Hace cinco años, en Microcentro, nacía El Rey del Shawarma. Un local que se destaca sobre la calle Florida, con algo claro desde el inicio: el shawarma no es solo un plato, es una historia que se enrolla, se corta y se comparte.

La estrella es evidente: carne de lomo, jugosa, tierna, bien condimentada, de esas que no necesitan demasiada explicación. Pero alrededor aparece todo un universo: falafel, fatay, ensaladas, hummus, picadas armenias que invitan a quedarse un rato más. Comer acá, no es solo resolver el almuerzo. También hay opciones vegetarianas, y todo se disfruta desde un lugar distinto: sabores que no son los de siempre, pero que rápidamente se vuelven propios. La cocina armenia no se explica, se hereda, y en cada bocado acá se nota.

Detrás está Federico Haydossian, su creador, que sostiene algo más que un negocio: un puente entre la ciudad y una tradición que viene de lejos. No es solo pasión. Es saber de dónde se viene. Es lo que se comía de chicos, recuerda, y se emociona.

El público es variado: oficinistas, clientes de toda la vida, gente de paso, turistas de todas partes del mundo. Pero hay algo que se repite: vuelven. Tal vez por el sabor, tal vez por el trato. Tal vez porque es un poco de todo. Uno se va con algo difícil de explicar: ese clima cercano, casi de barrio, que sobrevive en medio del caos del centro.

El local también dice mucho: referencias bien nuestras, de Diego Maradona a Lionel Messi, conviven con una identidad que mira a Medio Oriente. Una mezcla que no se fuerza: simplemente sucede.

Con precios accesibles y porciones generosas, a veces saber que vas a comer un shawarma ya mejora el día. Abierto de lunes a sábados hasta la tarde, con delivery y catering. El Rey del Shawarma se volvió una alternativa real frente a la comida rápida tradicional: más honesta, más sabrosa, más humana. Porque acá comer no es solo comer. Es compartir.

IG: birrashawarma
Florida 35 – Microcentro
Catering / Eventos
11-6872-1145
Lunes a Sábados de 10:30 a 16:30

English version

The King of Shawarma: «Birra & Shawarma»

In the rush of downtown Buenos Aires—where everything feels hurried and disposable—there’s a place that moves in the opposite direction. It’s not just food: it’s identity, a daily ritual repeated with pride.

Five years ago, in the Microcentro, El Rey del Shawarma was born. A small spot on Florida Street with a clear idea from the start: shawarma isn’t just a dish, it’s a story—rolled, sliced, and shared.

The star is obvious: tender, juicy cuts of beef, richly seasoned, the kind that doesn’t need much explanation. But around it, a whole universe unfolds, falafel, fatay, salads, hummus, Armenian-style  platters that invite you to stay a little longer. Eating here isn’t just about solving lunch. There are vegetarian options too, and everything feels slightly different: flavors that may not be familiar at first, but quickly become your own. Armenian cuisine isn’t explained, it’s inherited, and you can taste that in every bite.

Behind it all is Federico Haydossian, the founder, holding up more than a business: a bridge between the city and a distant tradition. It’s not just passion—it’s memory. It’s knowing where you come from. It’s the food of childhood, he recalls, with a hint of emotion.

The crowd is mixed: office workers, loyal regulars, passersby, tourists from all over the world. But one thing repeats itself, they come back. Maybe for the flavor, maybe for the warmth. Maybe because it’s a bit of everything. You leave with something hard to define: a sense of closeness, almost neighborhood-like, somehow surviving in the chaos of downtown.

The space says a lot too: local icons, from Diego Maradona to Lionel Messi, live alongside a Middle Eastern identity. It’s not forced; it just exists.

With affordable prices and generous portions, sometimes just knowing you’re about to eat a shawarma is enough to make your day better. Open Monday through Saturday until the afternoon, with delivery and catering options, El Rey del Shawarma has become a real alternative to traditional fast food: more honest, more flavorful, more human.

Because here, eating isn’t just eating. It’s sharing.

IG: birrashawarma
Florida 35 – Buenos Aires City
Catering / Events
11-6872-1145
Monday to Saturday 10:30 am to 4:30 pm

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La integridad técnica se ha convertido en la prioridad absoluta para quienes deciden jugar poker por internet en 2026. Entre las amenazas más combatidas destaca el ghosting, una práctica donde un jugador recibe asistencia de un tercero o un software avanzado durante una mano activa. 

Para mitigar este riesgo, las plataformas líderes han implementado sistemas de vigilancia basados en inteligencia artificial que analizan patrones de toma de decisiones y tiempos de reacción. 

Al jugar Texas Holdem en GGPoker, por ejemplo, los usuarios están protegidos por algoritmos que detectan anomalías en el comportamiento de clics y movimientos del ratón que sugieran interferencia externa. Estas herramientas no solo aseguran un campo de juego equilibrado, sino que refuerzan la confianza en que el talento individual es el único factor determinante del éxito. 

La transparencia en estas medidas de seguridad es lo que permite que el ecosistema de jugadores de poker por internet siga creciendo de forma sostenible y segura para todos los participantes.

Según analistas de Gaming Intelligence y expertos en seguridad de Vixio, la lucha contra la asistencia externa es constante. Para portales de auditoría como BMM Testlabs, la protección del jugador es la base de la industria al jugar poker por internet.

Vigilancia algorítmica y detección de patrones de juego

La protección contra el asesoramiento externo al jugar poker por internet se basa actualmente en sofisticados modelos de aprendizaje profundo que monitorizan cada acción en las mesas. Estos sistemas crean una huella digital del estilo de juego de cada usuario, analizando la frecuencia de apuestas, el tamaño de las mismas y el tiempo empleado en cada decisión. 

