Desde su estreno en Estados Unidos el año pasado «El Proyecto Florida» ha estado en boca de todos, ganando más de 30 premios y recibiendo más de 40 nominaciones, entre ellas una al Oscar. Aprovechando el estreno del film en nuestro país hablamos (nuevamente) con su director: Sean Baker, una de las figuras más interesantes de la escena independiente norteamericana. 

Entrevista: Fer Casals y Valeria Massimino

¿Cuál fue el proceso para crear este film? No tiene una estructura clásica…

Fue mi co-escritor Chris Bergoch quien trajo este tópico a mi atención, esta no era una situación que estuviese sucediendo en todo EE.UU. pero teníamos el foco puesto en el triste estado de muchos niños, viviendo en la pobreza, en hoteles baratos apenas en las afueras de lo que consideramos el «lugar mas feliz del mundo» para un niño, allí en Orlando, Florida. También me llamó la atención, artículos que leí acerca de esta situación, así que decimos sentarnos a escribir una historia ficcional que tenga lugar en este mundo donde queríamos transportar a la audiencia a viejos veranos de su juventud y hacerlos sentir ese verano como si fueran parte del grupo de Moonee y sus amigos y la manera de lograrlo fue remover algo de la estructura convencional para contar una historia, borrando las lineas de la estructura de tres actos para hacer que se sienta más como si estuviésemos pasando el verano con los niños, así que no hay puntos de la trama específicos, todo es mas anecdótico, todo es una serie de eventos, en cambio de ser una película conducida por su trama y eso es lo que la hace escaparse de la estructura convencional con la esperanza que te acerque más a los personajes y te haga sentir que pasaste un tiempo con ellos.

¿Cómo fue el casting? Los personajes son muy particulares…

Quise buscar actores locales, quería talento del lugar especialmente en los niños porque quería que los acentos sean los correctos, no quería niños de otras ciudades, quería que sintieran que era un campo de verano en el que se divertían y que no se sientan aislados y trabajando. De uno de esos castings surgió Brooklyn Prince, ella había hecho algunos comerciales, era las más experimentada de los niños e hizo un trabajo maravilloso.

Tambien tuvimos a Christopher Rivera que también fue parte del casting call y Valeria Cotto a quien encontré en un Target Superstore una noche, ese fue un encuentro muy serendipity, la ví, me acerque a su madre y le pedí que la traiga a una audición. Los niños demostraron tener muchas habilidades y fue genial trabajar con ellos. Tenía un acting couch en la película (Samantha Quan) quien realmente convirtió ese verano en una experiencia educacional y divertida para ellos enseñándoles cosas que ojalá se lleven con ellos por el resto de sus vidas.

A24 parece un gran lugar para los cineastas independientes ¿Cómo lograste realizar esta película con un presupuesto de apenas dos millones de dólares?

Al final el presupuesto fue un poquito más de 3 millones. Sí, efectivamente A24 es un maravilloso distribuidor y estoy honrado de estar entre sus artistas, tienen un gran pedigree y me encanta que nos distribuya la compañía que ganó el Oscar el año pasado (Moonlight). Hay un gran equipo de personas que creen tanto en el impacto social de un film como en el film en sí.

Sobre el presupuesto, tengo que agradecer a mis productores que fueron los que lograron que hagamos el film (siendo una película de sindicato) por esa cantidad.

Contanos algo acerca de la locación…

Bueno, es la ruta 192, y así se ve la ruta 192 en la vida real. Hicimos un poco de trampa geográficamente, pero en la mayoría de los casos lo que ves es lo que es. Esta es la arteria principal que corre desde Kissimmee, Florida hasta Orlando y los parques, así que apuntan a los mismos turistas que van a los parques, por lo cual tenés negocios (la mayoria familiares) con colores chillones que le roban algo de la mitología a Disney, es una locación muy interesante. Y no fue difícil encontrar el Magic Castle porque está ahí nomás en plena ruta 192, y no lo pintamos para el film, estaba así (risas). De hecho no terminamos el guión hasta que hicimos la búsqueda de locación.

¿Cómo filmaste en Disney?

