Hablar con Andrés Buhar no fue una entrevista en el sentido clásico, sino algo más cercano a una conversación abierta. No hubo un orden rígido de preguntas y respuestas, sino una charla que se fue desplegando con naturalidad, casi como una obra en proceso. Las ideas aparecían, se conectaban entre sí y abrían nuevos caminos. Como suele pasar cuando se habla de arte, una palabra llevaba a otra, una reflexión a una imagen, y de ahí a una pregunta más amplia. La conversación avanzaba sin necesidad de cerrarse, dejando la sensación de que siempre había algo más por pensar, un loop posible, infinito.

Hablar de arte, inevitablemente, es filosofar. No desde un lugar solemne, sino como algo bastante natural: preguntarse por lo que creamos, por lo que consumimos y por el sentido de todo eso. La charla con Buhar se movía ahí, entre lo concreto y lo abstracto, sin forzar nada. Al final, todo volvía a lo mismo: la experiencia real, lo que nos pasa. Y quizá esa sea la única pregunta que importa, aunque mejor no abrirla demasiado, porque podría no terminar nunca.

Entre anécdotas, ideas y proyectos, aparecía esa reflexión constante sobre el lugar del arte hoy, su necesidad y su capacidad de abrir espacios; físicos y simbólicos, para pensar y sentir, quizá, de otra manera.

Cuando escuché por primera vez sobre Arthaus sentí esa mezcla rara de sorpresa y entusiasmo: eso que solemos admirar cuando viajamos y vemos en otras ciudades del mundo, pero que ahora existe acá, en pleno microcentro porteño. No es solo un lugar que alberga arte, sino un espacio donde el arte se vive como experiencia. Una propuesta singular en Buenos Aires, difícil de comparar.

Buhar cuenta que la idea tomó forma en plena pandemia: ese paréntesis global que detuvo el ritmo de todo, también abrió un tiempo inesperado para imaginar. “No hay que sobrepensar”, dice. Y la frase resuena porque va a contramano de esa parálisis que a veces generan las ideas cuando se quedan girando en la cabeza. La clave, sugiere, es hacer: accionar, bajar lo imaginado a tierra. Arthaus nació, en parte, de un impulso creativo: la necesidad de transformar la pausa en movimiento. Incluso reflexiona que, sin aquel contexto extraordinario, quizás el proyecto no existiría tal como lo conocemos hoy.

Y de pronto resuena la frase de David Thoreau: «Si has construido castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué perderse; ahí es donde deben estar. Ahora coloca las bases debajo de ellos».

La conversación se movía como el arte mismo: una palabra llevaba a un recuerdo, una imagen abría otra reflexión. Pensar el arte hoy, en estos tiempos cada vez más líquidos, como anticipó Zygmunt Bauman, implica preguntarse por su lugar: qué dice, cómo circula y de qué manera sigue dialogando con nuestra experiencia cotidiana.

Los números dicen que cada vez menos gente va al cine. Y la pregunta se extiende: ¿qué pasa con las exhibiciones de arte? En ese contexto, espacios como Arthaus proponen otra lógica. No se trata solo de programar música, teatro o cine, sino de experiencias que invitan a habitar el arte de otra manera: ver una película desde una terraza, por ejemplo, sentado en una reposera, dejando que la obra dialogue con el entorno. Más que competir con las pantallas, la apuesta parece ser recuperar el encuentro y convertirlo en experiencia.

Hay algo casi mágico en el lugar, y no es casual. Cuando el arte se vive de cerca aparece esa sensación de descubrimiento, como si cada detalle abriera una nueva lectura. En la charla surgieron referencias que iban de obras icónicas a colectivos como Mondongo, ligado a una experiencia personal de Buhar: una obra que, más allá de cualquier valor, lo emociona. En ese gesto se entiende que para él el arte es un vínculo vivo: algo que te toca, te acompaña.

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos.” Marcel Proust

Hablar con él fue confirmar que Arthaus no es solo un espacio cultural: es una forma de pensar cómo queremos habitar el arte hoy. En su discurso aparece una convicción clara: el arte tiene que seguir vivo, incomodar, exigir, convivir con nosotros como una presencia activa.