Si un jugador comienza a mostrar de forma repentina una precisión matemática sobrehumana o un cambio drástico en su estrategia habitual, las alarmas internas se disparan para iniciar una revisión manual por parte de expertos en seguridad.

Esta monitorización proactiva es fundamental para mantener la justicia en los botes de alto valor al jugar poker por internet. Las herramientas de detección son capaces de identificar si una cuenta está siendo operada por una persona distinta basándose en la latencia de las pulsaciones y la trayectoria del puntero en pantalla. 

Según los analistas de Gaming Intelligence, «la capacidad de respuesta de los operadores ante comportamientos anómalos ha alcanzado niveles de milisegundos, convirtiendo el entorno digital en uno de los más seguros para la competencia de alto rendimiento en 2026».

La transparencia en estos procesos refuerza la lealtad de la comunidad que prefiere jugar poker por internet. Las plataformas no solo bloquean cuentas sospechosas, sino que a menudo devuelven los fondos confiscados a los jugadores afectados por prácticas desleales. 

Como señala el equipo técnico de BMM Testlabs, «la auditoría de los sistemas de integridad es tan vital como la del propio azar; un software que no puede garantizar que el jugador está solo frente a su pantalla pierde rápidamente su licencia operativa en mercados regulados».

Biometría del comportamiento y restricciones de software

Otro blindaje crítico al jugar poker por internet es la restricción técnica de herramientas de asistencia en tiempo real (RTA). Los clientes de juego modernos escanean los procesos activos en el ordenador del usuario para asegurar que no se estén ejecutando calculadoras de rangos o bases de datos externas prohibidas durante la partida. 

Esta «limpieza» del entorno de trabajo garantiza que todos los participantes dependan exclusivamente de su conocimiento y memoria, preservando la esencia intelectual del deporte mental.

La biometría del comportamiento ha añadido una capa extra de seguridad para quienes deciden jugar poker por internet. Al analizar cómo interactúa físicamente el usuario con la interfaz, los sistemas pueden detectar si se está utilizando un software de acceso remoto para permitir que un tercero tome las decisiones. 

Según los expertos en ciberseguridad de Vixio GamingCompliance, «el reto ya no es solo detectar bots, sino asegurar la identidad del humano tras la pantalla; la biometría pasiva es la herramienta más eficaz para erradicar el ghosting en torneos de gran prestigio».

Finalmente, el compromiso de los operadores con la ecología del juego se traduce en políticas de tolerancia cero frente al fraude. Al jugar poker por internet, el usuario acepta protocolos que protegen el ecosistema de jugadores recreativos frente a depredadores tecnológicos. 

Como afirma el portal de auditoría eCOGRA, «la integridad de las mesas es el activo más valioso de una sala de póker; sin una vigilancia constante contra la asistencia externa, la confianza del usuario desaparece, afectando la liquidez y la salud de la industria global».

Vigilancia en tiempo real y el Consejo de Integridad

La lucha contra el asesoramiento externo ha alcanzado niveles de sofisticación clínica gracias a la creación de organismos especializados como el Poker Integrity Council (PIC). Este consejo, compuesto por figuras de renombre mundial, revisa de forma independiente los historiales de manos anonimizados cuando los algoritmos detectan desviaciones técnicas inexplicables en el nivel de juego. 

Al jugar poker por internet, los usuarios cuentan con este respaldo humano que valida las alertas automáticas, asegurando que las sanciones, que pueden incluir el baneo permanente y la confiscación de fondos, se apliquen con total justicia y rigor técnico.

La detección de anomalías se extiende al análisis del entorno de red y la integridad de los dispositivos. Los sistemas actuales son capaces de identificar el uso de proxies residenciales, protocolos de escritorio remoto y navegadores «antidetect» que suelen utilizarse para facilitar el ghosting. 

Según los expertos de GeoComply, «la validación de la ubicación física y la integridad del dispositivo en tiempo real es la única forma de garantizar que el jugador es quien dice ser y que opera sin interferencias externas prohibidas en 2026». Esta barrera técnica es fundamental para proteger el ecosistema de jugadores honestos.

Además, la plataforma fomenta una cultura de reporte comunitario donde los usuarios pueden señalar comportamientos sospechosos para su investigación. Al jugar Texas Holdem en GGPoker, el acceso a herramientas como el Smart HUD permite a los jugadores notar si un oponente cambia drásticamente sus estadísticas de agresividad o precisión de forma repentina. 

Como afirma el portal Pokerfuse, «la vigilancia proactiva, que incluye la descalificación de jugadores incluso durante el transcurso de torneos millonarios, demuestra un compromiso inquebrantable con la equidad y la transparencia competitiva».

Consecuencias del fraude y la iniciativa de amnistía

Las penalizaciones por violar la Política de Seguridad y Ecología son severas y no admiten excepciones en el nivel profesional. Los jugadores que permiten el acceso a sus cuentas por parte de terceros se enfrentan no solo a la pérdida de su saldo, sino a una mancha indeleble en su reputación dentro del circuito global. 

Esta política de tolerancia cero ha sido clave para disuadir la formación de «establos» de jugadores que buscan explotar el sistema mediante la asistencia técnica ilegal, garantizando que el mérito individual sea el pilar del poker por internet.

Sin embargo, el ecosistema también reconoce la capacidad de redención mediante procesos estructurados como la «Iniciativa de la Rama de Olivo». Este programa permite a jugadores previamente sancionados solicitar una revisión de su caso si demuestran un cambio genuino de conducta y compromiso con el juego limpio. 

Según el reporte oficial de GGPoker, «creemos en la protección de la comunidad, pero también en la redención cuando es genuinamente merecida; cada aplicación se evalúa individualmente para asegurar que los reincorporados contribuyan positivamente al entorno».

