La libertad creativa es hoy un bien escaso en el cine industrializado, donde las fórmulas narrativas y los dispositivos de mercado suelen imponerse sobre el riesgo formal. “Cuarto Oscuro” se inscribe deliberadamente en el margen opuesto: es una obra que privilegia el impulso, la experimentación y cierta desprolijidad programática por sobre cualquier afán de pulido convencional. El resultado es una experiencia híbrida que oscila entre el álbum visual, el falso documental y el collage audiovisual.

La película propone un doble desplazamiento. Por un lado, un recorrido por la trayectoria de la banda Humano Querido, grupo de culto cuya mitología se construye a partir de fragmentos irónicos, anécdotas y retazos musicales. Por otro, un viaje de impronta lisérgica que dialoga con una tradición cinematográfica setentista: hay ecos del cine underground y de la estética de guerrilla, esa forma de filmar “a como dé lugar” donde la urgencia expresiva prevalece sobre la prolijidad técnica. Cámara inquieta, montaje fragmentario y una textura visual deliberadamente cruda convierten la proyección en una experiencia más sensorial que narrativa.

La presencia de figuras vinculadas a la cultura del rock como Pipo Cipolatti y Eduardo De La Puente funciona como puente intergeneracional y como legitimación simbólica. No se trata solo de cameos: su aparición articula el cruce entre la escena musical independiente y un imaginario más amplio del rock argentino. Son nodos que conectan mundos y refuerzan el carácter autorreflexivo y meta de la peli.

La renuncia a la progresión dramática convencional pone a «Cuarto Oscuro» en el terreno de la experimentación en una sucesión de segmentos que alternan videoclips (muchos de ellos con animaciones lisérgicamente creativas) y sketches que bordean el absurdo. La irrupción animada de Tino y Gargamuza añade una capa nostálgica, especialmente efectiva para quienes ya orbitan el universo simbólico de la banda.

El hilo conductor es una exploración irónica sobre las razones por las cuales Humano Querido no alcanza el éxito masivo. Esa indagación, teñida de humor socarrón, funciona como comentario sobre la industria musical contemporánea y, por extensión, sobre el sistema cinematográfico. Las letras de impronta urbana y atravesadas por preocupaciones en torno a la humanidad y la tecnología, pero también la ironía social, encuentran en el dispositivo audiovisual un correlato formal que refuerza su espíritu crítico.

Las comparaciones resultan inevitables. Hay algo del mockumentary rockero «This Is Spinal Tap» en la forma de abordar las miserias y grandezas de una banda, y algo del registro performático de «Stop Making Sense» en la manera de capturar la energía musical como evento. Sin embargo, “Cuarto Oscuro” no replica esos modelos; los reinterpreta desde una idiosincrasia local, con ironía y desfachatez propias.

En definitiva, la película funciona tanto como celebración para los seguidores de la banda como puerta de entrada para nuevos espectadores. Es una obra que asume sus riesgos formales y su estructura fragmentaria sin pedir disculpas. En un contexto industrial cada vez más regimentado (tanto en el cine como en la música), su apuesta por la irreverencia y la libertad expresiva resulta no solo refrescante, sino necesaria.

*La película es una obra conceptual que incluye una muestra de artes plásticas, con pinturas, objetos e instalaciones experimentales que se podrá ver desde el lunes 9, durante todo marzo y abril en la Facultad de Ciencias Económicas de Lomas de Zamora Dirección: Avenida Juan XXIII, Cam. de Cintura (Se podrá ver de lunes a viernes de 8:00 A 22:00 hs) y durante todo mayo estará en la Casa de la Cultura de Lanús Dirección: Pres. Domingo Faustino Sarmiento 1713. «Cuarto Oscuro» se estrena en mayo en el circuito comercial. No se la pierdan!

IG: Humano Querido

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Finalmente se estrena la séptima entrega de la explotada saga Scream. Un filme entretenido, que cumple, es coherente con su legado y logra justificar su existencia, pero que vuelve a decepcionar —una vez más— en su tramo final.

En esta oportunidad, volvemos a tener como protagonista a Neve Campbell, y la historia sigue la vida familiar y profesional de Sidney Prescott años después de los últimos acontecimientos. Todo cambia cuando aparece una nueva oleada de asesinatos de Ghostface y, sobre todo, cuando Sidney descubre que su hija es el nuevo objetivo del asesino.

