películas. Giamatti también prestó su voz para la versión en inglés de la película animada francesa nominada al Oscar®, Ernest & Celestine, así como para la muy esperada adaptación para cine de The Little Prince, dirigida por Mark Osborne.  Giamatti también podrá ser visto en la serie de drama original de Showtime, Billions, en la cual interpreta el papel principal al lado de Damian Lewis, y en el drama independiente The Phenom, escrita y dirigida por Noah Buschel.
En 2014, Giamatti recibió una nominación al premio Primetime Emmy por su papel como actor invitado interpretando a Harold Levinson, el excéntrico hermano norteamericano del personaje de Elizabeth McGovern, Cora Crawley, en la altamente aclamada serie, Downton Abbey.
Antes de eso, Giamatti fue productor ejecutivo y estelarizó la comedia negra de Phil Morrison, All Is Bright, junto a Paul Rudd. La película se centra en dos vendedores franco canadienses de árboles de navidad que idean un plan para hacerse ricos rápido y viajan a Nueva York para vender árboles. Giamatti también fue visto en el drama ganador del Oscar® de Steve McQueen, 12 Years a Slave, Saving Mr. Banks de John Lee Hancock y el docudrama de Peter Landesman, Parkland. Él interpretó al formidable enemigo de Spider-Man, The Rhino, en la última película de la taquillera franquicia del superhéroe, The Amazing Spider-Man 2, dirigida por Marc Webb. En 2013, Giamatti apareció en la producción del Teatro de Repertorio de Yale, Hamlet.
En 2012, Giamatti fue visto en la adaptación del musical de Broadway de New Line Cinema, Rock of Ages, dirigida por Adam Shankman. La película co-estelarizada por Tom Cruise, Mary J. Blige, Alec Baldwin, Russell Brand y Julianne Hough. Giamatti también estelarizó la película de David Cronenberg, Cosmopolis, junto a Robert Pattinson y Juliette Binoche.
En 2011, Giamatti estelarizó la película aclamada por la crítica, Win Win, una película escrita y dirigida por el nominado al Oscar®, Thomas McCarthy. Giamatti interpretó a Mike Flaherty, un desanimado abogado que tiene un trabajo adicional como entrenador de lucha en una preparatoria y se encuentra con un atleta estrella gracias a algunos negocios un poco cuestionables. Giamatti también fue visto en The Ides of March, dirigida por George Clooney y co-estelarizada por Ryan Gosling, Clooney y Evan Rachel Wood. La película recibió una nominación al Globo de Oro a la Mejor Película de Drama.
Él también estelarizó la película de Curtis Hanson de HBO, Too Big to Fail, en la cual interpretó a Ben Bernanke al lado de William Hurt y Billy Crudup. La actuación de Giamatti lo hizo merecedor del premio del Gremio de Actores de la Pantalla a la Actuación Sobresaliente Masculina en una Película para la Televisión o Mini Serie, así como nominaciones al Primetime Emmy y al Globo de Oro.
Su interpretación Barney’s Version de 2010 lo hizo merecedor de un Globo de Oro. Basada en la exitosa novela del mismo nombre de Mordecai Richler, la película fue dirigida por Richard J. Lewis y co-estelarizada por Dustin Hoffman, Rosamund Pike y Minnie Driver. En 2008, Giamatti ganó los premios Primetime Emmy, SAG y Globo de Oro al Mejor Actor en Miniserie por su retrato como el papel titular en la miniserie de siete episodios ganadora del Primetime Emmy de HBO, John Adams. Dirigida por el director ganador del Primetime Emmy, Tom Hooper, Giamatti interpretó al Presidente John Adams mientras que el reparto también incluyó a galardonados actores como Laura Linney, Tom Wilkinson, David Morse y Stephen Dillane. En 2006, la actuación de Giamatti en la película de Ron Howard, Cinderella Man, le valió su primer premio SAG y el premio Critics’ Choice Movie al Mejor Actor de Soporte, así como nominaciones al Premio de la Academia ® y al Globo de Oro en la misma categoría.
Por su papel en la película aclamada por la crítica de Alexander Payne, Sideways, Giamatti ganó el premio al Mejor Actor en los premios Espíritu Independiente y en los premios del Círculo de Críticos de Nueva York, así como nominaciones al Globo de Oro y al SAG.
En 2003, Giamatti recibió críticas sobresalientes y menciones (nominación al premio Espíritu Independiente al Mejor Actor, y a la Actuación Sobresaliente del Año del Board of Review) por su retrato de Harvey Pekar en la película de Shari Springer Berman y Robert Pulcini, American Splendor.
Giamatti capturó por primera vez la atención de Norteamérica en la exitosa comedia de Betty Thomas, Private Parts. Su extensa lista de créditos cinematográficos también incluyen la película de Jonathan English, Ironclad; The Hangover Part II de Todd Phillips; The Last Station, al lado de Christopher Plummer y Helen Mirren; Duplicity de Tony Gilroy; Cold Souls de Sophie Barthes; Fred Claus de David Dobkin; Shoot ’Em Up, al lado de Clive Owen; The Nanny Diaries de Springer Berman y Pulcini; Lady in the Water de M. Night Shyamalan; The Illusionist de Neil Burger; Man on the Moon de Milos Forman; The Hawk is Dying de Julian Goldberger; Cradle Will Rock de Tim Robbins; The Negotiator de F. Gary Gray; Saving Private Ryan de Steven Spielberg; The Truman Show de Peter Weir; Donnie Brasco de Mike Newell; Storytelling de Todd Solondz; Planet of the Apes de Tim Burton; Duets, al lado de Gwyneth Paltrow; la película animada, Robots; Big Momma’s House, co-estelarizada por Martin Lawrence; Confidence de James Foley; y Paycheck de John Woo.
Como veterano actor de teatro, Giamatti recibió una nominación al Drama Desk al Actor Sobresaliente en una Obra por su papel de Jimmy Tomorrow en la nueva puesta en escena de Howard Davies del clásico de Broadway, The Iceman Cometh. Sus otros créditos en Broadway incluyen The Three Sisters, dirigida por Scott Elliott; Racing Demon, dirigida por Richard Eyre; y Arcadia, dirigida por Trevor Nunn. Él fue visto como parte del reparto de ensamble fuera de Broadway de The Resistible Rise of Arturo Ui, con Al Pacino.
Para la televisión, Giamatti apareció en The Pentagon Papers, con James Spader;  la película de HBO, Winchell, al lado de Stanley Tucci; y el segmento de Jane Anderson, “1961” en If These Walls Could Talk 2, también para HBO.