Finalmente, el intercambio de listas negras entre grandes operadores está creando un frente unido contra el fraude digital. Un baneo por ghosting en una sala importante puede significar el cierre de puertas en todo el ecosistema regulado, incluyendo eventos presenciales de prestigio.

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¿Cómo y cuándo nace la idea de hacer esta película?

La película llevó cuatro años en realizarse, de trabajo constante (y sonante). Aproximadamente en el año 2020, antes de la pandemia, empecé a trabajar para la banda en un videoclip que sería el corte de difusión del EP “Cuarto oscuro”. Nos gusto el resultado y seguimos haciendo videoclips de los otros temas que componen el disco. Yo estaba experimentando con la animación y pasaba horas, días, semanas, meses con cada tema. Cuando tuvimos los cinco temas del EP terminado, decidimos hacer una película agregándole separadores entre tema y tema. La idea era generar una película musical tipo Yellow Submarine pero con actuaciones, contando pequeñas historias surrealistas de cada uno de los integrantes de la banda.

¿Cómo fue el proceso de escritura y de ordenar todo lo que querían contar?

El EP “Cuarto oscuro” ya estaba editado y publicado, así que el orden de las canciones ya estaba decidido. Las escenas intermedias deberían tener un relato que le diera una coherencia legible a la cosa. Aunque el relato es bastante surrealista y psicodélico, la historia tiene un claro hilo conductor. Se plantea un conflicto, hay un desarrollo y finalmente una conclusión. 

En la construcción de la película hay un relato aparente y algunos relatos implícitos que se sugieren de manera simbólica.

Las letras de Scarone ya de por sí tienen una impronta y una temática puntual, pero se buscó que desde lo visual el relato no fuera textual o redundante, para dar lugar a diferentes interpretaciones, que es lo que enriquece a una obra.

Los guiones tienen la intención de facilitar el recorrido de la historia, y aunque siempre tuve el poder de decidir que iba y que no, cada escena es una realización colaborativa, donde los protagonistas participaron de la puesta en escena y de la interpretación del guion. Los camarógrafos Merlín Santarelli y Lucho Aguilera ayudaron, y en algunos momentos, hasta decidieron la resolución de alguna escena. Hay algunos hallazgos brillantes que no hubieran sido posibles sin su experimentada pericia.

¿Cuál era tu relación con la banda antes de empezar el proyecto? ¿Qué te llevó a querer contar esta historia?

No los conocía personalmente, pero siempre iba a verlos tocar. Alguna vez expuse una serie de pinturas en el mismo lugar donde ellos dieron un recital… Cruzamos algunas palabras. Siempre me gustó su propuesta estética, esa especie de elegancia marginal con la que parecían reírse en la cara de la desgracia. Tuve el gusto de conocerlos personalmente durante la realización de la película, especialmente a “Resorte” Scarone y a Tomás Giordano, los ideólogos de la banda y protagonistas de la película… Son unos personajes muy encantadores. Yo los retraté como una especie de héroes trágicos, o antihéroes, unos auténticos Dandys del conurbano.

Los muchachos forman parte de una pléyade de artistas, escritores, actores e intelectuales inquietos que tiene su base de operaciones en la zona de Lanús, Valentín Alsina. En esa comunidad hay productores, organizadores, salas de ensayo, programas de radio, centros culturales… Es un colectivo mágico de gente con ganas de decir cosas importantes y acompañar a quien quiera hacer cosas. Para mí es un gran privilegio haberlos conocido.

En la película aparecen figuras como Pipo Cipolatti, Eduardo de la Puente y Gabriel Mariotto. ¿Cómo fue el acercamiento con ellos y qué les generó el proyecto cuando se los propusiste?

Las personalidades que participan en la película no podrían ser más acertadas. Por supuesto que la intención al convocar a Eduardo de la Puente y Pipo Cipolatti fue, en un comienzo, darle algo de prestigio a nuestra película. Conocerlos también fue una experiencia gratificante, son personas muy generosas y carismáticas, con mucho oficio. En la trabajosa edición me pude dar cuenta de la magistral naturalidad con la que manejan los diálogos y los gestos. Como es mi primera película, no estoy acostumbrado a dirigir actores ni cámaras, cada escena era un desafío tortuoso y alienante, pero estos profesionales verdaderamente fueron una solución… Hasta Mariotto, que tengo entendido que nunca participó en una película, nos sorprendió con un histrionismo totalmente natural. Su participación es un hallazgo casi fortuito. Lo conocí durante una exposición de pinturas que hice en el “Palacio El Victorial”. Además de prestarse a actuar nos cedió gentilmente las instalaciones del lugar para filmar partes importantes de la película, que son de lo más logrado.

¿Hay alguna anécdota o momento particular del rodaje que recuerdes especialmente?

Siempre voy a recordar con especial alegría el desastroso intento de filmar una escena de bar en el Palacio El Victorial. Durante la tormenta de Santa Rosa citamos a los extras, al cámara, a los actores, a todo nuestro humilde pero numeroso equipo… Sin saber que en el lugar se desarrollaba una importante y concurrida conferencia política. Había muchísima gente y los organizadores del palacio nos pidieron esperar en el sótano (Hay que reconocer que algunos de nuestros extras parecían personajes salidos del inframundo…) Teníamos que ser discretos pero era como una reunión de amigos, había gente que insistía en prender cigarrillos y reírse a los gritos, no tardaron en aparecer botellas de vino y latas de cerveza… Hasta hubo alguien que llevó panqueques en un tupper y un dulce de leche para prepararlos (después me enteré que los panqueques eran alucinógenos) Mi mujer estalló en llanto mientras trataba de contener al equipo de extras, que comenzaba a deambular por el lugar…

Sabemos que hacer cine independiente no es fácil. ¿Cómo ves hoy la situación del arte, y en particular de la industria musical y audiovisual?

