Ver teatro independiente siempre hace bien al alma. Esta vez visitamos Teatro Border para ver Un paso atrás, obra de Matías Vitali, quien escribe, dirige y también actúa. Con un elenco numeroso, la pieza es intensa, conmueve y sacude. Hay mucho por decir, denunciar y contar, y la obra lo hace con un delicado equilibrio entre comedia y drama, incomodando al espectador con una mirada punzante y dolorosa sobre la realidad.

El teatro es comunicación, un llamado de atención, un espacio para despertar. Un paso atrás lo asume con valentía. Como dice la frase: “un paso atrás, pero solo para tomar envión”. No hay que retroceder. No más vendas en los ojos, y recordar que siempre hay que mirar de frente y seguir luchando, especialmente en estos tiempos.

De qué trata

Joaquín, un docente de primaria, queda envuelto en un escándalo tras la filtración de sus videos en OnlyFans. Al borde del suicidio después de ingerir una sobredosis de pastillas, su decisión se ve interrumpida por una inesperada fiesta sorpresa —de la que nadie parece querer irse— y por un grupo de padres que se atrinchera en su casa.

Una experiencia intensa

El relato se mueve entre saltos temporales que exigen atención: cada detalle importa y cada palabra cuenta. Con diálogos abundantes, la obra mezcla risas, grotesco y absurdo, que lejos de alejar, acerca al espectador a la incomodidad que propone. Incluso los personajes se animan a cantar, sumando capas a la experiencia. Son dos horas en las que el mensaje se afirma con fuerza y llega directo al público.

Todas las actuaciones están a la altura. Cada personaje tiene historia, profundidad, varios momentos para brillar y mostrar su pesar. Matías Vitali pisa el escenario con fuerza y seguridad; las tablas parecen su lugar en el mundo, comprometido tanto con su personaje como con el mensaje que desea transmitir. También sobresalen la naturalidad y virtuosismo de Silvina Galas y Silvina Jontef, así como el histrionismo de Alejandro Souto, Gabriel Ahumada y Sol Castiello, quienes aportan energía y carisma a cada escena.

Un teatro necesario

Entre risas incómodas y reflexiones que no dejan indiferente, Un paso atrás aborda con inteligencia y valentía temáticas que muchas veces se esconden: identidad, exclusión, la presión de los prejuicios sociales, la idea de la familia “perfecta” (donde todos se odian), y las apariencias que cultivamos. Ambientada en Santa Teresita, un pueblo donde todo se sabe y los secretos parecen multiplicarse, la obra muestra cómo estallan las tensiones cuando lo privado se vuelve público. Con humor ácido y una mirada incisiva sobre la condición humana, más que una comedia, es una experiencia que desafía al espectador y reafirma por qué el teatro sigue siendo un espacio de resistencia, imprescindible para no repetir los errores del pasado.

TODOS LOS SABADOS 22 HORAS
EN TEATRO BORDER Godoy Cruz 1838, CABA.
ENTRADAS: https://tinyurl.com/58hk342r

Jauría Teatro es una compañía teatral fundada por Matías Vitali y Alejandro Souto.

Desde el 2007 producen espectáculos en el circuito de teatro off. Normalmente, la compañía realiza puestas en escena sobre la dramaturgia del mismo director, Matías Vitali. Llevan más de una docena de espectáculos estrenados a la fecha.

Realizaron temporadas localmente en la Ciudad de Buenos Aires y funciones de gira en el Conurbano Bonaerense, por las provincias y en Uruguay, donde fueron invitados a realizar presentaciones e impartir seminarios. La búsqueda estética tiene que ver con el desarrollo de nuevas poéticas y la ruptura y reutilización de convenciones. Los procesos creativos suelen ser arduos, de mucha búsqueda y ensayo, llevando al extremo mecanismos de producción inusuales en el teatro independiente de Argentina.

Ficha técnica

Elenco: Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera, Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello.