Si, efectivamente filmamos en Disney, pero no quiero decir como. Y no tuvimos ninguna respuesta por parte de ellos (risas).

¿Que cámara y lentes usaste?, no hubo iPhone esta vez…

Filmamos en 35 mm. con una cámara Panavision, con hermosos lentes anamórficos de Panavision, pero… les puedo decir que hay un momento en la película que me regresa a mis raíces con el Iphone. Pero es todo lo que diré. Queríamos que este film tenga un look hermoso, cinematográfico, un look que no podés replicar en digital, hay algo especifico en cuanto el proceso foto-químico que no se puede imitar.

¿Qué importancia le das a la opinión de los críticos?

Tomo a los críticos muy seriamente, la mayoría de ellos aman las películas, son tan cinéfilos como yo y respeto eso, pero también tomo lo que leo con pinzas, hay algunos que ignoro, si no me gustan sus gustos. Pero en general les presto atención. Porque podés aprender de ellos.

A Christopher Rivera uno de los niños actores, el film le cambió la vida…

Sí, Recibió la escolaridad completa para asistir a Rollins College una prestigiosa escuela en Winter Park, Orlando, y esto para mi es el mayor éxito de la película, porque estamos muy contentos con el impacto social del film, pero el hecho que hayamos conseguido que le den la escolaridad es un resultado tangible y verdadero. Me siento tan bendecido que A24 (no puedo tomar crédito por esto) haya hecho esto posible. Chistopher es un chico fantástico y queremos el futuro mas brillante para él y es una oportunidad que probablemente el no hubiese tenido y que el film le haya dado esta posibilidad significa mucho para mí.

¿Tu próximo proyecto sigue las temáticas de personas marginales de las anteriores?

Siempre busco contar historias sobre personas que no se ven tanto en películas, simplemente porque siento que cuanto más se las vea menos marginales serán. De alguna manera mis películas son una respuesta a cosas que no veo en películas y en la TV de los EE.UU. Y si voy a seguir con esta temática en mi próximo film, no lo sé, pero probablemente comparta el mismo estilo de mis películas anteriores, seguramente será un film focalizado y conducido por sus personajes, con gente trabajando en la economía underground y luchando por llegar a fin de mes, creo que es importante mostrarlo. Creo que los que contamos historias en EE.UU. en 2018 debemos ser conscientes que podemos decir muchas cosas sobre el país en el que vivimos y los tiempos que corren haciendo películas que muestren esa realidad de manera fiel, especialmente en estos momentos de división y desafíos.

¿Qué opinión te merece el movimiento #MeToo y todo lo que está sucediendo en Hollywood?

Prefiero no hablar del tema, no estoy calificado para hacerlo. Obviamente hay cambios que deben hacerse en la industria, pero no quiero hablar al respecto, de hecho creo que hay demasiada gente hablando que no esta calificada para hacerlo.

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FELICES LOS NIÑOS

La película de Tom McCarthy dirige sus cañones hacia la protección que la institución -tan parecida a una organización criminal- llamada Iglesia católica dio a sacerdotes que abusaron sexualmente de menores. Una investigación del Boston Globe en 2002. La película es tan sencilla como contundente. Pero expone desde el minuto cero todos los tropos habituales del género de films de investigación periodística – las pistas, las reuniones clandestinas, las lecciones sobre ética, etc. – sin añadir ni un poquito de inventiva.

Un guión pulido construye el procedimiento -ese in crescendo estructural que Hollywood hace tan bien pero que ya no sorprende a nadie- y que pese a su convencionalismo narrativo se mantiene por la fuerza de sus actuaciones. Todos el elenco tiene su momento para brillar, especialmente Ruffalo, Schreiber, Adams y Keaton.