En general siempre soy pesimista. Nunca estoy conforme con los productos culturales de moda. Creo que tuve la suerte de pertenecer a una generación privilegiada que fue joven en los ochenta-noventas. Tengo la esperanza de que el desastre social y político en el que vivimos haga emerger una nueva generación crítica y creativa. La historia demuestra que las peores épocas de caos y conflicto son el terreno donde se producen maravillas literarias, musicales, plásticas. Autores y movimientos genuinamente revolucionarios y novedosos.

Como artista plástico, tu mirada visual es muy fuerte. ¿Cómo surgió la idea de trabajar con animaciones y qué lugar ocupan dentro del lenguaje de la película?

Mi formación es como artista plástico. No soy cineasta. Desde un principio me propuse hacer una película que podría tener un antecedente en la película musical “Allegro Non Troppo”, de Bruno Bozzetto (Italia, 1977), que es una especie de parodia de “Fantasía” de Disney (EE.UU, 1940). Piezas del repertorio clásico animadas por un artista plástico, con partes más cinematográficas hilvanando el relato… Aunque creo que el resultado es algo novedoso e inédito.

Hoy se habla mucho de inteligencia artificial en el cine y en la música. ¿Te genera curiosidad, entusiasmo o cierta preocupación?

Es una herramienta técnicamente muy accesible y práctica, pero que no aporta nada nuevo si no sirve como lo que es: una herramienta. Es como un robot que aprendió a leer y escribir, a componer imágenes y música imitando a los grandes artistas de los que se tengan archivos digitales disponibles. Es un imitador bastante preciso, pero no se puede esperar que escriba “Moby Dick” o haga una película de Tarkovsky, ni mucho menos. Creo que es bueno respondiendo preguntas y escribiendo algún cuento infantil.

Estéticamente me causa rechazo, las imágenes (y hasta los textos) generados con inteligencia artificial tienen esa pulcritud obsecuente de revista “Para Ti”, como si fuera todo igual… Como una estética de shoppings. No importa si el shopping es de Burzaco, Palermo o Katmandú, siempre es más o menos igual, desprovisto de personalidad (A mí me gusta decir que no tiene alma, pero los materialistas fingen no entender)

¿Cómo ves la escena musical hoy? ¿Sentís que el rock sigue teniendo un lugar fuerte?

Hay muchas producciones buenísimas que se pierden en el barullo de la mediocridad reinante. En estos tiempos parece que el individualismo y el culto al dinero son los grandes paradigmas dominantes. La facilidad técnica que aportan las herramientas tecnológicas al alcance de todos hacen posible que cualquiera con un poco de maña haga un disco. Es común ver autores que parecen tocar todos los instrumentos, escribir las canciones e interpretarlas. Editar, masterizar y publicar su propia obra, con un arte de tapa que hicieron ellos mismos con sus teléfonos. Hay producciones muy buenas hechas por una sola persona (creo que el flaco Spinetta tiene una serie de discos en los que tocó todos los instrumentos…) Pero en general podríamos decir que esta clase de cosas son bastante mediocres, o definitivamente malas, aunque el robot no se haya equivocado en una sola nota…

Muchas veces el cine termina rescatando historias que la propia historia oficial dejó de lado. ¿Sentís que esta película también funciona como un acto de memoria o de justicia con la banda?

Totalmente!! Es más, una de las intenciones principales de la película es dar a conocer y rescatar a la banda. Siempre me sorprendió que Humano Querido no tenga tanta repercusión, aunque es una banda que puede aspirar al gran público masivo por la impronta popular de sus composiciones y la experimentada capacidad de sus músicos. Aparte, como artistas, están muy en armonía con lo que pasa socialmente, con el contexto histórico… 

Va a sonar pretencioso, pero desde el primer momento me propuse hacerlos famosos (con el concepto de fama espectacular que se tenía en los años 90´s), aunque me parece que ya es tarde para esas cosas…

¿Dónde se podrá ver la película? ¿Tendrá recorrido por salas, nuevos festivales o espacios del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales? 

La película ya tuvo su recorrido por los festivales. Se pudo ver en el Festival de Cine Inusual de Buenos Aires, en el COLIFEE de Italia y en el 12 th Music Film festival, de California. En mayo va a tener su estreno comercial en el circuito del INCAA, en este momento estamos tramitando el papeleo…

El 23 de mayo vamos a proyectarla gratuitamente en el auditorio Leonardo Favio de Lanús. Vamos a invitar especialmente a todos los amigos y a compartir copetines con toda la gente que participó en esta aventura.

La gente que quiera verla de manera exclusiva en su casa, puede enviarme un mensaje privado a cualquiera de mis redes sociales y por el precio de un café estará colaborando con la promoción y distribución de la película…

¿Próximos proyectos?

Estoy buscando bandas que me gustan para proponerles la producción de videoclips. Mi gran sueño es hacer una ópera. Bueno, en realidad mi sueño sería participar de la creación de una super ópera super alucinante desde el relato visual y tal vez desde la composición escrita. Deberá ser una obra maestra. Y como todas las cosas grandes deberá reunir el esfuerzo y el conocimiento de personas expertas de varios lenguajes.

IG: Rocke Oviedo
IG: Humano Querido

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El shawarma —carne marinada en especias y cocida lentamente en un asador vertical— es uno de esos platos que cuentan una historia de migraciones y saberes culinarios que viajaron desde el mundo árabe hacia distintas ciudades del mundo. En este local de San Telmo, la propuesta es simple y efectiva: porciones generosas, sabores intensos y precios accesibles. Y sí, también con una impronta argentina; como nos contó su dueño, el plato se fue “argentinizando”.

Hablamos con Julián Fernández, quien desde este rincón del barrio sostiene un pequeño puente entre Buenos Aires y la tradición culinaria de Medio Oriente. La pasión y la calidez del equipo se sienten en el trato y en cada plato.