Aunque la estructura del guion de cada película de Scream casi nunca varía, esta nueva entrega maneja con inteligencia sus previsibilidades para que la anticipación no juegue tan en contra. El primer acto está muy bien ejecutado y atrapa desde la secuencia inicial, que administra con eficacia la tensión. Hacia el segundo acto, en cambio, la inclusión de algunos personajes de entregas anteriores hace que el interés decaiga lentamente, aunque ciertas secuencias de persecución logran sostener el pulso narrativo.

Lo que no tiene salvación es el último tramo de la cinta, que (como ya viene sucediendo en la saga) se debilita por completo en el sobreexplicado momento de la “revelación”. Scream siempre defrauda en este punto: hace tiempo que no encuentra un contexto dramático ni motivaciones lúcidas y verosímiles para sus asesinos. Pero en esta película, además, molesta y enoja, porque desperdicia una gran oportunidad de cerrar a la altura de lo que construyó durante una hora y media. La tensión está muy bien manejada y se plantean posibilidades tan peligrosas como dramáticamente sustanciosas (abordando temas como la inteligencia artificial, la posverdad y las tecnologías) que, cuando llega ese momento autoparodiado de “la conversación” final con el asesino desenmascarado, todo se desmorona. Esas páginas finales, una vez más, ponen en ridículo a cualquier actuación: un buen actor termina pareciendo el peor frente a esos diálogos.

En cualquier otra entrega de la saga, el espectador suspende su credulidad y lo perdona porque “así es siempre Scream”. Pero cuando esta séptima película tenía todas las potencialidades para convertirse en la mejor de las últimas seis, el resultado es especialmente frustrante. Es increíble, pero pareciera que cada acto fue escrito por guionistas distintos. Las últimas escenas dan la sensación de haber sido escritas por un estudiante primerizo. Si la saga quiere sobrevivir a un eventual octavo episodio, debería considerar seriamente contratar a alguien que sepa escribir un guion, o al menos mejorar su trabajo de diálogos, para ofrecer por fin unos últimos veinte minutos que no autodestruyan las promesas dramáticas que la propia película formula. Y, sobre todo, que se anime a explorar otras estructuras posibles, sin dejar de ser fiel a ese metalenguaje con el que siempre juega. 

El personaje de Courteney Cox reaparece con solidez, pero termina licuado en escenas repetitivas, calcadas de entregas anteriores. El elenco acompaña en general, a excepción de los dos personajes recuperados de las últimas películas, que están en otro registro y resultan francamente insoportables. No se entiende la insistencia en sostenerlos: no fueron personajes memorables, ni particularmente bien construidos o interesantes. ¿Hubo algún focus group que indicara que era una buena idea traerlos de vuelta? Quien verdaderamente sostiene el film, con diversidad de recursos y matices, es Neve Campbell: si no fuera por su inteligencia actoral para defender diálogos forzados, gran parte del edificio narrativo se vendría abajo.

En conclusión, hasta su tramo final Scream 7 entretiene, genera momentos de tensión bastante extremos, algunos saltos de la butaca y ese gore hacia el que la saga se fue inclinando en sus últimas entregas. El fan de Scream probablemente la valore. La película cumple, promete ser la mejor… y aunque decepciona en el cierre, la experiencia, en líneas generales, vale la pena.

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El lunes 16 de febrero de 2026, en el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639, CABA), se presentó Malevo – 10 años, un espectáculo creado por el director, coreógrafo y bailarín Matías Jaime. La propuesta celebra una década de recorrido con una idea clara: tomar el malambo —danza folclórica tradicional argentina— y llevarlo a una escena contemporánea, intensa y de fuerte impacto físico.

El corazón del show está en el malambo, pero no en clave de museo. Malevo trabaja desde un enfoque moderno, vanguardista y transgresor, fusionando su técnica con otros lenguajes como el flamenco y la percusión urbana. El resultado es un cruce que conserva la raíz y, al mismo tiempo, la empuja hacia una estética más amplia, capaz de dialogar con públicos diversos, sin perder identidad.

En escena, el despliegue es constante. El elenco sostiene un ritmo de alta exigencia, con zapateos que marcan el pulso del espectáculo, el uso de boleadoras como elemento coreográfico y la presencia de bombos legüeros que refuerzan el carácter ritual y terrenal del conjunto. La sensación es la de una maquinaria precisa, construida desde la sincronía, la resistencia y el dominio del cuerpo como instrumento.