Volver a su infancia ayuda a entender el mapa: la empresa era herencia; la música, refugio y una forma temprana de libertad (qué es la libertad es otra conversación). Hoy esas dos dimensiones conviven. Compone cuando puede, sin romantizar el proceso, sabiendo que crear también es administrar el tiempo. También rescata la vitalidad cultural argentina, capaz de producir con intensidad incluso en contextos adversos.

La pasión aparece como motor, pero no basta por sí sola. Andrés Buhar no habla de suerte ni de recetas; más que entusiasmo, transmite seguridad: dice lo que piensa con la claridad de quien sabe lo que defiende, sin pretender que sea la verdad absoluta.

Buhar sonríe ante la idea de planificación extrema. Arthaus nació hace pocos años y emociona. Dice que, en realidad, no lo pensó demasiado. Hoy reconoce que está contento de que el proyecto funcione, pero su mirada nunca se queda en lo que ya logró. No hubo una certeza previa de éxito ni un cálculo: más bien una decisión de avanzar. “No pensé mucho. A veces me preguntan si imaginé que iba a ser así… y la verdad es que no. Me gusta que funcione, claro, pero ya estoy pensando en lo que sigue, en qué sumar, en cómo expandir. Nunca me detuve demasiado en si iba a salir bien. Simplemente lo hice.”

¿Cómo cambia nuestra forma de entender el arte hoy, en un contexto atravesado por redes y transformaciones constantes?

A.B: El arte es un concepto work in progress. El arte no es algo fijo sino un concepto en permanente transformación: se construye, se discute y se redefine con el tiempo. Lo que hoy consideramos arte quizás años atrás no lo hubiera sido, porque nuestra mirada cambia, y justamente ahí radica su potencia. El arte trabaja sobre cómo vemos el mundo y cómo nos vemos a nosotros mismos. Frente a la pregunta clásica de para qué sirve, marca una diferencia con los saberes técnicos: mientras la ingeniería o la arquitectura resuelven problemas concretos, el arte opera en otro plano.

La banana

La obra creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, consiste en una banana real pegada a una pared con cinta plateada acompañada de un certificado de autenticidad que permite reemplazar la fruta. Fue subastada en Nueva York por Sotheby’s por $6.2 millones de dólares. El empresario Justin Sun compró la obra y, poco después, se comió la banana en una conferencia de prensa.

Buhar la lee como un gesto cargado de ironía: una fruta común, casi un chiste, que se pudre rápido, atada con cinta de la manera más precaria posible y agrega: “Todo ahí contradice la idea clásica de obra duradera, hecha de bronce o mármol para la eternidad. En cambio, esto existe sabiendo que va a desaparecer. La tensión crece cuando esa pieza efímera se subasta por millones: ¿qué se está comprando realmente? ¿El objeto, la idea, la experiencia? Ahí aparece el juego del arte conceptual, que no busca solo ser contemplado sino activar una pregunta. Más que ofrecer una respuesta, la obra funciona como disparador: nos obliga a revisar qué entendemos por valor, por materialidad y por experiencia”.

Cómo logra una obra generar reflexión y abrir debate sin buscar solo provocar? Recuerdo la obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana”.

A.B: La obra de León Ferrari en su momento generó debate; hacía tiempo que no se hablaba tanto de un artista por lo que había hecho. Y eso también es parte del juego, buscar la provocación, o decidir no hacerlo. Porque la provocación no es una sola cosa: es un territorio amplio. A veces provocar por provocar no conduce a nada; otras, aparece una obra que sí logra abrir algo y generar sentido. Por eso es difícil generalizar fuera de contexto, y más aún sin saber qué puede pasar mañana. En ese marco, muchas veces lo más interesante no es solo la obra en sí, sino el debate que despierta. Para mí, lo verdaderamente complejo no es la provocación… es la indiferencia.

¿Qué implica hoy hablar de arte ‘elitista’ y arte ‘popular’?