Probamos el shawarma de carne, jugoso y bien condimentado, acompañado de clásicos como falafel, delicioso hummus (nuestro favorito), ensalada tabbouleh y las siempre tentadoras fatay de queso y carne. Y, como manda la tradición porteña, también hay papas fritas para completar el combo. Todo se hace en el momento y de manera casera. La espera vale la pena.

El espacio es amplio, con mesas cómodas —algo poco frecuente en la zona— y un ambiente relajado con música, ideal para hacer una pausa mientras se recorre San Telmo.

IG: Shawarma San Telmo
Defensa 856 – San Telmo

English version

In the heart of the historic district, surrounded by street fairs and tourists, Shawarma San Telmo has spent more than ten years bringing one of the great classics of Middle Eastern street food to the city.

shawarma —marinated meat slowly cooked on a vertical rotisserie— is one of those dishes that tells a story of migrations and culinary traditions that traveled from the Arab world to cities across the globe. At this San Telmo spot, the concept is simple and effective: generous portions, bold flavors, and accessible prices. And yes, there’s also an Argentine touch; as the owner told us, the dish has gradually been “Argentinized.”

We spoke with Julián Fernández, who from this corner of the neighborhood maintains a small bridge between Buenos Aires and Middle Eastern culinary tradition. The team’s warmth and passion can be felt both in the service and on the plate.

We tried the beef shawarma—juicy and richly seasoned—alongside classics such as falafel, delicious hummus (our favorite), tabbouleh salad, and the always tempting fatay filled with cheese and meat. And, in true Buenos Aires fashion, there are also French fries to complete the meal. Everything is prepared fresh and homemade, so the short wait is well worth it.

The space itself is large, with comfortable tables—something not so common in the area—and a relaxed atmosphere with music, making it an ideal stop while exploring San Telmo.

IG: Shawarma San Telmo
Defensa 856 – San Telmo

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Kármen Rencsár y Pablo De Nucci, el dúo que opera bajo el nombre Kapai Duo, llegaron a esta pequeña y elegante sala del barrio porteño con once composiciones propias y la convicción silenciosa de quienes no necesitan demostrar nada. Solo dos cellos. Solo ellos. Y sin embargo, el espacio se llenó de capas, de texturas, un mundo, su mundo.

El programa, íntegramente de autoría propia, es en sí mismo una declaración de intenciones: no hay refugio en el repertorio ajeno, no hay red de contención. Cada pieza es una apuesta personal, y eso se percibe desde la primera composición.

«Fuego Azul» abrió el concierto sin contemplaciones. Una apertura que sacude, que instala inmediatamente las reglas del juego: esto no será una velada cómoda, sino un viaje que exige atención. La energía fue inmediata y certera, el tipo de comienzo que convierte a los espectadores en oyentes comprometidos casi sin que lo adviertan.

Luego llegó «Mar», y con ella, la confirmación de que Kapai Duo domina con igual maestría los extremos del espectro expresivo. Extraordinaria en el sentido más preciso del término. El cello, instrumento cuya tesitura ya de por sí evoca profundidades, encontró aquí su dimensión más… oceánica.

«Samadhi» trajo la delicadeza como forma de valentía. En un programa de estas características, sostener el silencio, rozar la nota en lugar de atacarla, requiere tanto coraje como la pieza más enérgica. Rencsár y De Nucci lo saben, y lo ejecutan con una madurez que habla de años de escucha mutua.

Pero fue «Amanecer en Navi Sad» la pieza que detuvo el tiempo. Cargada de historia personal, la composición trascendió lo musical para convertirse en documento humano. Hay piezas que se tocan y piezas que se confiesan; esta pertenece a la segunda categoría, y el público lo sintió en el cuerpo.

El contrapeso lúdico llegó de la mano de «Maximum Effort», guiño de complicidad entre intérpretes y audiencia, que demostró que la propuesta de Kapai Duo tiene también espacio para el juego afectuoso, y para la sonrisa.

Otra composición destacable fue «Yutori» que propone un recorrido con la contemplación como estado final. Una pieza que invita a detenerse, a no tener prisa por aplaudir, a quedarse un momento más dentro de lo que se acaba de pasar.

Kapai Duo no hace música de cámara en el sentido convencional. Hace algo más difícil: hace música propia, con instrumentos clásicos y una sensibilidad contemporánea.

IG: Kapai Duo
IG: La Scala de San Telmo

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Si pudiera ponerle un subtítulo a esta nota sería “Lo que creímos conquistado”. Hay momentos en los que la historia parece avanzar con firmeza, como si cada derecho ganado quedará escrito para siempre, sin embargo, también hay épocas en las que ese mismo camino comienza a quebrarse. Este 8 de marzo encuentra a muchas mujeres en Argentina viendo cómo derechos que parecían firmes vuelven a ponerse en discusión.

El Día Internacional de la Mujer no es una fecha de celebración, sino de memoria. Recordamos a aquellas trabajadoras que hace más de un siglo reclamaban condiciones laborales dignas y pagaron ese reclamo con su vida. Desde entonces, generaciones enteras de mujeres continuaron esta lucha en distintos ámbitos, en el trabajo, en la política, en la educación, en las calles y en el arte. Desde ese entonces, el hombre solo se dedica a felicitarnos por nuestro día y no pone en duda, el porque marchamos en vez de ir a merendar. 

A lo largo de las décadas se conquistaron derechos fundamentales. El reconocimiento de nuestra voz en la vida pública, leyes que buscaron protegernos frente a la violencia de género y políticas destinadas a construir una sociedad más igualitaria. Cada uno de esos avances fue el resultado de años de organización, debate y resistencia. Aún así, hoy están desapareciendo, primero comenzaron a cuestionarlos, luego se los minimiza y finalmente comienzan a desmantelarse lentamente. En los últimos tiempos, muchas de esas conquistas volvieron a ser puestas en duda dentro del debate público, acompañadas por discursos que incentivan al odio, la desigualdad y que niegan la violencia que atraviesa la vida de tantas mujeres, acompañadas tambien por discursos en redes sociales que reivindican modelos tradicionales de sumisión femenina, como las llamadas tradwife.