Él reside en Brooklyn, Nueva York. 
ACERCA DE LOS REALIZADORES
 
  1. GARY GRAY, p.g.a. (Director/Productor) es reconocido como uno de los directores más prolíficos y versátiles de la industria, notable por ser consistentemente arriesgado, por detectar nuevas tendencias y talentos, y por entregar entretenimiento innovador y emocionante a un público diverso.
Con su compañía de producción, Nucleus Entertainment, Inc., Gray recientemente produjo la película por estrenarse The Sea of Trees para el director Gus Van Sant, estelarizada por el ganador del Premio de la Academia ®, Matthew McConaughey y Naomi Watts. El drama, el cual se presentó en competencia en Cannes este año, sigue la historia de un norteamericano suicida que se hace amigo de un hombre japonés perdido en un bosque cerca el Monte Fuji y juntos buscan una salida.
Otras películas de Gray incluyen Law Abiding Citizen, con Gerard Butler y el ganador del Premio de la Academia®, Jamie Foxx; Be Cool, basada en la exitosa novela de Elmore Leonard, estelarizada por los nominados al Premio de la Academia®, John Travolta y Uma Thurman; The Italian Job, una película de suspenso visualmente impresionante con un reparto lleno de estrellas, incluyendo a la ganadora del Premio de la Academia®, Charlize Theron y al nominado al Premio de la Academia®, Mark Wahlberg; A Man Apart, con Vin Diesel; The Negotiator, con el ganador del Premio de la Academia® Kevin Spacey y el nominado al mismo premio, Samuel L. Jackson; la galardonada película acerca de un atraco, Set It Off, con Jada Pinkett Smith y la nominada al Premio de la Academia® y ganadora del Globo de Oro, Queen Latifah; y Friday, la cual inició la extremadamente popular franquicia, estelarizada por el rapero/productor Ice Cube y Chris Tucker.
Gray también es un importante miembro de su comunidad y ha sido un activo benefactor de numerosas organizaciones, incluyendo: Tom Bradley Youth & Family Center, My Friend’s House Foundation y Urban Compass, entre otras. Él ha recibido múltiples reconocimientos de la ciudad de Los Ángeles por su trabajo filantrópico.
El primer trabajo de JONATHAN HERMAN (Guión) en la industria del entretenimiento fue como asistente de producción de Paul Thomas Anderson en la película, Boogie Nights. Después de eso, él fue asistente de productor de Tom Sternberg durante el desarrollo y la producción de la película de Anthony Minghella, The Talented Mr. Ripley.  
Herman después fue director de desarrollo en StudioCanal Los Angeles antes de dejar el mundo del desarrollo para dedicarse a la escritura. Él vende su primer guión Conviction, a Warner Bros., para el productor Joel Silver. Poco después, él vendió otro, Rites of Men, a Universal Pictures. Desde entonces, Herman ha trabajado en numerosos proyectos de cine en Universal, incluyendo el ‘remake’ de The Birds y la película de suspenso tecnológica, Untitled Hacker Project, así como la película de suspenso psicológico y acción, The Demonologist, para ImageMovers y el ‘remake’ de la icónica, Scarface
ANDREA BERLOFF (Historia/Guión) tiene otras dos películas que serán estrenadas el próximo año: Sleepless Night, actualmente en producción para Open Road Films, estelarizada por Jamie Foxx y Michelle Monaghan y dirigida por Baran bo Odar y Blood Father, dirigida por Jean-François Richet y estelarizada por Mel Gibson.  Previamente, Berloff escribió World Trade Center, dirigida por Oliver Stone. Ella actualmente está escribiendo una película para Margot Robbie en Warner Bros.
  1. LEIGH SAVIDGE (Co-Productor Ejecutivo/Historia) fundó Xenon Pictures, Inc., la primera compañía de distribución independiente para contenido para público de color en el mercado del entretenimiento en casa en los Estados Unidos. La compañía tiene un catálogo de 160 títulos y ha financiado y producido varios documentales, incluyendo Dr. Martin Luther King, Jr.: A Historical Perspective, el primer documental acerca del Dr. King autorizado y respaldado por la Fundación King; Eminem AKA; y Mahalia Jackson: The Power and the Glory, entre otros.
Welcome to Death Row, un documental sobre Death Row Records, es el proyecto de más alto perfil de Savidge. Las primeras entrevistas sobre el proyecto ayudaron a proveerle las bases para los primeros borradores de Letras Explícitas, la cual fue concebida junto con Alan Wenkus y Andrea Berloff. 
ALAN WENKUS (Co-Productor Ejecutivo/Historia) era guionista y ejecutivo de programación en Premiere Network y Clear Channel cuando comenzaron las entrevistas con el antiguo manager de N.W.A, Jerry Heller, y la viuda de Eazy-E, Tomica Woods-Wright, lo que pronto se convirtió en el primer borrador de la cautivadora historia de Letras Explícitas
Wenkus actualmente escribe y produce la película biográfica para la pantalla grande de la leyenda de música country, George Jones, con 28 Entertainment y el legado de George Jones.
Straight Outta Compton
Así como la tecnología, los negocios y la sociedad han cambiado desde los 80’s, algo ha permanecido constante: ICE CUBE, p.g.a. (Productor) ha sido un excelente guardián cultural, comentando, examinando y detallando astutamente los puntos de vista norteamericanos de forma inflexible con una honestidad inquebrantable y una perspectiva que da qué pensar, así como con un hábil toque de comedia que ha ganado el cariño de varias generaciones de fans.
De hecho, al crecer en el sur del centro de Los Ángeles infestado de crimen y pandilleros en los 70’s y los 80’s, Ice Cube aprendió como navegar en el mundo donde las líneas entre lo que está bien y lo que está mal cambian constantemente. Igualmente importante, el magnate del entretenimiento con base en Los Ángeles ha encontrado una forma perdurable de presentar el humor que existe en medio de las situaciones difíciles.
Después de escribir las más memorables letras de las revolucionarias canciones de N.W.A, “Straight Outta Compton” y “Fuck Tha Police,” Ice Cube dejó el grupo en la cima de su popularidad por una disputa en la paga. Ese movimiento lo llevó a una de las más exitosas carreras en la historia de la música. Como solista, Ice Cube ha vendido más de 10 millones de discos mientras permanece siendo uno de los artistas de rap más respectados e influyentes.
Más allá de la música, Ice Cube se ha establecido como una de las figuras del entretenimiento más confiables, exitosas y prolíficas. En la arena del cine, él es un consumado productor/productor ejecutivo (Friday, Barbershop 2: Back in Business, Are We There Yet?), escritor (Friday, The Players Club, Janky Promoters) y director (The Players Club) quien es mejor conocido por su actuación.