Fotografía: Laura Laiguera y Matías Vitali

Diseño gráfico: Laura Laiguera

Diseño sonoro: Matías Vitali

Escenografía e iluminación: Lucas Pardeau

Producción ejecutiva: Alejandro Souto y Matías Vitali

Asistente de dirección: Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz

Dramaturgia y dirección: Matías Vitali

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El pasado 24 de abril se cumplió el segundo aniversario del estreno de Waitress The Musical en Broadway. La celebración, a sala llena, contó con la presencia de su autora y compositora, Sara Bareilles, torta para todos los presentes y un aplauso de pié para Katharine McPhee (American Idol, Smash), su actual protagonista, y el numeroso elenco que la acompaña todas las noches en el Brooks Atkinson Theatre.

¿Por qué es tan difícil hablar de Waitress?

Waitress llegó a Broadway con lo que a simple vista parece ser una historia pequeña y sencilla. En un formato clásico de teatro musical en dos actos, recorremos 9 meses en la vida de Jenna, la mesera de Joe’s Diner, un café perdido al costado de la ruta en algún lugar al sur de los Estados Unidos. Pero tal cual los pasteles que cocina (Jenna es experta repostera) no hay que dejarse engañar por las apariencias, la cobertura puede parecer “sencilla” pero es en la combinación de sus ingredientes en donde la cosa se vuelve compleja y suculenta.

Waitress, basada en la película del mismo nombre estrenada en 2007, expone en forma muy cruda, la cara no visible del abuso doméstico, sus angustias, la impotencia de una mujer sometida y su lucha diaria por subsistir.

A minutos de comenzar la obra Jenna descubre estar embarazada de su marido golpeador y desde ese punto en adelante, la acompañamos en una montaña rusa emocional explorando y profundizando cada estadío de esta maternidad incómoda y no deseada que terminará cambiando por completo su vida. En el camino habrá romance (por supuesto): Jenna conocerá a su galán (¡su obstetra!) y todo se va a transformar en una colección de sobresaltos, encuentros, complicidad, risas y llanto.

La protagonista está rodeada de personajes entrañables e interesantes que te dejan con ganas de ver musicales enteros con sus historias particulares. Y digo musicales porque en Waitress la música es un elemento orgánico que va mutando, integrándose a la historia como el azúcar, la manteca y la harina de un delicioso pastel. Sara Bareilles logra emocionarnos al punto en que es casi imposible salir del teatro sin tararear los acordes de Opening Up, el tema con el que la obra abre y cierra. Otro himno indiscutible es She Used to Be Mine (la balada desesperada con la que Jenna marca el clímax del show a mitad del segundo acto), imagino a varias generaciones de chicas cantándola en sus clases de canto, karaokes, audiciones y fiestas del colegio.

Waitress es un fenómeno cultural en sí misma, con un público fiel que noche a noche llena la sala, canta sus canciones y vuelve cada vez que cambian a los actores protagonistas (Fueron rotando en el rol de Jenna, la dos veces ganadora del Tony, Jessie Mueller, Betsy Wolfe y la mismísima Sara Bareilles. Mientras que en el rol del Doctor Pomatter desfilaron nombres como Jason Mraz y Chris Diamantopoulos).

Lamentablemente Waitress no cuenta con el reconocimiento masivo que merece debido, en parte, a haber sido eclipsado su estreno por el monstruo imbatible de Hamilton (ambas obras estrenadas en 2014, la segunda arrasando con todos los premios y la prensa de ese año).

Waitress es dulce, comprometida, tiene alma y es una salida ideal para madres e hijas, parejas de enamorados, amantes del género o incautos de esos que vieron luz y entraron. Todos, de igual manera, van a disfrutar de una buena experiencia.

Waitress te invita a morder el pastel, saborearlo, y te deja ir con un gustito placentero en la boca, la panza llena y el corazón contento.