A.B.: Hablar de elitismo y de lo popular implica reconocer que no todos partimos del mismo lugar. Cada persona enfrenta realidades, tiempos y urgencias distintas, y eso condiciona el espacio que tiene para acercarse al arte o simplemente disfrutarlo. Comprender algo, o tener el tiempo para hacerlo, también depende de qué necesidades básicas estén resueltas en la vida cotidiana.

Por eso me cuesta cierta idea de meritocracia que supone que todos competimos en igualdad de condiciones. No es lo mismo el valor del dinero ni del tiempo cuando está en juego lo básico que cuando eso ya está garantizado. Si yo tengo 10.000 pesos y de eso depende que hoy pueda comer, ese dinero vale todo: vale la vida. En cambio, si esa necesidad está cubierta, la misma plata puede convertirse en un gusto o un viaje. Ahí se ve claramente cómo cambian las prioridades. Lo mismo pasa con el tiempo y la tranquilidad: no todos disponemos del mismo margen para parar, disfrutar o simplemente darnos un respiro.

¿Cómo impactan la inteligencia artificial y la aceleración tecnológica en nuestra forma de pensar y percibir el mundo?

A.B.: No me preocupa la herramienta en sí, sino la velocidad con la que todo ocurre. Ese ritmo constante puede erosionar nuestra capacidad de procesar lo que vivimos, y ahí es donde la subjetividad empieza a diluirse. El arte es un lugar para frenar, pensar y recuperar una mirada propia.

A veces lo comparo con el choque entre sociedades que se encontraban con transformaciones tan abruptas que no había tiempo para asimilarlas ni construir un marco simbólico para entenderlas. Algo parecido pasa hoy con nuestra percepción del tiempo. En el siglo XX, avances como el auto o el avión cambiaron la experiencia de la velocidad, pero había un período de adaptación. Hoy todo parece acelerarse sin pausa: contenidos que cambian cada segundos, plataformas diseñadas para sostener una atención fragmentada, incluso películas pensadas sabiendo que el espectador mira el celular. Todo eso modifica nuestra relación con el tiempo y plantea una pregunta de fondo: ¿cuál es nuestro tiempo interno frente a esta aceleración constante?

Hace un siglo el trabajo era también físico: caminar, levantar, construir, cosechar… el cuerpo gastaba energía de forma natural. Cuando ese esfuerzo desapareció, aparecieron los gimnasios para compensarlo. Entonces me pregunto si no necesitamos algo parecido para la mente: una especie de gimnasio intelectual, porque cada vez ejercitamos menos el pensamiento. Y ahí hay un desafío real.

¿Cómo se construye una mirada propia frente a una obra en un contexto dominado por algoritmos y opiniones externas?

A.B: Reconocer qué te pasa frente a una obra es, en el fondo, un ejercicio de mirada crítica y de afirmación personal. No alcanza con decir “me gusta” o “no me gusta”: Se trata de entender desde qué lugar miramos. Esa diversidad de posiciones es valiosa porque amplía la percepción y no debería vivirse como confrontación. El conflicto aparece cuando la lógica de las redes reduce esa pluralidad a likes, algoritmos y nichos que refuerzan certezas en lugar de abrir preguntas. Recuperar espacios donde la diferencia pueda convivir sin agresión, y donde la experiencia sea más intercambio que consumo, se vuelve entonces una forma de preservar una mirada propia.

Buhar no da un consejo explícito, pero sugiere no quedarse paralizado por la búsqueda de genialidad o la validación externa. Recomienda partir de algo que despierte interés y explorarlo, observando qué te provoca en el proceso. Crear, insiste, es un misterio que se sostiene en la curiosidad y la autenticidad: no se trata de perseguir resultados, sino de encontrar un vínculo verdadero con lo que uno hace y dejar que eso marque el camino.