Uno de los actores más rentables en la historia del cine, Ice Cube ha estelarizado las aclamadas franquicias Friday, Barbershop y Are We There Yet?, y a tenido papeles estelares como un adolescente conflictuado en Boyz n the Hood, un codicioso soldado en Three Kings y un agente elite del gobierno en xXx: State of the Union. La habilidad de Ice Cube de convertirse en un hombre empático y natural en cualquier género hace que sus personajes sean  convincentes y memorables, ya sea que esté interpretando a un controvertido estudiante universitario (Higher Learning) o un escéptico entrenador de fútbol americano (The Longshots).
Como productor de televisión, él llevó las series Barbershop y Are We There Yet? A tener exitosas corridas y también disfrutó el éxito con la controversial serie, Black. White, entre otros programas.
En 2012, Ice Cube apareció en la taquillera película, 21 Jump Street y en el drama independiente, Rampart. Entre sus proyectos de cine en desarrollo está otra película de Friday. Él también es vocero de ‘Coors Light’ y ha participado en varios comerciales para la marca.
En enero de 2014, Cube tuvo un enorme éxito con la taquillera, Ride Along, la cual fue producida por su compañía, CubeVision. La película estuvo en No. 1 en taquilla durante tres fines de semana consecutivos y es la película que más ha recaudado en la historia en el puente de Martin Luther King Jr. Tiene una espectacular taquilla mundial de $153.3 millones de dólares.
Cube más recientemente estelarizó 22 Jump Street, la secuela de la exitosa película, 21 Jump Street. 
Mientras que Cube ama hacer películas, su primera pasión siempre será la música. Su próximo disco, “Everythang’s Corrupt,” será el decimo octavo ya sea como solista o como miembro de un grupo (N.W.A, Da Lench Mob y Westside Connection) y saldrá a la venta a finales de este año.
En su nuevo LP, Ice Cube destaca la evolución de los Estados Unidos de América como un tierra donde la honestidad, el amor y el respecto han sido remplazados por una búsqueda sin sentido y sin frutos de bienes materiales.
 “Todo el mundo está tratando de obtener más de lo que realmente necesita y eso está volviendo loca a la gente”, comenta acerca de la mentalidad que inspiró la canción con acentos de piano, ‘One for the Money’. “Si no pueden obtenerlo, entonces buscan un escape, ya sea la bebida, las drogas, el baile, el sexo, lo que sea. Todos tratan de ser alguien, lo cual está bien. No hay nada de malo en eso. Pero ya eres alguien. Ya eres alguien antes de tratar de ser alguien. Conozco a muchos tipos famosos que no son buenas personas. Conozco a mucha gente que no son famosos y son buenas personas que dan un buen ejemplo y hacen lo correcto”.
Pero hacer lo correcto parece mucho más difícil para esa gente cuyo único propósito es acumular dinero y poder. En la ominosa canción, ‘Everythang’s Corrupt’, él habla de cómo el dinero a menudo es la respuesta a por qué las cosas funcionan de la manera que lo hacen. “No debes dejar nunca que el mundo te confunda”, explica él. “Todo lo que tienes que hacer es seguir al dinero y verás como las cosas se hacen o no se hacen. Es una vergüenza que el dólar se haya vuelto más importante y más preciado que la vida misma para tanta gente”.
Mientras que mucho del rap popular se centra en temas triviales, la música de Ice Cube permanece cruda e inflexible. Es una postura que ha mantenido desde mediados de los 80’s cuando se dio a conocer como miembro de los pioneros del rap gánster, N.W.A. En la canción “Can I Hit Some of That West Coast Shit?,” Ice Cube reta a la nueva generación de artistas a mejorar el género, algo que él ha hecho durante toda su carrera. “Básicamente dice ‘lo que estás por hacer, yo ya lo he hecho’ ”, él revela. “Es como decir: ‘Vamos, hombre. Haz algo nuevo. Si haces algo novedoso, sobresaldrás’.”
Para muestra de esto, Ice Cube ha sobresalido a través de su extraordinaria carrera. Su habilidad de adaptarse a nuevas tendencias y estilos y de darles un giro sin perder su propia identidad lo sitúan en una clase elite de artistas de cualquier género. Con ‘Sic Them Youngins on ’Em’, el demuestra su corriente dominante y estoica.
Este tipo de alquimia artística también le permite a Ice Cube elaborar una canción como “The Big Show,” en la cual él le hace saber a todos que en el mundo real, él va a permanecer fiel a sí mismo sin importar con quién interactúe. “Yo soy yo, hermano, tómalo o déjalo. Ya sea que seas un vagabundo del barrio u Obama”, comenta él.  “Sólo tienes que aceptarme como soy. De dónde vengo me ayuda para lidiar con todo el mundo”.
Como un gigante multimedia, Ice Cube ha construido una carrera que permanece robusta y difícil de categorizar. “Es difícil de definir”, él comenta. “Mi marca, en pocas palabras, es que yo creo ser un artista sólido. Siempre regreso a la palabra ‘sólido’. Tan sólido como una Harley-Davidson. Espero que la gente confíe en eso cuando pongo mi nombre en algo, no es sólo basura. No te la estoy tirando encima. Estoy tratando de darte una experiencia”.
Y él ha sobresalido en eso, una y otra vez.
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TOMICA WOODS-WRIGHT (Productora) es presidenta y Directora General de Ruthless Records, una marca propia independiente cuya historia involucra a artistas con discos de oro y multi-platino incluidos (pero no limitados a) Eazy-E, N.W.A y el ganador del Grammy, Bone Thugs-N-Harmony. Además de su papel en Ruthless records, ella mantiene varios negocios exitosos en la música, el manejo de marca y compañías fuera de la industria del entretenimiento.
Iniciando su carrera en 1989, la originaria de Los Ángeles se ha sumergido en el negocio de la música trabajando para su mentor, Clarence Avant. Ella comenzó a trabajar como principiante en Tabu Records y progresó a asistente ejecutiva y a directora del consejo de Motown Records para 1993. Gracias a esta experiencia, perfeccionó su visión para los negocios y canalizó su conocimiento hacia Ruthless Records.
En 1995, Woods-Wright adquirió Ruthless Records después de la trágica muerte de su fundador y dueño, Eric “Eazy-E” Wright, el empresario pionero del hip-hop que introdujo el género del rap gangsta al paisaje musical. Durante su mandato, Ruthless Records fue nombrada Marca Independiente del Año por la Asociación Nacional de la Industria Discográfica y generó ventas record que sobrepasaron, entre todos los discos de la marca, los 45 millones de unidades a nivel mundial.