Web: waitressthemusical.com

*On April 24, the second anniversary of the premiere of Waitress The Musical on Broadway was celebrated. The celebration, in a packed room, had the presence of its author and composer, Sara Bareilles, cake for all present and a standing ovation for Katharine McPhee (American Idol, Smash), its current protagonist, and the numerous cast that accompanied her every night at the Brooks Atkinson Theater.

Why is it so difficult to talk about Waitress?

Waitress came to Broadway with what at first glance seems to be a small and simple story. In a classic two-act musical theater format, we spend 9 months in the life of Jenna, the waitress at Joe’s Diner, a coffee lost on the side of the road somewhere in the southern United States. But just like the cakes she cooks (Jenna is an expert pastry) do not be fooled by appearances, the cover may seem «simple» but it is in the combination of its ingredients that the thing becomes complex and succulent.

Waitress, based on the movie of the same name released in 2007, exposes in a very crude, non-visible face of domestic abuse, their anguish, the helplessness of a woman subjected and their daily struggle to survive.

Within minutes of starting the play, Jenna discovers that she is pregnant with her abuser husband and from that point forward, we accompany her on an emotional roller coaster exploring and deepening each stage of this uncomfortable and unwanted maternity that will end up changing her life completely. On the way there will be romance (of course): Jenna will meet her lover (her obstetrician!) And everything will be transformed into a collection of frights, encounters, complicity, laughter and tears.

The protagonist is surrounded by endearing and interesting characters that leave you wanting to see whole musicals with their particular stories. And I say musicals because in Waitress music is an organic element that is mutating, integrating itself into history like sugar, butter and the flour of a delicious cake. Sara Bareilles manages to thrill us to the point where it is almost impossible to leave the theater without humming the chords of Opening Up, the theme with which the work opens and closes. Another undisputed anthem is She Used to Be Mine (the desperate ballad with which Jenna marks the climax of the show in the middle of the second act), I imagine several generations of girls singing it in their singing classes, karaokes, auditions and school parties.

Waitress is a cultural phenomenon in itself, with a faithful audience that night after night fills the room, sings its songs and returns each time they change the protagonists (They were rotating in the role of Jenna, the two-time Tony winner, Jessie Mueller, Betsy Wolfe and Sara Bareilles herself, while in the role of Doctor Pomatter there were names like Jason Mraz and Chris Diamantopoulos).

Unfortunately, Waitress does not have the massive recognition it deserves, partly due to the eclipse of its premiere by the unbeatable monster of Hamilton (both plays released in 2014, the second monopolizing all the awards and the press that year).

Waitress is sweet, committed, has a soul and it is ideal for a night out for mothers and daughters, couples in love, lovers of musicals or those casual theatre-goers. Everyone, in the same way, will enjoy a good experience.

Waitress invites you to bite the cake, taste it, and lets you go with a pleasant flavor in your mouth, a full belly and happy heart.

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Por Valeria Massimino

Una fría tarde de diciembre asistimos a la función de la nueva obra del creador de House of Cards,  Beau Willimon y protagonizada (en su debut en Broadway) por Uma Thurman de larga trayectoria cinematográfica: The Parisian Woman, en el bellísimo Hudson Theatre en plena calle 44. La historia -es verdad- podría ser un episodio de House of Cards, y no hay nada de malo al respecto.

The Parisian Woman nos introduce a la vida de Chloe (Thurman) una mujer casada con Tom (Josh Lucas, «Hulk», «American Psycho», «Una mente brillante») un abogado fiscal con ambiciones políticas, con el cual vive comodamente en una hermosa casa (primero de muchos aciertos del rubro escenográfico) y por supuesto, ella tiene un amante, Peter (Marton Csokas, El señor de los anillos, Noé, El sorprendente Hombre Araña 2), un banquero con línea directa al Despacho Oval. Pronto Chloe planerará una estrategia para ayudar a su marido y ascender en el poder. Codicia, corrupción y más actitudes bajas y cínicas sobrevuelan The Parisian Woman.