Las estadísticas siguen siendo alarmantes y los casos de violencia de género continúan ocupando titulares. Hoy no hay un ministerio para nuestro miedo porque hombres consideraron que nuestra ideología era muy cara y no era apropiada.

Este año, el 8 de marzo vuelve a recordarnos, cada vez más, que la lucha por la igualdad no es una causa del pasado, sino una necesidad en el presente.

Cada derecho que hoy defendemos fue conquistado por mujeres que se animaron a cuestionar el orden establecido y gracias a ellas hoy podemos hablar, denunciar, organizarnos y exigir cambios.

Hoy es un día para recordar, para reflexionar y para reafirmar que los derechos de las mujeres no son privilegios ni concesiones, son conquistas necesarias, justas y con valor que deben ser defendidas todos los días por cada generación de mujeres.

*Si sos víctima de violencia de género o conoces a alguien comunícate a la línea 144, es muy importante tu denuncia.

8M: Reflexiones de una joven en lucha 2022 LINK
8M: Reflexiones de una joven en lucha (II) 2024 LINK

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Desde allí, Buenos Aires parece otra: más silenciosa, casi cinematográfica, como si el vértigo quedara suspendido a unos metros del suelo. 

Decidimos grabar nuestro podcast desde la habitación (Spotify). El espacio, cómodo y bañado de luz natural, funcionó como estudio improvisado. Hay algo estimulante en producir contenido en tránsito, en permitir que el entorno también modele el tono de la conversación. Una experiencia tan natural como placentera. 

El hotel no solo se sostiene en la arquitectura y el confort, sino en la hospitalidad entendida como oficio. El equipo acompaña con discreción y eficacia. La infraestructura, salones para eventos, arte, spa, piscina, bar y restaurante, dialoga con esa tradición global que convirtió a la marca en referencia, pero sin perder el pulso local. Puerto Madero, al fin y al cabo, es eso: una frontera entre lo porteño y lo cosmopolita. 

Por la tarde, el spa y la piscina funcionaron como pausa. El clima ayudó, pero también la sensación de estar levemente apartados del ruido. Más tarde, en el último piso, el Urban Sunset: DJs, tragos de autor, tapas, y la ciudad cayendo en dorado. 

En el restaurante llegó uno de los momentos más memorables: el tomahawk, una pieza contundente y jugosa, presentada y explicada por el chef, de impronta joven y segura, que se acercó a la mesa. Hay algo casi ritual en ese gesto de describir el corte, su origen, el punto exacto de cocción. No es solo un plato: es una escena que convierte la cena en experiencia. También hay opciones vegetarianas —como pastas caseras con una salsa especial, sello de autor que uno prefiere imaginar secreto— y una carta concebida con criterio, sin estridencias. Pescados frescos y acompañamientos delicadamente resueltos completan una propuesta que privilegia el sabor. Los postres, delicados, no buscan impresionar desde el artificio, sino cerrar la noche con equilibrio. (Imperdible el Cheesecake). La selección de vinos acompaña con solidez: etiquetas bien elegidas, buenos vinos que dialogan con cada paso del menú. 

No es solo un hotel pensado para viajeros internacionales; también es una invitación para los locales que necesitan un paréntesis sin salir de la ciudad. Un break calculado, una pausa breve pero significativa. A veces el lujo está en algo tan simple como cerrar la puerta, preparar un baño caliente, dejar que el vapor dibuje silencio y entregarse a ese momento que, aunque dure una noche, redefine la semana. 

A la mañana siguiente, el desayuno fue contundente y variado. Movimiento, cafés que se repiten, jugos de frutas recién servidos, la luz entrando desde temprano. Un buffet que invita a recorrerlo más de una vez, casi un almuerzo anticipado. 

El Hilton no necesita grandilocuencia: entiende el ritmo de la ciudad y ofrece, en medio de su vértigo constante, un espacio donde el tiempo parece administrarse de otra manera. Y en Buenos Aires, donde todo ocurre rápido y a la vez nunca se detiene, esa pausa no es un detalle: es un privilegio. Quizás por eso, al partir, uno no siente que se va del todo, sino que deja algo pendiente.

Hotel Hilton Buenos Aires
Tienda: Hilton Buenos Aires
Macacha Güemes 351. Ciudad Autonoma de Buenos Aires

English version

Hilton Buenos Aires: The enduring relevance of a global classic.

We visited the Hilton Buenos Aires in Puerto Madero, that stretch of the city where Buenos Aires rehearses its most international version of itself. To fully embrace the experience, we stayed in a Deluxe room: spacious, filled with natural light, and open to sweeping views of the river and the city skyline. From that vantage point, Buenos Aires feels different—quieter, almost cinematic, as if its usual vertigo were suspended just a few stories below.

We decided to record our podcast from the room (Spotify). The space, comfortable and bathed in daylight, became an improvised studio. There is something invigorating about creating while in transit—allowing the surroundings to subtly shape the tone of the conversation. An experience as organic as it was enjoyable.

The hotel stands not only on architecture and comfort, but on hospitality understood as craft. The team moves with discretion and efficiency. Its infrastructure—event spaces, art, spa, pool, bar, and restaurant—reflects the global tradition that made the brand a reference point, without losing its local pulse. Puerto Madero itself embodies that balance: a frontier between the distinctly porteño and the cosmopolitan.

In the afternoon, the spa and pool offered a welcome pause. The weather certainly helped, but so did the feeling of being gently removed from the city’s noise. Later, on the top floor, Urban Sunset unfolded: DJs, signature cocktails, tapas, and the city dipping into gold.