Después de casi tres décadas, Woods-Wright ha evolucionado hasta convertirse en curadora de catálogos clásicos y continúa manteniendo, preservando, enalteciendo y extendiendo el legado de sus propiedades intelectuales utilizando tecnología existente y emergente, así como nuevos canales de distribución.
MATT ALVAREZ, p.g.a. (Productor) comenzó su carrera en New Line Cinema/Fine Line Features. Mientras estaba en el estudio, Alvarez trabajó en películas como Rumble in the Bronx y Deconstructing Harry.
Más tarde, Alvarez lanzó CubeVision con el legendario rapero/actor, Ice Cube. En su estancia en CubeVision, Alvarez produjo películas como la franquicia de Friday, la franquicia de Barbershop, la franquicia de Are We There Yet? y All About the Benjamins
Más recientemente, Alvarez produjo la taquillera película, Ride Along, estelarizada por Ice Cube y Kevin Hart, la cual ganó más de $130 millones de dólares a nivel doméstico; y la película de Gina Prince-Bythewood, Beyond the Lights para Relativity. Los ingresos de taquilla en cine de todas sus películas suman más de $800 millones de dólares.
Alvarez acaba de producir la película por estrenarse, Ride Along 2
SCOTT BERNSTEIN, p.g.a. (Productor) ha sido responsable del descubrimiento de películas comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de algunos de los más talentosos realizadores en las pasada dos décadas. Bernstein ha sido capaz de anteponer cuidadosamente el proceso creativo y, sobretodo, de tener un ojo para la viabilidad comercial. El año pasado, él abrió SMB Films, la cual está produciendo Ride Along 2, estelarizada por Kevin Hart y Ice Cube. La secuela del éxito de taquilla internacional, Mama, comenzará la producción en verano.
Bernstein actualmente está trabajando con algunos de los más reconocidos y veteranos realizadores, incluyendo a Guillermo del Toro (Pan’s Labyrinth), los Hermanos Hayes (The Conjuring), Michael Bay (Transformers), J.J. Abrams (la película por estrenarse Star Wars: Episode VII-The Force Awakens y Star Trek), Matt Reeves (Dawn of the Planet of the Apes) y John Lee Hancock (The Blindside), entre muchos otros. Él tiene varios proyectos con DreamWorks Pictures, Universal Pictures y Sony Pictures. 
Previamente, Bernstein fue vicepresidente ejecutivo en Universal Pictures. Más recientemente, Bernstein supervisó la producción de Ride Along, estelarizada por Cube y Hart. Ride Along se convirtió en la película más taquillera estrenada en enero y mantuvo la posición No. 1 en la taquilla doméstica durante tres semanas seguidas. En 2013, Bernstein supervisó el éxito de Guillermo del Toro, Mama, la cual generó más de $146 millones de dólares a nivel mundial. Su éxito continuó con la película de Jason Bateman y Melissa McCarthy, Identity Thief, la cual abrió en el lugar No. 1 en la taquilla doméstica y mantuvo esa posición durante dos semanas consecutivas. La película terminó recaudando más de $173 millones de dólares a nivel mundial.
Durante su estancia en Universal Pictures, Bernstein guió numerosos proyectos en el estudio, comenzando con la comedia romántica del 2006, The Break-Up, con Vince Vaughn y Jennifer Aniston, y recaudó más de and $204 millones a nivel mundial. En 2008, Bernstein supervisó el desarrollo y la producción de dos películas de Universal Pictures, la comedia Role Models, con Paul Rudd y Seann William Scott; y Hellboy II: The Golden Army, la cual se basó en el personaje sobrenatural de Dark Horse Comics y fue dirigida por Del Toro, frecuente colaborador de Bernstein. 
Antes de trabajar en Universal Pictures, Bernstein fue ejecutivo en Lionsgate Films, donde supervisó la producción de Monster’s Ball, por la cual Halle Berry ganó el Premio de la Academia® a la Mejor Actriz.
Straight Outta Compton
  1. DRE (Productor) nació en Compton, California, bajo el nombre de Andre Young y comenzó su carrera musical como miembro de World Class Wreckin’ Cru. Poco después, Dre co-fundó N.W.A con Ice Cube, MC Ren, DJ Yella y el fallecido, Eazy-E. Ellos llevaron la rabia y la intensidad de la vida en el sur del centro de Los Ángeles a una conciencia global con su mítico disco, “Straight Outta Compton.” En 1992, Dre estrenó su debut como solista, “The Chronic.” Después del cual estrenó su segundo disco, el ganador en seis ocasiones del disco de platino, “2001.”
En 1996, Dre lanzó Aftermath Entertainment, donde durante varios años descubrió súper estrellas del hip-hop como 50 Cent, The Game, Kendrick Lamar y Eminem, cuyo disco debut en 1999, “The Slim Shady LP,” vendió nueve millones de copias.
En 2008, Dre co-fundó Beats Electronics, la compañía de productos electrónicos de audio, con Jimmy Iovine. En enero de 2014, ellos lanzaron Beats Music—un servicio de suscripción de transmisión en vivo. Apple adquirió ambas en julio de 2014.
En 2013, Iovine y Dre donaron $70 millones de dólares a la Universidad del Sur de California para crear la Academia de Artes, Tecnología y Negocios de Innovación USC Jimmy Iovine y Andre Young—un nuevo modelo de entrenamiento e inspiración para jóvenes innovadores.
WILL PACKER (Productor Ejecutivo) se ha establecido como uno de los hacedores de éxitos taquilleros de Hollywood, con siete de sus películas abriendo en el lugar No. 1 de la taquilla. En 2013, Packer firmó un contrato de producción con Universal Pictures y Universal Television. Bajo este contrato, Packer desarrolla nuevos proyectos para los estudios a través de su productora, Will Packer Productions. En 2014, Packer logró la rara proeza de producir dos películas entre los primeros seis lugares de la taquilla. La próxima película de Packer, Ride Along 2, se estrenará en cines el 15 de enero de 2016. 