En la tradición de la mayoría de los dramas políticos los pilares de la obra recaen en personajes profundamente cínicos, y en vueltas de tuercas constantes que buscan sorprender entre el confuso tejido de intriga de palacio. La obra sufre cuando los personajes deben mostrar profundidad, una profundidad que es imposible de construir en una hora y media. Y el exceso de diálogo, aunque sea interesante, puede agotar.

El núcleo emocional de la obra es, como era de esperar, la Chloe de Thurman, que participa en todas las escenas, sin respiro alguno, y cuyo arco se vuelve cada vez más fascinante.

La política estadounidense actual, y Donald Trump en particular, ocupa un lugar destacado que sobrevuela toda la obra: los chistes, los juegos de palabras y los guiños sobre las «fake news», Twitter, y el cambio de paradigma con respecto a la opinión pública, es mordaz y preciso, siendo lo mejor de la obra, lo que llega al público, los hace pensar, e incluso puede lograr algunas discusiones entre amigos a la salida del teatro, dependiendo si son republicanos o demócratas (La «grieta» de ellos).

La historia atrapa, pese a ser un poco extensa, y las situaciones tardan en resolverse, de igual manera, hay un muy buen manejo del suspenso, que se mantienen los 90 minutos que tiene de duración la pieza teatral.

La escenografía hace dinámica el paso de una escena a otra. Un agregado visual, que además de crear el ambiente necesario, es un bálsamo en una obra con mucho diálogo. Un eficiente respiro para todo lo que hay que procesar.

Todos los actores se lucen en sus roles, pero Uma Thurman, impacta, su presencia escénica te quita un instante la respiración apenas se muestra. También la actriz de carácter Blair Brown  (Space Cowboys, Dogville, Fringe) Jeanette, en el rol perfecto de la madre de la joven Rebeca, Philippa Soo (Moana, Hamilton), es fantástica en su papel, emociona la manera en que se maneja por el escenario, con una perfecta naturalidad. Un lujo verla. Los roles femeninos son los que se destacan. Es una obra de mujeres avasallantes, y ojalá eso también llegue a la realidad. Una obra que puede adaptarse en otros países, cambiando la realidad política que se vive.

En su debut en Broadway, Thurman lleva la obra sobre sus hombros y logra evitar las odiosas comparaciones con Claire Underwood saliendo airosa, en parte, por lo bien acompañada que está en escena y bajo la dirección de Pam MacKinnon.

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En Broadway brilla una obra en donde todo lo que sale mal, es realmente perfecto. Una pieza donde la parodia sobre el misterio de un asesinato queda teatralizado de la mejor manera.

La historia: una compañía teatral se enfrenta al estreno de una obra y por supuesto las cosas no salen bien, no están preparados, pero ellos harán lo imposible para seguir adelante. Pese a que todo falla: la luz, la escenografía, los actores heridos, y hasta un principio de incendio, sumado a otras sorpresas. Porque pueden pasar las cosas más increíbles, pero ellos no van a detenerse, van a finalizar la obra sea como sea. Así es el trabajo del actor, llevando a la realidad la frase: el show siempre debe continuar.

Comienza la escena con un cadáver, que, por supuesto no se quedará quieto. Los sospechosos son todos: La prometida del fallecido, Amelia Mcclain, con la cuota justa de dramatismo y glamour. El hermano, el viejo retenedor, y el mejor amigo, todos son personajes bien definidos, como si fuera el clásico juego de mesa, Clue. Una historia digna de Agatha Christie. Es el tropo del «quien lo hizo» llevado al paroxismo de la comedia física.

La escenografía impacta, todo está pensado para que salga tan mal que asombre lo bien que eso queda.

Ocho actores en escena que tienen cientos de momentos para lucirse, porque no se detienen ni un segundo. Una adrenalina imparable, demostrando una destreza física que impacta y emociona. Se nota el trabajo previo, están bien entrenados para sortear todo tipo de situaciones que hasta pueden ser «peligrosas».