Web: arthaus.ar
IG: arthauscentral

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Andrés Buhar and Arthaus: How to inhabit art today

by Valeria Massimino

Talking with Andrés Buhar didn’t feel like a traditional interview so much as an open-ended conversation. There was no rigid sequence of questions and answers, but a dialogue that unfolded naturally, almost like a work in progress. Ideas surfaced, connected, and opened new paths. As often happens when discussing art, one word led to another, one reflection to an image, and from there to a broader question. The conversation moved forward without needing closure, leaving the sense that there was always more to think about,  a possible, endless loop.

To talk about art is, inevitably, to philosophize. Not from a solemn place, but as something quite natural: questioning what we create, what we consume, and the meaning behind it all. The exchange with Buhar moved in that space, between the concrete and the abstract, without forcing anything. In the end, everything circled back to the same point: lived experience, what actually happens to us. And perhaps that is the only question that matters, though it’s better not to open it too far, because it might never end. Between anecdotes, ideas, and projects, a constant reflection emerged about the place of art today, its necessity and its ability to open spaces, both physical and symbolic, for thinking and feeling in new ways.

When I first heard about Arthaus, I felt that unusual mix of surprise and excitement: the kind of thing we admire when traveling and seeing cultural spaces in other cities,  except this one exists here, in downtown Buenos Aires. It’s not simply a venue that houses art, but a space where art is experienced. A singular proposal in the city, difficult to compare.

Buhar explains that the idea took shape during the pandemic , that global pause that halted everything and unexpectedly opened time to imagine. “Don’t overthink it,” he says. The phrase resonates because it runs counter to the paralysis that ideas sometimes produce when they keep spinning in our heads. The key, he suggests, is to act,  to bring imagination down to earth. Arthaus was born, in part, from that creative urgency: the need to transform pause into movement. He even reflects that without that extraordinary context, the project might not exist as we know it today.

Suddenly, a line by Henry David Thoreau echoes the spirit of that moment:
“If you have built castles in the air, your work need not be lost; that is where they should be. Now put the foundations under them.”

The conversation moved like art itself: one word led to a memory, an image opened another reflection. Thinking about art today,  in these increasingly liquid times, as anticipated by Zygmunt Bauman, means asking where it stands: what it says, how it circulates, and how it continues to dialogue with everyday experience.

The numbers suggest fewer people are going to movie theaters. The question expands: what about art exhibitions? In that context, spaces like Arthaus propose another logic. It’s not only about programming music, theater, or film, but about creating experiences that invite people to inhabit art differently, watching a movie from a rooftop terrace, for instance, sitting in a lounge chair, letting the work converse with its surroundings. Rather than competing with screens, the aim seems to be recovering shared presence and turning it into experience.

There’s something almost magical about the place, and it isn’t accidental. When art is lived up close, a sense of discovery appears, as if each detail opens a new reading. During the conversation, references ranged from iconic works to collectives like Mondongo, connected to a personal experience of Buhar’s: a piece he acquired that moves him beyond any market value. In that gesture, it becomes clear that for him art is a living bond, something that touches you and stays with you.

A line by Marcel Proust captures that idea:
“The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes.”

Talking with him confirmed that Arthaus is not just a cultural venue,  it’s a way of thinking about how we want to inhabit art today. His discourse carries a clear conviction: art must remain alive, capable of unsettling, demanding, and coexisting with us as an active presence.

Looking back at his childhood helps map that trajectory: business was inheritance; music was refuge and an early form of freedom (what freedom means is another conversation). Today, those dimensions coexist. He composes when he can, without romanticizing the process, aware that creating also means managing time. He also highlights Argentina’s cultural vitality, its capacity to produce intensely even under adverse conditions. Passion appears as an engine, but not enough on its own. Buhar doesn’t talk about luck or formulas; more than enthusiasm, he conveys assurance,  speaking with the clarity of someone who knows what he stands for without presenting it as absolute truth.

He smiles at the idea of extreme planning. Arthaus is only a few years old and already emotional for him. He admits he didn’t overcalculate. Today he’s happy the project works, but his gaze never lingers on what’s already achieved. There was no certainty of success, just a decision to move forward. “I didn’t think too much. Sometimes people ask if I imagined it would be like this… honestly, I didn’t. I’m glad it works, of course, but I’m already thinking about what comes next,  what to add, how to expand. I never stopped to wonder if it would turn out well. I just did it.”