Las películas de Packer en el lugar No. 1 son No Good Deed (2014), Think Like a Man Too (2014), Ride Along (2014), Think Like a Man (2012), Takers (2010), Obsessed (2008) y Stomp the Yard (2007). Su película más exitosa hasta la fecha es la cinta de Universal, Ride Along, estelarizada por Ice Cube y Kevin Hart. Ride Along debutó en el lugar No. 1 de la taquilla en 2014, rompiendo records por un total de $48.6 millones de dólares durante el fin de semana de Martin Luther King, Jr.. Ride Along se convirtió en una de las mayores aperturas en enero de todos los tiempos. La película estuvo en el primer lugar de taquilla durante tres semanas competitivas y recaudó más de $153 millones a nivel mundial. Think Like a Man, la adaptación al cine del exitoso libro de Steve Harvey, ‘Act Like a Lady, Think Like a Man’, generó más de $96 millones de dólares a nivel mundial y ganó el premio BET 2013 a la Mejor Película. Stomp the Yard estuvo en el lugar No. 1 durante dos semanas y fue nombrada la Película del Año de 2007 en los Premios BET de Hip Hop. Obsessed, con la mega estrella Beyoncé Knowles, fue la tercera apertura más alta en la historia de la compañía Screen Gems cuando se estrenó. No Good Deed, estelarizada por Idris Elba y Taraji P. Henson, es su más reciente película en el lugar No. 1 con más de $53 millones de dólares. Packer también disfrutó del éxito con su película navideña, This Christmas (2007), la cual generó cerca de $50 millones a nivel mundial, así como About Last Night (2014), la cual llegó a los cines durante el fin de semana de San Valentín y abrió como la comedia romántica No. 1 en Norteamérica.
El estreno más reciente de Packer, la película de este año, The Wedding Ringer, estelarizada por Hart y Josh Gad, sostiene el record de la película No.1 clasificada como restringida estrenada en enero. Todas las películas de Packer juntas han recaudado más de $800 millones de dólares.
En la parte de televisión, Packer será el productor ejecutivo de Roots, una nuevo ‘remake’ de uno de los más celebrados programas de TV de todos los tiempos, una serie evento que saldrá al aire simultáneamente en los canales History Channel, A&E y Lifetime en 2016. También haciendo una incursión mayor en la programación estelar de la TV, Packer es el productor ejecutivo de dos comedia por estrenarse: People Are Talking (NBC) a estrenarse el 16 de octubre de 2015, y Uncle Buck (ABC) que debutará a principios de 2016.
En 2012, Packer fue reclutado como miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, la organización conocida alrededor del mundo por la entrega anual de sus Premios de la Academia®, también conocidos como los Óscares®. Como parte de la serie “Conversaciones de la Academia”, La organización presentó una charla con Packer en el Festival de Cine de Sundance en 2013. Esto marcó la primera vez que AMPAS participó en un programa en el renombrado festival.
Packer ha aparecido en la portada de las revistas Black Enterprise y Essence y ha sido reconocido en varias listas de revistas de alto perfil, incluyendo la lista de los 10 Productores para Observar de Variety, las listas de los Más Poderosos Jugadores Bajo los 40, y los 10 Productores más Redituables de Hollywood de Black Enterprise, Quién es ‘Hot’ de Observar de Jet y la prestigiada lista de los 100 Poderosos de Ebony.
Como productor y fundador de la compañía productora con base en Los Ángeles, Will Packer Productions, Packer supervisa todos los aspectos del negocio. Antes de lanzar su propia compañía en 2013, él co-fundó Rainforest Films con el director Rob Hardy en el verano de 1994 mientras ambos eran estudiantes de ingeniería en la Universidad A&M de Florida (FAMU). Después de graduarse con honores con una licenciatura en ciencias (Ingeniaría Eléctrica) en 1996, Packer decidió renunciar al lucrativo trabajo ofrecido en el campo de la ingeniería para capitalizar sus instintos empresariales y su pasión por la realización de cine.
Packer es un orador dinámico e inspirador que da pláticas educacionales y motivacionales a grupos de la industria del cine, preparatorias y universidades (incluyendo la Universidad de Harvard), así como a organizaciones juveniles y comunitarias a nivel nacional. Él ha sido honrado con las llaves de la ciudad en su pueblo natal, St. Petersburg, Florida, así como de Miami, Florida, y se ha proclamado el “Día Will Packer” en Chattanooga, Tennessee, y en Ft. Lauderdale, Florida. Packer también ha sido honrado con el Premio al Logro Meritorio de la FAMU, el honor más grande que su alma mater otorga.
Packer vive en Atlanta con su familia.
ADAM MERIMS (Productor Ejecutivo) recientemente fue productor ejecutivo de Lee Daniels’ The Butler, dirigida por Lee Daniels y estelarizada por Forest Whitaker, Oprah Winfrey y David Oyelowo, así como la película por estrenarse Child 44, dirigida por Daniel Espinosa y estelarizada por Tom Hardy, Noomi Rapace y Gary Oldman.
Sus otros créditos recientes en cine incluyen la taquillera película de Universal Pictures de 2012, Safe House, dirigida por Daniel Espinosa y estelarizada por Denzel Washington y Ryan Reynolds; The Lucky Ones, con Rachel McAdams, Tim Robbins y Michael Peña; y The Hunting Party (la secuela de Richard Shepard de The Matador), estelarizada por Richard Gere, Terrence Howard y Jesse Eisenberg.   
Merims fue uno de los productores ejecutivos del director Billy Ray en la película de Universal Pictures, Breach, estelarizada por Chris Cooper, Ryan Phillippe y Laura Linney. Él también fue productor ejecutivo de la película de Lasse Hallström, Casanova, con Heath Ledger, Sienna Miller, Oliver Platt y Jeremy Irons; The Matador de Shepard, con Pierce Brosnan, Greg Kinnear y Hope Davis; y la película del escritor/director/actor David Duchovny, House of D, con Robin Williams, Téa Leoni, Erykah Badu y Anton Yelchin.
Merims produjo la película aclamada por la crítica de Ray, Shattered Glass, estelarizada por Hayden Christensen, Peter Sarsgaard, Chloë Sevigny, Steve Zahn, Rosario Dawson y Hank Azaria. Sus otros créditos como productor incluyen la película de Ed Solomon, Levity, con Billy Bob Thornton, Morgan Freeman, Holly Hunter y Kirsten Dunst, la cual abrió el Festival de Cine de Sundance de 2003; Love Stinks del escritor/director Jeff Franklin, con French Stewart, Bridgette Wilson-Sampras, Tyra Banks y Bill Bellamy; y Cold Around the Heart, escrita y dirigida por John Ridley y producida ejecutivamente por Oliver Stone. Merims fue co-productor de Universal Soldier: The Return y Freeway.
Desde agosto de 1993 hasta noviembre de 1994, Merims fue productor y cabeza de operaciones de la Costa Oeste de Nickelodeon Movies. En Nickelodeon, él fue responsable de abrir la oficina de cine de Nickelodeon en Los Ángeles e identificar y desarrollar proyectos adecuados para producirse en cine en el campo del entretenimiento familiar en conjunto con 20th Century Fox y Paramount Pictures.