At the restaurant came one of the most memorable moments: the tomahawk—substantial and perfectly juicy—presented and explained by the chef, whose youthful yet assured presence brought him personally to our table. There is something almost ritualistic in the gesture of describing the cut, its origin, the precise cooking point. It is not merely a dish; it is a scene, a quiet choreography that transforms dinner into experience.

There are also vegetarian options—such as homemade pastas with a distinctive sauce one prefers to imagine remains a house secret—and a menu conceived with discernment, free of excess. Fresh fish and thoughtfully prepared accompaniments complete a proposal that privileges flavor over artifice. Desserts, delicate and refined, aim not to astonish through spectacle but to close the evening in balance (the cheesecake is not to be missed). The wine selection follows suit: well-curated labels, solid choices that converse naturally with each course.

This is not only a hotel designed for international travelers; it is equally an invitation for locals seeking a pause without leaving the city. A deliberate break, brief yet meaningful. Sometimes luxury lies in something as simple as closing the door, preparing a warm bath, watching steam sketch silence in the air, and surrendering to a moment that—though it lasts only a night—reshapes the week.

The following morning, breakfast was generous and varied. Movement, recurring coffees, freshly poured juices, early light spilling across the room. A buffet that invites more than one visit—almost an early lunch.

The Hilton does not rely on grand gestures: it understands the rhythm of the city and offers, amid its constant motion, a space where time seems to move differently. And in Buenos Aires—where everything happens quickly and yet never truly stops—that pause is not a minor detail; it is a privilege. Perhaps that is why, upon leaving, one does not feel entirely gone, but rather as though something meaningful has been left waiting.

Hotel Hilton Buenos Aires
Tienda: Hilton Buenos Aires
Macacha Güemes 351. Ciudad Autonoma de Buenos Aires

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La libertad creativa es hoy un bien escaso en el cine industrializado, donde las fórmulas narrativas y los dispositivos de mercado suelen imponerse sobre el riesgo formal. “Cuarto Oscuro” se inscribe deliberadamente en el margen opuesto: es una obra que privilegia el impulso, la experimentación y cierta desprolijidad programática por sobre cualquier afán de pulido convencional. El resultado es una experiencia híbrida que oscila entre el álbum visual, el falso documental y el collage audiovisual.

La película propone un doble desplazamiento. Por un lado, un recorrido por la trayectoria de la banda Humano Querido, grupo de culto cuya mitología se construye a partir de fragmentos irónicos, anécdotas y retazos musicales. Por otro, un viaje de impronta lisérgica que dialoga con una tradición cinematográfica setentista: hay ecos del cine underground y de la estética de guerrilla, esa forma de filmar “a como dé lugar” donde la urgencia expresiva prevalece sobre la prolijidad técnica. Cámara inquieta, montaje fragmentario y una textura visual deliberadamente cruda convierten la proyección en una experiencia más sensorial que narrativa.

La presencia de figuras vinculadas a la cultura del rock como Pipo Cipolatti y Eduardo De La Puente funciona como puente intergeneracional y como legitimación simbólica. No se trata solo de cameos: su aparición articula el cruce entre la escena musical independiente y un imaginario más amplio del rock argentino. Son nodos que conectan mundos y refuerzan el carácter autorreflexivo y meta de la peli.

La renuncia a la progresión dramática convencional pone a «Cuarto Oscuro» en el terreno de la experimentación en una sucesión de segmentos que alternan videoclips (muchos de ellos con animaciones lisérgicamente creativas) y sketches que bordean el absurdo. La irrupción animada de Tino y Gargamuza añade una capa nostálgica, especialmente efectiva para quienes ya orbitan el universo simbólico de la banda.

El hilo conductor es una exploración irónica sobre las razones por las cuales Humano Querido no alcanza el éxito masivo. Esa indagación, teñida de humor socarrón, funciona como comentario sobre la industria musical contemporánea y, por extensión, sobre el sistema cinematográfico. Las letras de impronta urbana y atravesadas por preocupaciones en torno a la humanidad y la tecnología, pero también la ironía social, encuentran en el dispositivo audiovisual un correlato formal que refuerza su espíritu crítico.

Las comparaciones resultan inevitables. Hay algo del mockumentary rockero «This Is Spinal Tap» en la forma de abordar las miserias y grandezas de una banda, y algo del registro performático de «Stop Making Sense» en la manera de capturar la energía musical como evento. Sin embargo, “Cuarto Oscuro” no replica esos modelos; los reinterpreta desde una idiosincrasia local, con ironía y desfachatez propias.

En definitiva, la película funciona tanto como celebración para los seguidores de la banda como puerta de entrada para nuevos espectadores. Es una obra que asume sus riesgos formales y su estructura fragmentaria sin pedir disculpas. En un contexto industrial cada vez más regimentado (tanto en el cine como en la música), su apuesta por la irreverencia y la libertad expresiva resulta no solo refrescante, sino necesaria.

*La película es una obra conceptual que incluye una muestra de artes plásticas, con pinturas, objetos e instalaciones experimentales que se podrá ver desde el lunes 9, durante todo marzo y abril en la Facultad de Ciencias Económicas de Lomas de Zamora Dirección: Avenida Juan XXIII, Cam. de Cintura (Se podrá ver de lunes a viernes de 8:00 A 22:00 hs) y durante todo mayo estará en la Casa de la Cultura de Lanús Dirección: Pres. Domingo Faustino Sarmiento 1713. «Cuarto Oscuro» se estrena en mayo en el circuito comercial. No se la pierdan!

IG: Humano Querido

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Finalmente se estrena la séptima entrega de la explotada saga Scream. Un filme entretenido, que cumple, es coherente con su legado y logra justificar su existencia, pero que vuelve a decepcionar —una vez más— en su tramo final.