Desde el comienzo, cuando el público entra al teatro, ya están los actores merodeando por los pasillos preguntando si «vieron un perro». Las divertidas intervenciones de Akron Watson que interpreta al encargado del sonido de la puesta, luce más preocupado por su colección perdida de cd’s de Duran Duran que por la obra en sí. 

Todas las actuaciones son destacables, pero Clifton Duncan muestra una destreza corporal y agilidad que es un placer de ver. Por otro lado, Alex Mandell, con una espontaneidad logra constante complicidad con el público, que termina adorándolo. También el detective Mark Evans, nos introduce de la mejor manera a la historia  y el mayordomo Harrison Unger, en su debut en Broadway, con sus maravillosos olvidos se roba las miradas, logrando que el espectador quiera más.

Las carcajadas no cesan, cada gag está bien elegido logrando lo que el público quiere ver y oír.

Lo que los personajes viven es un verdadero drama, el sudor recorre los rostros de desesperación, pero la historia que cuentan nunca se detiene. Pese a todos los errores, todo se entiende y eso es una decisión inteligente por parte de los guionistas.

The Play That Goes Wrong se lleva todos los aplausos, en especial para la excelente dirección de Mark Bell y la escenografía, pero la ovación final es para todo los actores que con su virtuosismo, pasión, precisión, espontaneidad, y por sobre todo, la naturalidad con la que se manejan en escena, y hasta fuera de escena. No es fácil competir en la cartelera neoyorquina, pero ellos están preparados. Y hacer reír siempre es más difícil que hacer llorar.

Si pasan por New York no duden en ver esta obra. Lo que sale mal es aquello que hace que la obra sea un verdadero éxito.

*La obra promete la presencia de Leonardo DiCaprio, sólo que no pudo estar presente en la función que nosotros presenciamos… ni en ninguna otra. Debe haber sido un error.

By Valeria Massimino

On Broadway shines a play where everything that goes wrong, is really right. A play where the parody on the mystery of a murder is dramatized in the best way possible.

The story: a theater company faces the premiere of a play and, of course, things do not go well, they are not prepared, but they will do the impossible to move forward. Although everything fails: the light, the scenery, the injured actors, and even a small fire. Because the most incredible things can happen, but they will not stop, they will finish the work no matter what. This is the work of the actor, bringing the famous quote to reality: the show must go on.

The play begins with a corpse, which, of course, will not sit still. The suspects are all: The betrothed of the deceased, Amelia Mcclain, with the fair share of drama and glamour. The brother, the old retainer, and the best friend, all with well-defined characters, as if it were the classic board game, Clue. A story worthy of Agatha Christie. It is the trope of the «whodunit» taken to the paroxysm of physical comedy.

The scenery impacts, everything is designed to go so bad that amaze how well that is. Eight actors on stage who have hundreds of moments to show off, because they do not stop for a second. An unstoppable adrenaline, demonstrating a physical skill that excites the audience. You can see the rehersals, they are well trained to avoid all kinds of situations that can even be physically «dangerous».

From the start, when the audience enters the theater, the actors are already prowling the halls asking if they «saw a dog». The funny interventions of Akron Watson that interprets the person in charge of the sound of the play, looks more worried about his lost CD collection of Duran Duran than the play itself.

All the performances are remarkable, but Clifton Duncan shows a corporal dexterity and agility that is a pleasure to watch. On the other hand, Alex Mandell, with a spontaneity, achieves constant complicity with the audience, which ends up loving him. Also the detective Mark Evans, introduces us the best way to history and the butler Harrison Unger, in his debut on Broadway, is hilarious with its wonderful forgetfulness, making the audience want for more.

The laughter does not stop, each gag is well chosen achieving what the public wants to see and hear. What the characters live is a true drama, the sweat runs through the faces of despair, and the story they tell also never stops. Despite all the fake mistakes, everything in the story works. A brilliant decision of the script.

The Play That Goes Wrong gets all the accolades, especially for the excellent direction of Mark Bell and the set design, but the final ovation is for all the actors who with their virtuosity, passion, precision, and the spontaneity, in and even out of scene. It is not easy to compete in Broadway, but they are prepared. And making people laugh is always harder than making them cry.