Antes de Nickelodeon, Merims trabajó como vicepresidente de producción de Lobell/Bergman Productions de abril de 1990 a julio de 1993; ahí fue responsable del desarrollo de la compañía. Durante su estancia en Lobell/Bergman, él fue productor asociado de las películas de Andrew Bergman, Honeymoon in Vegas y Undercover Blues, y Little Big League de Andrew Scheinman.
De 1984 a 1989, Merims trabajó como productor independiente, gerente de producción y director asistente. En estas capacidades, él estuvo involucrado en varios proyectos, incluyendo la miniserie original, Lonesome Dove. El ha sido miembro del Gremio de Directores de Norteamérica desde 1986.
Merims se graduó del Williams College con una licenciatura de artes en filosofía y economía. Él también se graduó de la Escuela Colegiada en la ciudad de Nueva York.  Él actualmente vive en Los Ángeles con su amada esposa y sus dos niños.
DAVID ENGEL (Productor Ejecutivo) es socio de Circle of Confusion, una compañía de producción y administración de cine y televisión en Los Ángeles y Nueva York. Circle of Confusion representa a escritores, directores, actores, creadores de comics y compañías de videojuegos. Actualmente, Circle of Confusion produce The Walking Dead en AMC.
Engel es productor de la películas por estrenarse, Fire, basada en la novela biográfica de Brian Michael Bendis, con Universal Pictures y Zac Efron como protagonista.  Además, él está listo para producir Your Bridesmaid Is a Bitch, del cliente de Circle of Confusion, Brian Duffield de Skydance Productions. Engel recientemente fue productor ejecutivo de Powers, la primera serie original de Sony Pictures Television/PlayStation Network, estelarizada por Sharlto Copley. La serie se estrenó en marzo de 2015 y actualmente está disponible en el Canal Playstation.
Engel se graduó de la Universidad Cornell con una licenciatura en artes en Inglés.
Straight Outta Compton
Después de trabajar con el director John Singleton, un compañero de colegio, en la revolucionaria película, Boyz N the Hood, BILL STRAUS (Productor Ejecutivo) vendió su guión original, The Clown Prince, a TriStar Pictures.
Varios años después, él recibió el grado de maestría del Programa de Programa de Peter Stark en la Escuela de Artes Cinematográficas de USC. Un verano de becario en New Line Cinema se convirtió en una posición en el departamento de historia y eventualmente fue ascendiendo hasta las filas ejecutivas.
Después de dejar New Line Cinema, Straus logró un contrato en la compañía de administración y producción Circle of Confusion. Su primera película, The Man, con Samuel L. Jackson y Eugene Levy, fue estrenada en 2005. Él fue productor de Weapons, con Nick Cannon y Paul Dano, y como productor ejecutivo de Red con Brian Cox, ambas selecciones del Festival de Cine de Sundance en 2007 y 2008, respectivamente. Straus también produjo The Last Rites of Joe May, con Steppenwolf Films, estelarizada por el fallecido Dennis Farina, la cual fue enlistada por Roger Ebert como una de las Mejores Películas de 2011.
Straus, originario de Brooklyn, Nueva York, regresó a Nueva York en 2011 y lanzó la empresa de ventas domésticas, BGP Film. Él ha vendido películas en Sundance, Berlin, Toronto, SXSW y muchos otros importantes festivales.
THOMAS TULL, p.g.a. (Productor Ejecutivo), Presidente y Director General de Legendary Pictures, ha logrado un gran éxito en la co-producción y co-financiamiento de grandes películas. Desde su inicio en 2004, Legendary Pictures, la división de cine de la compañía líder de medios Legendary Entertainment que también tiene divisiones de televisión, digital y comics, ha hecho equipo con Warner Bros. Pictures en un amplio rango de películas.
Los muchos éxitos recientes estrenados bajo esta unión incluyen Man of Steel de Zack Snyder y la taquillera trilogía Dark Knight de Christopher Nolan, la cual empezó con Batman Begins, seguida por los éxitos The Dark Knight y The Dark Knight Rises. La trilogía recaudó más de $1 billones en la taquilla mundial.
La muy exitosa sociedad también produjo películas como 300 y Watchmen de Snyder y 300: Rise of an Empire, la cual produjo Snyder; The Town de Ben Affleck; el galardonado drama de acción Inception de Nolan; el éxito internacional Clash of the Titans y su secuela, Wrath of the Titans; y The Hangover, The Hangover Part II de Todd Phillips, la cual es la comedia con clasificación para adultos más taquillera de todos los tiempos, y The Hangover Part III.
Legendary recientemente estrenó la película de Angelina Jolie, Unbroken, As Above/So Below de John Erick Dowdle, Godzilla de Gareth Edwards, Pacific Rim de Guillermo del Toro y el exitoso drama de Brian Helgeland, 42, la historia de la leyenda del beisbol, Jackie Robinson. Legendary está en la postproducción de Warcraft, basada en el popular universo del juego de Blizzard Entertainment.  
Tull está en el consejo de directores del Hamilton College, su alma mater, y de la Universidad Carnegie Mellon. Él también participa en los consejo del Salón de la Fama Nacional de Beisbol y del Zoológico de San Diego, y es parte del grupo dueño del equipo seis veces campeón del Super Bowl, Pittsburgh Steelers, en donde tiene un lugar en el consejo. Tull invierte en negocios digitales, de medios y de estilos de vida a través de su compañía Tull Media Ventures, un fondo de inversión privado.
JON JASHNI, p.g.a. (Productor Ejecutivo) supervisa el desarrollo y la producción de todos los proyectos de cine de Legendary Pictures y es presidente y director creativo de Legendary Entertainment, una compañía líder en medios con divisiones de cine, televisión, digital y comics. Jashni actualmente está produciendo Warcraft y es productor ejecutivo de la película de Angelina Jolie, Unbroken, y la película épica de acción y aventuras, Seventh Son.
Previamente, Jashni fue productor de las películas de Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures, Pacific Rim y Godzilla y fue productor ejecutivo de películas de Legendary como 300: Rise of an Empire; la película biográfica de Jackie Robinson, 42; la internacionalmente exitosa, Clash of the Titans; y The Town dirigida, co-escrita y estelarizada por Ben Affleck.
Antes de Legendary, Jashni fue presidente de Hyde Park Entertainment, una compañía de producción y financiamiento con contratos con 20th Century Fox, Walt Disney Pictures y MGM. En Hyde Park, él supervisó el desarrollo y la producción de Shopgirl, Dreamer: Inspired by a True Story, Walking Tall y Premonition.