How does our understanding of art change today, in a context shaped by networks and constant transformation?

A.B.: Art is a work in progress. It isn’t fixed; it’s continuously built, debated, and redefined over time. What we consider art today might not have been recognized as such years ago, because our gaze evolves, and that’s precisely its strength. Art works on how we see the world and ourselves. Faced with the classic question of usefulness, it differs from technical disciplines: while engineering or architecture solve concrete problems, art operates on another plane.

The banana

The work created by Maurizio Cattelan consists of a real banana taped to a wall with silver duct tape, accompanied by a certificate of authenticity allowing the fruit to be replaced. It was auctioned in New York by Sotheby’s for $6.2 million. Entrepreneur Justin Sun purchased the piece and later ate the banana at a press conference.

Buhar reads it as an ironic gesture: an ordinary fruit (almost a joke) that rots quickly, attached in the most precarious way. “Everything contradicts the classical idea of a durable artwork meant to last forever. This exists knowing it will disappear. The tension grows when something ephemeral sells for millions: what are you really buying,  the object, the idea, the experience? That’s where conceptual art activates a question. Rather than offering answers, it pushes us to rethink value, materiality, and experience.”

How can an artwork provoke reflection and debate without simply seeking provocation?  Thinking of León Ferrari’s La civilización occidental y cristiana

A.B.: Ferrari’s work sparked enormous debate; it had been a long time since an artist generated that level of discussion. Provocation is part of the game, whether you seek it or not, but it isn’t a single thing. Sometimes provocation leads nowhere; other times it opens meaning. Context matters. Often what’s most interesting isn’t the piece alone, but the conversation it creates. For me, the real challenge isn’t provocation, it’s indifference.

What does it mean today to talk about “elitist” versus “popular” art?

A.B.: It means recognizing we don’t all start from the same place. People face different realities, urgencies, and time constraints, which shape their access to art. Understanding something, or having time for it, depends on basic needs being met. That’s why meritocracy can be misleading. Money and time don’t hold the same meaning when survival is at stake. If I have money that determines whether I eat, that’s life itself. If that need is covered, the same amount becomes leisure. The same applies to time: not everyone has the same margin to pause and enjoy.

How do artificial intelligence and technological acceleration impact our thinking?

A.B.: The tool doesn’t worry me, the speed does. Constant acceleration erodes our ability to process experience, and subjectivity begins to blur. Art becomes a space to slow down and recover perspective. It reminds me of historical moments when societies encountered abrupt change without time to assimilate it. Today, content cycles in seconds, platforms fragment attention, even films assume viewers check their phones. It alters our relationship with time and raises a question: what happens to our inner tempo? A century ago, physical labor naturally exercised the body; now we use gyms. Perhaps we need intellectual gyms,  because we’re exercising thought less and less.

How do we build an independent gaze in an algorithm-driven culture?

A.B.: Recognizing what happens to you in front of an artwork is an act of critical awareness. It’s not enough to say “I like it” or “I don’t.” You need to understand where your perspective comes from. Diversity of viewpoints expands perception. The problem arises when networks reduce that plurality to likes and niches reinforcing certainty. Preserving spaces where difference can coexist, where experience is exchange rather than consumption,  is essential to maintaining a personal gaze.

Buhar doesn’t give a strict formula, but suggests not freezing in pursuit of genius or external validation. Start with something that sparks interest and explore what it awakens. Creation, he insists, is sustained by curiosity and authenticity. It’s less about chasing results than building a real relationship with what you do, and letting that guide the path.

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Una celebración musical para toda la familia

El domingo 7 de diciembre de 2025, el Teatro Gran Rex se transformó en un escenario de fantasía con Navidad en las películas, un espectáculo musical construido a partir de las bandas sonoras más representativas del cine navideño, que logra conmover desde el primer acorde.