En esta oportunidad, volvemos a tener como protagonista a Neve Campbell, y la historia sigue la vida familiar y profesional de Sidney Prescott años después de los últimos acontecimientos. Todo cambia cuando aparece una nueva oleada de asesinatos de Ghostface y, sobre todo, cuando Sidney descubre que su hija es el nuevo objetivo del asesino.

Aunque la estructura del guion de cada película de Scream casi nunca varía, esta nueva entrega maneja con inteligencia sus previsibilidades para que la anticipación no juegue tan en contra. El primer acto está muy bien ejecutado y atrapa desde la secuencia inicial, que administra con eficacia la tensión. Hacia el segundo acto, en cambio, la inclusión de algunos personajes de entregas anteriores hace que el interés decaiga lentamente, aunque ciertas secuencias de persecución logran sostener el pulso narrativo.

Lo que no tiene salvación es el último tramo de la cinta, que (como ya viene sucediendo en la saga) se debilita por completo en el sobreexplicado momento de la “revelación”. Scream siempre defrauda en este punto: hace tiempo que no encuentra un contexto dramático ni motivaciones lúcidas y verosímiles para sus asesinos. Pero en esta película, además, molesta y enoja, porque desperdicia una gran oportunidad de cerrar a la altura de lo que construyó durante una hora y media. La tensión está muy bien manejada y se plantean posibilidades tan peligrosas como dramáticamente sustanciosas (abordando temas como la inteligencia artificial, la posverdad y las tecnologías) que, cuando llega ese momento autoparodiado de “la conversación” final con el asesino desenmascarado, todo se desmorona. Esas páginas finales, una vez más, ponen en ridículo a cualquier actuación: un buen actor termina pareciendo el peor frente a esos diálogos.

En cualquier otra entrega de la saga, el espectador suspende su credulidad y lo perdona porque “así es siempre Scream”. Pero cuando esta séptima película tenía todas las potencialidades para convertirse en la mejor de las últimas seis, el resultado es especialmente frustrante. Es increíble, pero pareciera que cada acto fue escrito por guionistas distintos. Las últimas escenas dan la sensación de haber sido escritas por un estudiante primerizo. Si la saga quiere sobrevivir a un eventual octavo episodio, debería considerar seriamente contratar a alguien que sepa escribir un guion, o al menos mejorar su trabajo de diálogos, para ofrecer por fin unos últimos veinte minutos que no autodestruyan las promesas dramáticas que la propia película formula. Y, sobre todo, que se anime a explorar otras estructuras posibles, sin dejar de ser fiel a ese metalenguaje con el que siempre juega. 

El personaje de Courteney Cox reaparece con solidez, pero termina licuado en escenas repetitivas, calcadas de entregas anteriores. El elenco acompaña en general, a excepción de los dos personajes recuperados de las últimas películas, que están en otro registro y resultan francamente insoportables. No se entiende la insistencia en sostenerlos: no fueron personajes memorables, ni particularmente bien construidos o interesantes. ¿Hubo algún focus group que indicara que era una buena idea traerlos de vuelta? Quien verdaderamente sostiene el film, con diversidad de recursos y matices, es Neve Campbell: si no fuera por su inteligencia actoral para defender diálogos forzados, gran parte del edificio narrativo se vendría abajo.

En conclusión, hasta su tramo final Scream 7 entretiene, genera momentos de tensión bastante extremos, algunos saltos de la butaca y ese gore hacia el que la saga se fue inclinando en sus últimas entregas. El fan de Scream probablemente la valore. La película cumple, promete ser la mejor… y aunque decepciona en el cierre, la experiencia, en líneas generales, vale la pena.

Entradas en Cinemacenter

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El lunes 16 de febrero de 2026, en el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639, CABA), se presentó Malevo – 10 años, un espectáculo creado por el director, coreógrafo y bailarín Matías Jaime. La propuesta celebra una década de recorrido con una idea clara: tomar el malambo —danza folclórica tradicional argentina— y llevarlo a una escena contemporánea, intensa y de fuerte impacto físico.

El corazón del show está en el malambo, pero no en clave de museo. Malevo trabaja desde un enfoque moderno, vanguardista y transgresor, fusionando su técnica con otros lenguajes como el flamenco y la percusión urbana. El resultado es un cruce que conserva la raíz y, al mismo tiempo, la empuja hacia una estética más amplia, capaz de dialogar con públicos diversos, sin perder identidad.

En escena, el despliegue es constante. El elenco sostiene un ritmo de alta exigencia, con zapateos que marcan el pulso del espectáculo, el uso de boleadoras como elemento coreográfico y la presencia de bombos legüeros que refuerzan el carácter ritual y terrenal del conjunto. La sensación es la de una maquinaria precisa, construida desde la sincronía, la resistencia y el dominio del cuerpo como instrumento.

Un punto fuerte del espectáculo es la banda en vivo, que no se limita a acompañar: también tiene sus momentos protagónicos. La música se integra a los cuadros de danza con energía y variedad, e incorpora pasajes donde aparecen referencias a distintos ritmos del país —chacarera, zamba e incluso guiños al tango— ampliando el mapa sonoro y reforzando la idea de Argentina como territorio múltiple.

Más allá del virtuosismo, Malevo – 10 años deja una marca: el deseo de saber más sobre el malambo y sobre lo que puede generar cuando se lo saca de los moldes habituales. Es un espectáculo recomendable para todo público, especialmente para quienes buscan un teatro de cuerpo, ritmo y potencia. Una experiencia sensorial fuerte, sostenida por disciplina, musicalidad y una identidad escénica que apuesta por lo propio sin cerrarse al cruce contemporáneo.

Próxima función: miércoles 1 de abril – 20:30 hs.

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