Antes de unirse a Hyde Park, Jashni fue productor en la comedia romántica de Andy Tennant, Sweet Home Alabama. Su colaboración con Tennant comenzó con su cuento de hadas Ever After: A Cinderella Story, para la cual Jashni supervisó el desarrollo y la producción como productor ejecutivo senior en 20th Century Fox.
Jashni también co-produjo dos películas nominadas al Premio de la Academia®: el drama aclamado por la crítica, The Hurricane, la cual obtuvo una nominación a Mejor Actor para Denzel Washington; y Anna and the King (una reinterpretación no musical de la obra Anna and the King of Siam), la cual fue estelarizada por Jodie Foster y ganó dos nominaciones al Oscar®.
Jashni es consejero del American Film Institute y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y del Gremio de Productores de Norteamérica. Él tiene una licenciatura en ciencias de la Universidad del Sur de California y una maestría en administración de empresas de la Escuela de Administración Anderson de UCLA.
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El nominado al Premio de la Academia® MATTHEW LIBATIQUE, ASC (Director de Fotografía) ha forjado una carrera única durante las pasadas dos décadas. Él comenzó con la idea de convertirse en un fotógrafo de videos musicales porque le atraía el potencial de la manipulación de imágenes electrónica, pero pronto estaba creando imaginería atrevida e innovadora para formatos más grandes. Libatique tiene una relación profesional de hace tiempo con el director Darren Aronofsky, para quien el fotógrafo ganó puntos con Pi, un inquietante retrato en blanco y negro en 16mm. Libatique llevó la emulsión de la película al límite para representar una mente inestable y deteriorada obsesionada con los números. Pi ganó el Premio de Dirección en el Festival de Cine de Sundance, y Libatique fue honrado con una nominación al premio Espíritu Independiente por su trabajo; la carrera de cine de Libatique había despegado.  
Más recientemente, Libatique y Aronofsky trabajaron juntos en Noah, su sexta colaboración. Libatique fue nominado al premio de la Sociedad Norteamericana de Cinematógrafos (ASC) y a un Premio de la Academia® por Black Swan, también dirigida por Aronofsky. Black Swan fue filmada en Super 16, lo cual es raro para una nominación al Oscar® en la categoría de fotografía. Por su trabajo en Black Swan, Libatique también recibió nominaciones a los premios BAFTA, Critics Choice y Espíritu Independiente, por nombrar algunos.
Otras colaboraciones de Libatique con Aronofsky incluyen Requiem for a Dream, por la cual Libatique ganó el Premio Espíritu Independiente a la Mejor Fotografía, así como nominaciones de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston y la Sociedad de Críticos de Cine Online. Libatique también fue director de fotografía de la película de Aronofsky The Fountain; ellos trabajaron por primera vez juntos en el cortometraje Protozoa en 1993.
Libatique tiene colaboraciones regulares con varios directores, incluyendo a Spike Lee, para quien fotografío Miracle at St. Anna, She Hate Me y Inside Man; Joel Schumacher, en Tigerland y Phone Booth; y Jon Favreau, en Iron Man, Iron Man 2 y Cowboys & Aliens
Otros créditos de cine incluyen Gothika, para Mathieu Kassovitz; Abandon, para Stephen Gaghan; Everything Is Illuminated, para Liev Schreiber; My Own Love Song, para Olivier Dahan; y Ruby Sparks, para los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris. 
Libatique estudió en el prestigiado American Film Institute, donde obtuvo una maestría de artes en cinematografía. En 1995, Libatique comenzó su carrera como fotógrafo en la industria del video musical. Su trabajo ha aparecido en MTV para artista como The Cure, Usher, Death in Vegas, Erykah Badu, Incubus, Tupac Shakur, Moby, Snoop Dogg, Jay-Z y The Fray. Libatique ganó un Premio de la Asociación de Producción de Video Musical a la Mejor Fotografía en 2002, por “Mad Season” de Matchbox Twenty. Trabajando en comerciales, videos musicales, él ha combinado fuerzas con talentosos directores como Stacy Wall, Floria Sigismondi, Dante Ariola, Brian Beletic, Phil Harder, Terry Richardson, Mark Pellington, Traktor, Kinka Usher, StyleWar y Noam Murro. 
SHANE VALENTINO (Diseñador de Producción), graduado del Occidental College, comenzó su carrera en la ciudad de Nueva York. Él primero trabajó como director de arte del canal Oxygen antes de tornar su atención a la realización de cine, trabajando en compañías de producción independientes de la ciudad de Nueva York como InDigEnt, Moxie Pictures y Flan de Coco Films.
Antes de reubicarse en Los Ángeles, Valentino trabajó como director de arte en películas como Batman Begins de Christopher Nolan, The Lake House de Alejandro Agresti y Somewhere de Sofia Coppola. Después ascendió a diseñador de producción para película como Taking Chances de Talmage Cooley, estelarizada por Justin Long y Emmanuelle Chriqui; y Ball Don’t Lie de Brin Hill, estelarizada por Ludacris y Nick Cannon.
Valentino fue diseñador de producción en Beginners de Mike Mills, por la cual Christopher Plummer ganó un Oscar® al Mejor Actor de Soporte. Su trabajo en la película llamó la atención del director Ryan Murphy, con quien Valentino trabajó en la película ganadora del Primetime Emmy de HBO, The Normal Heart, así como el piloto HB, Open. Otros créditos de televisión incluyen House of Lies de Showtime, con Don Cheadle, y Prime Suspect de NBC. 
Además de diseñar películas, programas de televisión y comerciales, Valentino está activamente involucrado con el diseño de exhibición de museos. Para el Museo de Arte Metropolitano, él fue director de arte supervisor para la exhibición del Instituto del Vestuario “Superheroes” (2008) y preparó la siguiente exhibición, “American Woman” (2010).
Valentino diseñará la nueva película de Tom Ford, Nocturnal Animal.
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BILLY FOX, ACE (Editor) ha prestado su talento en la edición para varios proyectos, desde dramas y miniseries de televisión hasta películas cinematográficas. Fox fue coproductor y editor de la galardonada miniserie de HBO, Band of Brothers para Tom Hanks y Steven Spielberg.
Sus créditos en cine incluyen Hustle & Flow para el director Craig Brewer, con John Singleton como productor. Singleton después llamó a Fox para editar Four Brothers para Paramount Pictures. Fox volvería a colaborar con Brewer en el drama Black Snake Moan y en el ‘remake’ de Footloose. Fox también trabajó con Jeffrey Nachmanoff en Traitor, con Don Cheadle y Guy Pearce y con Breck Eisner en The Crazies.