If you are in New York do not hesitate to see this play. What goes wrong is what makes the play a real success.

*The play promises the presence of Leonardo DiCaprio, only that he could not be present in the show that we see… or in any other. It must have been an error.

The Play That Goes Wrong escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields, se estrenó en Londres en 2012 en un pequeño teatro, más tarde pasó al circuito off, y en el 2014 saltó al teatro comercial del West End, allí tuvo un gran éxito de público y críticas, ganando el Laurence Olivier Award a la Mejor Nueva Comedia.

Llegó a New York al Lyceum Theatre y ya cumplieron 300 funciones a sala llena. De los productores de Avenue Q y Something Rotten y el reconocido productor J.J.Abrams.

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Una comedia divertida, en donde cualquiera puede ser el culpable de un asesinato y donde el espectador es cómplice.

En New York City, y a sala llena, en Off Broadway, brilla una comedia desopilante. En el mes de Marzo tuvimos el agrado de ver esta obra que durante dos horas, llena de risas el teatro, y el público es parte y cómplice de lo que ve.

Esta historia sucede en una peluquería unisex. Donde divertidos empleados reciben a peculiares clientes. Repentinamente sucederá un asesinato y todos parecerán ser culpables. Las sonrisas en las caras del público no se borran durante dos horas.

Shear Madness es un éxito en Boston, New York y Washington, desde hace más de 30 años. Siendo denominda ‘la comedia americana favorita’.

Shear Madness estrenó en Boston en el Charles Playhouse Stage II en enero de 1980. En 1987 lo hizo en Washington y finalmente llegó a New York en 2015. Adaptado de una obra de teatro de Alemania en 1963 por Paul Pörtner. Y dirigida por Bruce Jordan, quien creó este espectáculo de improvisación con Marilyn Abrams.

Parece ser que mucho del guión, en ocasiones, es improvisado por los actores, y eso le da un toque mágico a cada encuentro. Diálogos sólidos, inteligentes, y también momentos con música invaden la obra. Sumado a gags tras gags, que termina en inevitables risas y dentro de una peluquería con tonos retro (un viaje en el tiempo) y reluciente actualidad.

Los actores se lucen durante las dos horas. Con excelentes y desopilantes actuaciones. Cada uno de ellos tiene su momento para lucirse. Kate Middleton, como Bárbara DeMarco, una empleada coqueta de la peluquería. Jonathan Randell Silver, como Mike Thomas, cliente e investigador. Jordan Ahnquist como Tony Whitcomb, un empleado gracioso, y verborrágico, que por momentos se lleva todas las miradas.

También Gil Brady (Creepy Pierce Brosnan), en el papel de Eddie Lawrence, encaja bien con el personaje más misterioso y que genera sospechas por parte de la audiencia. Patrick Noonan como Nick O´Brien, un audaz investigador que resolverá el crimen, y Lisa McMillan, como la elegante, millonaria, y políticamente incorrecta Mrs. Shubert.

Shear Madness es verborragia incansable de los seis personajes, que, mientras dialogan, cuentan historias, anécdotas y también juegan con referencias de la actualidad, sumamente divertidas. Cada función tendrá algo distinto. Y la improvisación es un plus en una obra de estas características. Todas las noches la obra puede tener un final distinto, depende de los espectadores.

El público ovaciona a los actores que no se detienen ni en el receso de 10 minutos. Adrenalina, locura, gran uso del espacio, con una escenografía que te traslada a esa peluquería neoyorkina en pleno Manhattan.

El guión es sólido, la elección de los actores también, por eso sigue funcionando, siendo una comedia con todos los elementos para ser un éxito.

Fue traducida a otros idiomas y estrenada en otros países (Francia, Corea, Grecia, y Polonia). Seguramente en un futuro no muy lejano la veremos adaptada en nuestro país.

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