Al igual que otras películas basadas en hechos similares como «Todos los hombres del Presidente» (All The President’s Men, 1976) o «El Informante» (The Insider, 1999), «Spotlight» apoya gran parte de su intensidad en cómo estos periodistas fueron acercándose a revelar la verdad. El centro emocional del film nunca encuentra su punto exacto y termina deambulando sobre su frialdad. Tal vez el tema y sus víctimas merecían un recuento más visceral.– Fer Casals

7.5 de 10

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LA PREVALENCIA DEL AFECTO POR SOBRE TODAS LA COSAS

Inspirada libremente en la novela homónima de David Ebershoff, «La Chica Danesa»  narra el derrotero de la pintora danesa Lili Elbe, la primera mujer transexual que se sometió a una cirugía de reasignación de sexo.

El joven matrimonio compuesto por Gerda (Alicia Vikander) y Einar (Eddie Redmayne), refinados pintores de la Copenhague de 1926, transita una vida apacible. Comparten el amor por la pintura y por su obediente can (que de tan dócil hasta posa para los retratos). Einar ha obtenido reconocimiento gracias a sus representaciones de los paisajes de su pueblo natal, al tiempo que Gerda aún busca posicionarse como retratista.

Están intentando tener hijos, anhelo que parece más propio de Gerda que de Einar. Cuando Gerda precisa un reemplazo para retratar a su amiga bailarina, le solicita a su marido que tome su lugar y se calce las medias de seda, el vestido y la peluca que tenía preparadas y este accede, Einar descubrirá una sensación placentera que estaba adormecida. Y esta secuencia marcará el primer acercamiento de Einar al descubrimiento de su identidad sexual, ya que lo que comienza como un juego inocente  y una concesión amorosa al pedido de su mujer rápidamente adquiere otro cariz.  A partir de la toma conciencia del placer por el contacto con elementos propios de la femineidad, el rechazo de Einar de su masculinidad será cabal.

Vikander compone a una mujer compasiva, dueña de una solidaridad inigualable, dispuesta a acompañar a su esposo en su transición de género y la  realización de su anhelo más profundo (pese a saber que la concreción del mismo la alejará de él para siempre). Gerda defenderá con ferocidad a Einar del enjuiciamiento de los médicos que lo atienden, cuya mirada es severa y no comprensiva del padecimiento de su paciente (y es antitética a la ternura de la de Gerda).

Cabe recalcar la delicadeza de la fotografía a cargo de Danny Cohen, así como una  acabada recreación de época.

La dupla protagónica logra transmitir con creces la profundidad y solidez del vínculo que los une, que persiste pese a los drásticos cambios que atraviesa. Si bien Redmayne transita la complejidad afectiva de su personaje con una expresividad notable, cae en excesos que determinan cierto corrimiento de la sutileza. Un gran mérito del film reside en las interpretaciones, especialmente la de Vikander, que conmueve con su recorrido emocional desde el impacto que le provoca descubrir que su marido ya no se siente un hombre a su gradual y dolorosa aceptación de la nueva realidad. –Paola Jarast

8 de 10

GÉNERO: OSCAR BAIT

El problema de «La chica Danesa», (el retrato de Tom Hooper de las artistas Gerda y Einar -luego Lili- pionera del cambio de sexo) es su estructura complaciente para adaptarse a un ideal: la biopic amable lista para la temporada de Oscars.

Si el guión cambiaba la transexualidad por la adicción a la heroína o el siempre efectivo cáncer, el film continuaba siendo el mismo. Hay visitas al médico, desesperadas súplicas de cambio en la relación y claro, la aceptación. El año pasado, Eddie Redmayne ganó como mejor actor actuando en la misma película con otro título «La Teoría del Todo».

Redmayne interpreta a Lili como una santa inocente. Y confunde feminidad con afeminado. La gran actuación del film es la de Alicia Vikander que nos obliga a ser testigos de lo mucho que Gerda pierde para dar vida a Lili.

Al principio, Einar no puede articular su confusión, luego traduce los impulsos de Lili en una persistente atracción por vestidos de seda, lo que sugiere que la película no entiende sus necesidades más profundas y coloca la idea de feminidad en lo exterior. Ni siquiera se maneja con sutileza la manera en la cual ella descubre la mirada masculina en una serie de escenas que parecen sketches.