Un punto fuerte del espectáculo es la banda en vivo, que no se limita a acompañar: también tiene sus momentos protagónicos. La música se integra a los cuadros de danza con energía y variedad, e incorpora pasajes donde aparecen referencias a distintos ritmos del país —chacarera, zamba e incluso guiños al tango— ampliando el mapa sonoro y reforzando la idea de Argentina como territorio múltiple.

Más allá del virtuosismo, Malevo – 10 años deja una marca: el deseo de saber más sobre el malambo y sobre lo que puede generar cuando se lo saca de los moldes habituales. Es un espectáculo recomendable para todo público, especialmente para quienes buscan un teatro de cuerpo, ritmo y potencia. Una experiencia sensorial fuerte, sostenida por disciplina, musicalidad y una identidad escénica que apuesta por lo propio sin cerrarse al cruce contemporáneo.

Próxima función: miércoles 1 de abril – 20:30 hs.

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En Agotados, el unipersonal protagonizado y adaptado por Ariel Staltari y dirigido por Pablo Fábregas, el título no funciona solo como una idea temática: es una experiencia física que se contagia al espectador. El cuerpo se transforma en un campo de batalla.

La premisa es tan simple como eficaz. Sam, el protagonista, trabaja en la central de reservas de un restaurante gourmet, recluido en un sótano que parece estar varios escalones por debajo —literal y simbólicamente— del brillo que promete el lugar. Las mesas están siempre completas, las reservas agotadas, y sobre él cae la presión de comensales caprichosos, chefs temperamentales y compañeros de trabajo que orbitan ese pequeño infierno cotidiano. Sam, en realidad, es actor. Paralelamente a su caos laboral, espera respuestas de castings, sueña con otra vida posible y se pregunta, cada vez con más fuerza, cuánto más está dispuesto a aguantar para sostener ese deseo.

Durante casi una hora y media, Staltari interpreta más de cuarenta personajes. El número impresiona, pero lo verdaderamente notable es cómo lo hace. No se trata de una exhibición de destreza vacía, sino de un trabajo minucioso sobre la voz, el cuerpo y, sobre todo, la respiración. Cada personaje tiene una cadencia, una musicalidad, una energía propia. El pasaje entre uno y otro es vertiginoso, casi sin respiro, sin mediación, y aun así el actor nunca parece perder el control del aire ni del ritmo.

El efecto es claro: el agotamiento no se representa, se transmite. La obra logra que el espectador sienta en el cuerpo la asfixia del personaje, la explotación constante y la exigencia de estar siempre disponible. El humor aparece como válvula de escape, pero nunca anula la sensación de presión sostenida que atraviesa toda la función.

Hay detalles que podrían potenciar aún más la propuesta. En algunos momentos, cuando la mirada del actor se mantiene muy baja, producto de la extrema concentración que exige el dispositivo, se pierde parte del trabajo expresivo facial, que cuando aparece potencia notablemente la escena. También desde lo espacial, la puesta podría acompañar con mayor caos visual el desborde interno del personaje, aunque el orden escénico elegido funciona como un contrapunto que contiene y tensiona su derrumbe.

Estos son apenas detalles en comparación con lo contundente que es Agotados. La obra está sostenida por un trabajo actoral de altísima exigencia y, más que nada, de una gran inteligencia técnica y recursiva. Staltari se corre de los registros por los que muchos lo reconocen en la televisión y despliega una paleta de matices que confirma su potencia escénica. Uno sale del teatro cansado, movilizado, siendo reflejo de Sam, con la sensación de haber atravesado una experiencia que no busca complacer, sino interpelar.

Agotados se presenta todos los viernes a las 22:15 en Paseo La Plaza. ¡Muy recomendable!

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El jueves 12 de febrero de 2026, en la Sala Pablo Picasso del Teatro Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA), se presentó El funeral de los objetos…, comedia musical escrita por Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano, con dirección de Manasseri. La propuesta parte de una premisa sencilla pero sugestiva: un grupo de personas desconocidas entre sí responde a la convocatoria de un folleto que propone abandonar, para siempre, un objeto preciado.