Fox editó la película por estrenarse de Gilles Paquet-Brenner, Dark Places, adaptada de la exitosa novela de Gillian Flyn y protagonizada por Charlize Theron, Chloë Grace Moretz y Nicholas Hoult.
Fox ha ganado 15 premios importantes y numerosas nominaciones, incluyendo el premio Emmy, dos premios BDA, el premio The International Monitor, un Peabody, The Golden Laurel y un premio Humanitas. 
KELLI JONES (Diseño de vestuario) se ha forjado un lugar como la diseñadora de vestuario ideal para descripciones realistas y crudas, para los personajes y géneros más emocionantes de las películas del cine y la televisión. Después de iniciarse en la segunda temporada de la serie aclamada por la crítica de FX, The Shield, Jones fue llamada para desarrollar el aspecto que creó un fenómeno de la moda con el muy popular drama sobre pandillas en bicicleta, Sons of Anarchy. Para Sons, Jones no sólo le dio un incuestionable atractivo sexual a los personajes, sino que fue nominada al premio del Gremio de Diseñadores de Vestuario en la prestigiada categoría de Serie de Televisión Contemporánea Sobresaliente.
Como prueba de la popularidad de su estilo original, ella incluso desarrolló una línea de ropa y joyería Sons of Anarchy que es vendida directamente a los fans en el sitio del Canal FX. Estos diseños y punto de vista no pasaron ajenos para los productores de la película de suspenso Homefront, quienes la eligieron para crear el aspecto de Jason Statham, James Franco, Winona Ryder y Kate Bosworth.
Además, Jones ha diseñado vestuario para películas como Chrystal, estelarizada por Billy Bob Thornton; Four Reasons, con Josh Lucas y Radha Mitchell; e Isolation, para el director de Sons of Anarchy, Stephen Kay.
Otros créditos de televisión de Jones incluyen Hawaii, North Shore, Standoff, Women’s Murder Club, Memphis Beat, Parks and Recreation, Franklin & Bash y varios pilotos de series de televisión, incluyendo Star-Crossed para el canal CW y la innovadora serie de Fox The Following, estelarizada por Kevin Bacon y producida por Kevin Williamson.
Jones recientemente hizo el diseño de vestuario del piloto de Rosewood, un drama ubicado en Miami, que saldrá al aire en FOX antes de Empire este otoño. Ella diseñó el vestuario de la película sobre pandillas, Shot Caller, para Relativity y Bold Films, dirigida por Ric Roman Waugh, la cual será estrenada en primavera de 2016.
El amor a la música clásica y al sonido electrónico de JOSEPH TRAPANESE (Música original) comenzó a una temprana edad. Esta dualidad continuó hasta su entrenamiento formal en el conservatorio de Nueva York, donde él se presentaba en el Carnegie Hall y otros importantes lugares de conciertos de Nueva York mientras que hacía música para producciones de cine, tocaba en bandas de jazz y latinas, y escribía música experimental e interactiva. Una vez instalado en el vibrante paisaje de las artes en Los Ángeles, él descubrió que esos diversos caminos comenzaron a converger, llevándolo a colaborar con artistas para varias muy esperadas bandas sonoras recientes; desde Daft Punk para TRON: Legacy hasta Mike Shinoda para The Raid: Redemption, así como  M83 para Oblivion y “Hurry Up, We’re Dreaming” y Moby’s “Extreme Ways” para The Bourne Legacy.
Un versátil compositor, Trapanese ha prestado su sonido único e hibrido a producciones como el fenómeno juvenil The Divergent Series: Insurgent, la aclamada por la crítica The Raid 2, y la película familiar de ciencia ficción y aventuras, Earth to Echo. Él también ha contribuido como arreglista de ‘Piece by Piece’ y ‘Wrapped in Red’ para Kelly Clarkson; ‘Rapor EP’ para Active Child; ‘In Cold Blood’ para White Sea; ‘True Colors’ en vivo desde el Edificio Empire State y ‘Stay the Night’ en vivo en Central Park en Good Morning America para Zedd; y el nuevo disco de John Newman; y también fue co-escritor y co-productor ‘Do or Die’ de 3OH!3.   
Él ha sido director de orquesta para conciertos en vivo con M83 (in 2013 en el Hollywood Bowl con la Orquesta Hollywood Bowl en 2013 y en el SummerStage en Central Park de la ciudad de Nueva York en 2012); Kelly Clarkson (“Kelly Clarkson a Cautionary Christmas Music Tale” en vivo en NBC desde Las Vegas, 2013); y con la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, cuando en febrero de 2014 fue invitado por el compositor Steven Price para conducir partes de su galardonada música de la película Gravity en el Royce Hall de UCLA, durante el primer evento de “Oscar® Concert”.
DEBRA DENSON (Departamento de Maquillaje) siempre ha sentido una pasión por la belleza y la moda. Ella asistió al Los Angeles Trade-Technical College para estudiar Maquillaje Técnico y a Learning Tree University, donde aprendió acerca de todos los aspectos del arte del maquillaje.
Después de hacer varias películas para estudiantes y estudios de fotografía en UCLA y el American Art Institute, Denson se dio cuenta que también necesitaba tener conocimientos del cuidado de la piel al trabajar con varios tipos de piel. Así que ella se inscribió en la Escuela de Belleza de Newberry, donde recibió su licencia como esteticista.
Denson ha trabajado en varios videos musicales, comerciales, películas y programas de televisión. Sus créditos cinematográficos incluyen 22 Jump Street, Lee Daniels’ The Butler y las próximas a estrenarse, Barbershop 3 y Ride Along 2.
ANDREA JACKSON (Departamento de Estilistas) tiene 28 años de experiencia en el mundo del estilismo. Ondúlalo, rízalo, rasúralo, alísalo, coloréalo, hazlo que brille, hazlo rebotar.
Jackson nació en Dallas, Texas, y siempre tuvo sueños de ser una estilista para las estrellas. Ella comenzó en la escuela de belleza mientras estaba en preparatoria y completó su entrenamiento en Universal Beauty College en Los Ángeles. Ella ha trabajado con algunos de los directores, productores y celebridades más importantes y ha puesto sus manos en melenas de la televisión, el cine, los comerciales y los videos. Sus créditos en cine incluyen Dreamgirls, Ali, The Italian Job y Soul Plane.
Jackson continúa actualizando su conocimientos de lo último en la industria del cabellos y la belleza asistiendo a la Academia Vidal Sassoon. Ella es dueña de tres salones de belleza en Los Ángeles.

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