El pasado aquí sólo existe como una esfera nebulosa y sentimental en el que Lili compartió una vez un beso con su mejor amigo. Hooper parece más obsesionado con el proceso de Gerda, pero los tormentos que informan sus pinceladas prosaicas también permanecen ajenos al espectador. El interés de los realizadores en el trabajo de Einar y Gerda comienza y termina con la crisis de la identidad.

Ambos actores están a merced de un guión que con rigidez, agresivamente insiste en señalar a los temas de identidad y confusión en cada línea de diálogo («Fue como besarme a mí misma«, Gerda recuerda cuando besó a Einar).

Hooper cree que la belleza andrógina de Redmayne es suficiente para hacer alusión a la disforia de género de Lili. Visto con ojos del políticamente correcto siglo XXI la película sólo busca resaltar -como sea- la determinación de su lucha, y «como sea» es la manera que tiene Hollywood de repetir una fórmula. –Fer Casals

4 de 10

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DETRÁS DE LAS PAREDES

«La Habitación» no es sólo una película sobre los horrores de un secuestro, ni una película que quiere centrarse en el amarillismo sensacionalista de tales sucesos (aunque este aspecto se utiliza para un propósito específico). Lenny Abrahamson construye un film sobre una madre y su hijo tratando de adaptarse al mundo exterior tras años de cautiverio forzado.

Cuando conocemos al niño Jack (un impresionante Jack Tremblay) está celebrando su cumpleaños en una habitación que parece de 2mt. x 2mt. y donde tiene todo lo que -Jack piensa- necesita tener. Hay un armario (donde se esconde durante las visitas nocturnas del secuestrador) un lavabo, una TV, la silla uno, la silla dos, y la puerta de chapa (que sólo el secuestrador puede abrir) y por sobre todo, claro, su ventana al espacio abstracto.

Su madre, «Ma» (Brie Larson) le enseñó que todo lo que existe en el mundo esta en la habitación. Pero en realidad hay algo más allá de las paredes, su madre fue secuestrada a los 17 años por Nick (Sean Bridgers) y ha sido su rehén desde entonces.

Claustrofóbica en su primer acto, la película aumenta la apuesta dramática cuando es necesario, pero sin cruzar la línea del melodrama empalagoso. Las actuaciones mueven el amperímetro afectivo pero lo hacen de una manera reflexiva, llena de comprensión acerca de la crianza y la naturaleza humana, representada en el vínculo simbiótico de madre e hijo.

En su núcleo «La Habitación» se trata simplemente de eso, el amor materno, y cómo ese sentimiento primario y vital supera cualquier obstáculo, no solamente el de la privación de la libertad sino el del centro dramático del film y elefante rosa en la habitación: el niño es hijo del secuestrador, el resultado de una violación, pese a eso -o por eso- el lazo inquebrantable de amor incondicional que la madre siente por su hijo cobra un valor mayor y es el nudo emocional del film, la desgracia convertida en porvenir. –Fer Casals

8 de 10

«Room» es un drama conmovedor, sensible y envolvente. Una pequeña película pero poderosa e intensa. Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero: su mundo. Es todo lo que conoce. Nació allí. Su madre fue secuestrada, privada de total libertad. Secuestrada desde los diecinueve años, pero en esa habitación, de alguna manera sobrevivió, y luego llegó Jack, producto de las violaciones de su secuestrador.

Basada en el libro de Emma Donoghue, quien también hace el guión y eso por suerte se nota. La película comienza allí, en ese cuarto, y Jack no conoce que hay fuera, pero imagina, sueña, piensa, habla y habla. Solo tiene a su madre. En ese diminuto lugar hay un pequeño televisor y una claraboya que le muestra un poco de cielo, y él no alcanza a comprenderlo.

La película se muestra de manera sensible e inteligente, porque a la mitad del film, ellos escapan, una escena de mucha tensión que se traspasa al público, y cuando llega finalmente la libertad, no es nada fácil ni feliz. Muestran como es la vida fuera de ese cuarto, de esa caja, que lo era todo y era nada. Tratan de entender cómo es posible volver a vivir, especialmente para ella, para la joven madre que perdió su adolescencia y juventud. Y es fuerte ver como lo toman sus padres el regreso. Una escena conmovedora también es que el abuelo del niño, no pueden mirar a los ojos al pequeño Jack.