Desde ese punto de partida, la pieza construye un espacio de encuentro donde lo material funciona como disparador emocional. Lo que parece una decisión práctica —dejar algo atrás— se transforma en una exploración sobre los vínculos, el apego y la identidad. Cada personaje deposita en ese “funeral” no solo un objeto, sino una parte de su historia, y en ese gesto se organiza el núcleo dramático.

El tono oscila con fluidez entre el humor y la reflexión. La risa aparece como herramienta de descompresión, pero también como modo de revelar contradicciones y vulnerabilidades. En ese equilibrio radica uno de los aciertos centrales: su capacidad de generar impacto intelectual sin perder liviandad ni ritmo.

El elenco —Martina Alonso, Nicolás Manasseri, María Fernanda Provenzano, Matías Zajic, Eugenia Fernández, Christian Edelstein y Renzo Morelli— sostiene con solvencia la dinámica coral que exige el género. Las actuaciones son parejas y efectivas, con un trabajo de ensamble que potencia la estructura musical. En ese colectivo se apoya buena parte de la energía del espectáculo: el grupo como reflejo de distintas maneras de relacionarse con el pasado.

En el plano técnico, la música y el sonido se destacan por su precisión y potencia expresiva, fundamentales en una comedia musical que necesita sostener climas y transiciones sin fisuras. El vestuario acompaña adecuadamente la situación escénica y contribuye a delinear perfiles sin sobrecargar la puesta. La dirección organiza el dispositivo con claridad, permitiendo que la propuesta fluya con coherencia y ritmo.

El funeral de los objetos… ofrece una experiencia entretenida que, bajo la apariencia de comedia, invita a preguntarse cuánto pesan las cosas que creemos poseer y cuánto nos poseen ellas a nosotros. Una opción recomendable para quienes disfrutan de la comedia musical con contenido, donde el humor convive con una mirada reflexiva sobre los afectos y la memoria.

Próximas funciones: jueves 19 y jueves 26 de febrero, 22:00 hs.

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El viernes 30 de enero de 2026, en el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1764, CABA), se presentó La Máquina del Tiempo, una adaptación escénica inspirada en la obra de H. G. Wells, con dirección y adaptación de Luis Belenda. La propuesta asume el desafío de traducir al lenguaje teatral un clásico de la ciencia ficción sin perder su nervio filosófico: el viaje como aventura, pero también como espejo crítico de la civilización.

La premisa es conocida y, a la vez, siempre vigente: un científico del 1900 viaja al futuro para observar los avances de la humanidad. Lo que encuentra, sin embargo, no es una utopía tecnológica sino una sociedad fracturada en dos grupos antagónicos: los Eloi, herederos de un hedonismo decadente, y los Morloks, oprimidos hasta volverse monstruos. Desde esa tensión, la obra instala su pregunta central — ¿hacia dónde se dirige nuestra civilización? — y la vuelve contemporánea, conectándola con dilemas éticos, sociales y tecnológicos del presente.

En el plano de la experiencia, la puesta se vive de manera muy sensorial y apuesta por la combinación de lenguajes: teatro, recursos audiovisuales, música original y danza se articulan para construir una atmósfera envolvente. Hay una decisión clara de salir de la mera narración y empujar al espectador hacia un estado de percepción expandida, donde el tiempo no solo se cuenta: se siente. Ese enfoque también despierta una zona emocional particular, capaz de activar recuerdos —como el eco de haber visto de niño una versión cinematográfica— sin quedar atrapada en la nostalgia.

El elenco se organiza en dos fuerzas complementarias. Por un lado, el elenco principal —Luis Belenda, Jorge Feraudo, Leandro Ciardelli, Florencia Señorans, Manu Tolosa y María Marchessi— sostiene el arco narrativo y la densidad dramática del relato. Por otro, el elenco en movimiento —Aylen Cerza, Miguel Villaverde, Franco Amado, Alondra Quevedo, Nahuel Aguirre y María Yasmin Josef— aporta una capa física y coreográfica que expande el mundo escénico, construyendo climas, tensiones y transiciones que enriquecen la idea de futuro como territorio extraño y mutable. La convivencia de ambos planos refuerza el carácter total de la propuesta y justifica plenamente la presencia de doce intérpretes en escena.