Tantas historias de este estilo existen en la vida real, que erizan la piel. «Room» llega al corazón de cada persona.
Cabe resaltar varios momentos de la película, como un monólogo de la madre, cuando es entrevistada, y explica que Jack es su hijo, solo es parte de ella, parte de su cordón umbilical, conexión solo con ella, no hay padre, no existe. Es su hijo. Es puro amor.

Brillante actuación de Jack (Jacob Tremblay) hace tiempo no se ve a un niño así en pantalla grande, estremece, gran futuro. Y también excelente Brie Larson, en el papel de la madre, que no puede salir adelante, que trata de quitarse la vida, pero que finalmente puede lograrlo gracias a su hijo. – Valeria Massimino.

10 de 10

Lo que deslumbra: el pequeño Jack, en cada actuación, en cada diálogo.
Lo que perturba: pensar que algo así puede ser real.

“Cuando tenía 4 ni sabía que el Mundo existía. Y ahora Má y yo viviremos en él para siempre. Hasta que muramos. Esto es una calle en una ciudad, en un país llamado América. Y la tierra es un planeta azul y verde que siempre gira y no entiendo por qué no nos caemos. Luego está el espacio exterior, Y nadie sabe dónde está el paraíso. Y Má y yo hemos decidido que como no sabemos lo que nos gusta probaremos todo. Hay tantas cosas aquí. Y a veces asusta, pero eso está bien, Por qué aún somos tú y yo”. Jack.

Premios:
2015: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor película y director
2015: Globos de Oro: Mejor actriz (Brie Larson)
2015: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2015: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del público)
2015: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz (Larson) y guión adaptado
2015: Independent Spirit Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor actriz(Larson)
2015: National Board Review: Top 10, actriz (Larson), actor revelación (Tremblay)
2015: Premios Gotham: Nominada a Mejor actriz (Brie Larson)
2015: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo mejor película y director
2015: Sindicato de Actores (SAG): Nom. Actriz (Larson) y actor sec. (Tremblay)
2015: Critics Choice Awards: Mejor actriz (Larson) e intérprete joven (Tremblay)

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ADORABLE PUENTE

El mejor film de Spielberg desde «Munich» (2005) derrocha seguridad en su narración, solidez en los diálogos, madurez en la dirección, belleza en la fotografía y contención en las actuaciones. No es poco. Construir un film sobre negociaciones de escritorio que mantiene al espectador en el borde del asiento es el enorme mérito del director de «La Lista de Schindler».

La historia real hubiese resultado narrativamente más plana, Spielberg le escapa al documental y carga a su film con detalles y «floreos» que deleitan a quienes queremos notar la «mano» del director en una película, y además se permite una escena de acción memorable.
«Puente de espias» podrá esta situada en la guerra fria, pero tiene algo para decir acerca de la política internacional del EE.UU. actual, y como se trata aún hoy a los prisioneros de guerra.

La trama es muy simple, Jim Donovan, un abogado neoyorkino (Hanks, excelente como siempre) acepta defender a un topo ruso capturado en tierra norteamericana, lo cual lo lleva al centro del conflicto mundial de aquél momento entre la URSS y Estados Unidos. En medio del muro levantado en Berlín en 1961, deberá negociar el intercambio del topo por un piloto espía norteamericano caído en tierra enemiga. Nadie hace a un decente mejor que Hanks, y Donovan lo era, lo cual agiganta el desafío al estar rodeado de pragmáticos y reaccionarios de ambos lados.

La fotografía de Janusz Kaminski hace que cualquier otro film que uno vea después de este luzca pobre y mal iluminado. El guión de Matt Charman fue «retocado» por los hermanos Coen y se nota en algunos momentos de humor seco que funcionan muy bien. Spielberg es un humanista, como lo era Donovan, cuando el hijo le pregunta «porque defendes a un comunista si no lo sos?» queda claro como entienden al mundo, y la importancia de este ejemplo en el contexto global actual resulta inconmensurable. –Fer Casals

8 de 10

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