En lo técnico, la obra se apoya en tres pilares que potencian su narrativa: música y sonido, escenografía y vestuario. El diseño sonoro acompaña el viaje con precisión atmosférica, el diseño espacial sostiene la sensación de desplazamiento temporal, y el vestuario contribuye a diferenciar universos y jerarquías, volviendo legible el contraste entre los mundos que el protagonista atraviesa.

La Máquina del Tiempo apuesta al despliegue y a la idea: combina potencia escénica con un interrogante de fondo sobre el rumbo de la civilización. Una propuesta intensa, sensorial y bien armada, ideal para espectadores que disfrutan del teatro cuando se vuelve experiencia y reflexión al mismo tiempo.

TEATRO MULTIESCENA, Av. Corrientes 1764 CABA
Vie 13 feb – 23:00 hs
Vie 20 feb – 23:00 hs
Vie 27 feb – 23:00 hs

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El jueves 29 de enero de 2026, en el Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA), se presentó Suavecita, una obra escrita y dirigida por Martín Bontempo que construye un mito contemporáneo desde los márgenes: una fantasía oscura y “pegajosa”, anclada en el pulso social de un hospital público del conurbano.

La historia se instala en un territorio de tensión permanente entre dos universos. Por un lado, el de una mujer que descubre una capacidad singular para aliviar a pacientes terminales, una práctica tan eficaz como incómoda para el entorno que la rodea; por el otro, el de la medicina tradicional, la ciencia y sus lógicas institucionales. En el medio aparece el Dr. Rodríguez, que la utiliza como vehículo para probar una terapia alternativa. Mientras tanto, el rumor corre por los pasillos y la convierte en objeto de sospecha y aprovechamiento.

Pero Suavecita no se recuesta en lo mágico como escapismo. El motor real del personaje es profundamente terrenal: ganar dinero para sostener a su hija y darle condiciones de vida mejores. Esa motivación, simple y brutal, encuadra la obra en una ética concreta: la del cuerpo que trabaja, el cuerpo que cuida y el cuerpo que es usado. Allí, esa capacidad —íntima y corporal— se vuelve también un recurso “administrable”, y la obra tensiona con inteligencia los límites entre cuidado, utilización y supervivencia.

El centro absoluto de la propuesta es la actuación de Camila Peralta, impecable en el sostén emocional y narrativo. Su interpretación logra que la protagonista despierte tristeza y empatía sin pedir compasión: se entiende lo que vive, se siente el peso de sus decisiones y el costo íntimo de lo que acepta. La obra logra equilibrar la dimensión simbólica del relato con una representación profundamente corporal y humana.

En lo técnico, la puesta trabaja con precisión. La música original de Germán Severina acompaña de forma constante y medida, marcando climas y transiciones con un pulso casi cronometrado. La iluminación de Fernando Chacoma opera en el mismo registro: ordenada, exacta, al servicio de la narración y de los momentos de tensión. Ese engranaje —música, luces, actuación, texto— evidencia un equipo que trabaja con oficio y coherencia.

En conjunto, Suavecita es una obra sólida y cuidada, que instala una pregunta incómoda sin declamarla: qué pasa cuando lo extraordinario aparece en un lugar donde todo debería ser humano y, sin embargo, lo humano también se explota. Una propuesta que conmueve, no por subrayar el golpe, sino por sostenerlo con inteligencia y sensibilidad, sin forzar una lectura única.

Ficha técnico artística
Dramaturgia: Martin Bontempo
Actúan: Camila Peralta
Diseño de maquillaje: Adam Efron
Diseño de luces: Fernando Chacoma
Música: German Severina
Fotografía: Irish Suarez
Diseño gráfico: Karina Hernandez
Asistencia de dirección: Camila Miranda
Prensa: Varas & Otero
Producción ejecutiva: Alejandra Menalled
Producción general: Nün Teatro Bar
Supervisión dramatúrgica: Ignacio Bartolone
Dirección de arte: Uriel Cistaro
Dirección: Martin Bontempo
TEATRO METROPOLITAN SURA
Av. Corrientes 1343
Jueves – 22:15 hs – Del 05/02/2026 al 19/02/2026

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El sábado 10 de enero de 2026, en la Sala Pablo Neruda, se presentó Queridísimo Truman, una propuesta que articula teatro, música y memoria para construir un retrato sensible y reflexivo en torno a la figura de Truman Capote.

La obra se inicia con el recuerdo de un caluroso verano en Concordia, cuando Gabriel, con apenas ocho años, descubre por primera vez el universo de Capote. A partir de ese momento fundacional, el relato avanza mediante una estructura donde el tiempo se desdobla: pasado y presente dialogan de forma constante, mientras escenas y personajes van tomando cuerpo sobre el escenario. La música acompaña ese recorrido como un vehículo emocional continuo, sin interrupciones.

Queridísimo Truman no se propone como una biografía convencional. Lejos de narrar linealmente la vida del escritor, la obra ensaya una activación de las huellas del pasado y se interna en temas universales y atemporales: la búsqueda de la identidad, el amor, la soledad y la persistente necesidad de ser vistos y escuchados. En ese sentido, la figura de Capote funciona tanto como personaje central como disparador poético y simbólico.

El trabajo actoral es uno de los pilares de la propuesta. Gabriel Oliveri compone un Truman Capote de gran potencia escénica, sosteniendo el eje narrativo con una interpretación sólida y sensible, que logra transmitir tanto la lucidez como las contradicciones del escritor. Su presencia domina la escena sin imponerse, dejando espacio para el juego coral que propone la obra.

A su lado, Sergio Grimblat y Cristóbal Barcesat asumen múltiples personajes a lo largo de la función, destacándose en la encarnación de Richard Hickock y Perry Smith, figuras centrales de A sangre fría. Ambos intérpretes aportan versatilidad y precisión, logrando que cada cambio de rol sea claro y efectivo dentro del dispositivo escénico.

La música en vivo, interpretada por Barcesat, cumple un rol fundamental: no solo acompaña la acción, sino que dialoga activamente con el texto y las actuaciones, reforzando climas y transiciones emocionales. Su presencia en escena se integra de manera orgánica al relato, consolidando la identidad musical de la obra.

La dirección de Florencia Bendersky, quien además coescribe el texto junto a Oliveri, se apoya en una construcción escénica clara y bien dosificada. La escenografía y el trabajo audiovisual de Gustavo Acevedo aportan funcionalidad y sobriedad, mientras que la iluminación diseñada por Julio López se destaca por su precisión, acompañando los distintos climas sin subrayados innecesarios.

En conjunto, Queridísimo Truman ofrece una experiencia teatral cuidada y coherente, que combina emoción y reflexión sin forzar una lectura única. La obra no solo acerca al espectador a la figura de Capote, sino que despierta el interés por su universo literario y propone una mirada íntima sobre los vínculos entre memoria, creación artística y experiencia personal.

Una propuesta sólida, bien interpretada y dirigida, que confirma el valor del teatro como espacio de evocación, pensamiento y sensibilidad compartida.

Elenco: Gabriel Oliveri, Sergio Grimblat, Cristóbal Barcesat

Diseño de escenografía y video Gustavo Acevedo

Diseño de vestuario Julio Suárez

Diseño de iluminación Julio López

Música original y diseño sonoro Cristóbal Barcesat

Asistencia de dirección Nicolás Wolcoff

Asistencia de vestuario Analía Morales

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Una celebración musical para toda la familia

El domingo 7 de diciembre de 2025, el Teatro Gran Rex se transformó en un escenario de fantasía con Navidad en las películas, un espectáculo musical construido a partir de las bandas sonoras más representativas del cine navideño, que logra conmover desde el primer acorde.

La propuesta invita a sumergirse en un universo reconocible y emotivo, donde el cine y el teatro musical se encuentran para dar forma a una experiencia pensada para grandes y chicos. A lo largo de la función, música, relato y puesta en escena se articulan con una estética cinematográfica cuidada y envolvente, capaz de apelar tanto a la nostalgia como al espíritu festivo propio de estas fechas.

Uno de los ejes narrativos del espectáculo es el universo de Un cuento de Navidad de Charles Dickens, con Raúl Lavié en el rol de Mr. Scrooge, cuya presencia aporta jerarquía, calidez y una fuerte carga emotiva. Su interpretación funciona como hilo conductor de una puesta que dialoga con otros clásicos del imaginario navideño sin perder cohesión ni ritmo.

La puesta en escena es, sin dudas, uno de los grandes aciertos de la noche. Más de 100 artistas en escena —entre músicos, coro de adultos, coro de niños, bailarines y actores— construyen cuadros de gran impacto visual y sonoro. La participación de los niños resulta especialmente conmovedora: sus interpretaciones se destacan por la entrega, la frescura y la precisión, generando algunos de los momentos más emotivos de la función.

El vestuario suma color, humor y carácter a la propuesta. Las caracterizaciones del Grinch y de Papá Noel aportan cercanía y encanto visual, reforzando el clima festivo y lúdico que atraviesa todo el espectáculo.

Bajo la dirección musical de Joel Villagra y Florencia Battista, la obra encuentra un equilibrio preciso entre potencia sonora y sensibilidad narrativa. La música en vivo, sostenida por una orquesta de gran despliegue, acompaña cada escena con solidez y emoción, potenciando el clima cinematográfico sin perder la esencia teatral.

Más allá del despliegue técnico y artístico, Navidad en las películas se vive como una celebración colectiva. Es un espectáculo que invita a emocionarse, a compartir y a reencontrarse con historias que forman parte del imaginario común, recordando el valor del teatro como experiencia compartida.

Al final de la función, el público se levanta con el corazón lleno y una sonrisa. Durante aproximadamente una hora y media, el Gran Rex se convierte en un espacio donde la música, el cine y la Navidad dialogan con sensibilidad y calidez. Navidad en las películas es, sin dudas, una propuesta altamente recomendable para toda la familia, ideal para cerrar el año desde la emoción y el disfrute compartido.

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Perón en Caracas, el texto de Leónidas Lamborghini que Guillermo Ghio adaptó y puso en escena con la actuación de Marcelo Rodríguez, es una historia sobre el exilio. Sobre la tristeza del exilio, la soledad, la nostalgia y el deseo de volver.

Es 1956 y Juan Domingo Perón pasa sus días en un departamento pequeño de Caracas, atormentado por los síntomas de su problema prostático y por las noticias que llegan desde Argentina, de esa “Revolución Libertadora” que lo derrocó un año antes y que desde entonces no hace más que perseguir, fusilar y prohibir al peronismo y los peronistas.

Un proyector pasa imágenes de lo que fueron esos días, ayudando así a contar la historia con los hechos fácticos concretos, mientras Marcelo Rodríguez reconstruye en escena el sentir de Perón. Un Perón que, pese a todo, no se queda quieto. Escribe cartas a John William Cooke, referente del ala izquierda del peronismo al que el líder había designado como su heredero político.

El exilio como cárcel. Esa es la idea que parece recorrer toda la puesta. El Perón que construye Rodríguez se encuentra encerrado. La pequeñez del departamento y la luz tenue dan la sensación de agobio. Y Perón que va del escritorio al sofá, del sofá al baño, del baño al piano, como buscando cómo matar esas largas horas en las que su único sueño es volver a la Argentina. La única relación con el afuera son los diarios que llegan y las cartas que escribe frenéticamente.

El espectador no va a encontrar en la obra la historia del peronismo, que puede leer en cualquier libro: va a encontrar la vivencia de un hombre que tuvo todo el poder y ahora se encuentra derrotado, pero con esperanza de recuperar lo perdido.

Es inevitable hacer comparaciones con el presente, y eso es parte de la riqueza de la propuesta. Los “Viva la libertad” del pasado suenan como los de hoy y muchas de las noticias que Perón lee en los diarios bien podrían ser actuales. Por eso, Perón en Caracas es una obra sobre el pasado que interpela al presente y demuestra que el odio de algunos sectores por el peronismo y las clases populares que nació en los ’50, sigue intacto 75 años después.

Perón en Caracas se presenta los sábados a las 21 horas en Ítaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027-CABA).

Ficha artístico-técnica:
Autoría: Leónidas Lamborghini
Versión escénica: Guillermo Ghio
Actúa: Marcelo Rodriguez
Vestuario: Marcela Basso
Diseño de proyección: Julián Cavero
Espacio escénico: Guillermo Ghio
Diseño de luces: Tamara Josefina Turczyn
Diseño sonoro: Rony Keselman
Redes Sociales: Las Maiselman
Realización de pelucas: Soraya Ceccherelli
Realización de video: Ignacio Verguilla
Música original: Rony Keselma
Fotografía: Ignacio Verguilla
Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia
Asesoramiento artístico: Pheonía Veloz
Asistencia de dirección: Iranda Acosta Toloza
Producción ejecutiva: Gisella Sirera
Dirección general: Guillermo Ghio

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