La propuesta invita a sumergirse en un universo reconocible y emotivo, donde el cine y el teatro musical se encuentran para dar forma a una experiencia pensada para grandes y chicos. A lo largo de la función, música, relato y puesta en escena se articulan con una estética cinematográfica cuidada y envolvente, capaz de apelar tanto a la nostalgia como al espíritu festivo propio de estas fechas.

Uno de los ejes narrativos del espectáculo es el universo de Un cuento de Navidad de Charles Dickens, con Raúl Lavié en el rol de Mr. Scrooge, cuya presencia aporta jerarquía, calidez y una fuerte carga emotiva. Su interpretación funciona como hilo conductor de una puesta que dialoga con otros clásicos del imaginario navideño sin perder cohesión ni ritmo.

La puesta en escena es, sin dudas, uno de los grandes aciertos de la noche. Más de 100 artistas en escena —entre músicos, coro de adultos, coro de niños, bailarines y actores— construyen cuadros de gran impacto visual y sonoro. La participación de los niños resulta especialmente conmovedora: sus interpretaciones se destacan por la entrega, la frescura y la precisión, generando algunos de los momentos más emotivos de la función.

El vestuario suma color, humor y carácter a la propuesta. Las caracterizaciones del Grinch y de Papá Noel aportan cercanía y encanto visual, reforzando el clima festivo y lúdico que atraviesa todo el espectáculo.

Bajo la dirección musical de Joel Villagra y Florencia Battista, la obra encuentra un equilibrio preciso entre potencia sonora y sensibilidad narrativa. La música en vivo, sostenida por una orquesta de gran despliegue, acompaña cada escena con solidez y emoción, potenciando el clima cinematográfico sin perder la esencia teatral.

Más allá del despliegue técnico y artístico, Navidad en las películas se vive como una celebración colectiva. Es un espectáculo que invita a emocionarse, a compartir y a reencontrarse con historias que forman parte del imaginario común, recordando el valor del teatro como experiencia compartida.

Al final de la función, el público se levanta con el corazón lleno y una sonrisa. Durante aproximadamente una hora y media, el Gran Rex se convierte en un espacio donde la música, el cine y la Navidad dialogan con sensibilidad y calidez. Navidad en las películas es, sin dudas, una propuesta altamente recomendable para toda la familia, ideal para cerrar el año desde la emoción y el disfrute compartido.

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La acción se sitúa en un tiempo indeterminado, en una nación que ha sufrido la invasión por parte de un país vecino. En ese contexto, dos monjas dan asilo a un joven militante político perseguido por el ejército.

Juan Carlos Gené nos propone un texto dramático provocador, que desnuda la relación de la Iglesia con las fuerzas militares y políticas. Siguiendo la línea que inaugura Antígona, será la fortaleza de las mujeres la que enfrente el poder de los opresores.

Viernes a las 22:30 hs. – Teatro El Popular – Chile 2080 – CABA
Instagram: @golpesamipuerta
Entrada general: $ 12.000 

Ficha técnica

Elenco: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro – Diseño de luces: Federico Flotta – Diseño gráfico: Debora Longobardi y Nayla Perujo – Diseño de imagen: Nayla Perujo – Fotografía: Gabo Rugiero – Prensa: Guadalupe Farina – Asistente de dirección: Armando Serrato Martínez Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

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Ver teatro independiente siempre hace bien al alma. Esta vez visitamos Teatro Border para ver Un paso atrás, obra de Matías Vitali, quien escribe, dirige y también actúa. Con un elenco numeroso, la pieza es intensa, conmueve y sacude. Hay mucho por decir, denunciar y contar, y la obra lo hace con un delicado equilibrio entre comedia y drama, incomodando al espectador con una mirada punzante y dolorosa sobre la realidad.

El teatro es comunicación, un llamado de atención, un espacio para despertar. Un paso atrás lo asume con valentía. Como dice la frase: “un paso atrás, pero solo para tomar envión”. No hay que retroceder. No más vendas en los ojos, y recordar que siempre hay que mirar de frente y seguir luchando, especialmente en estos tiempos.

De qué trata

Joaquín, un docente de primaria, queda envuelto en un escándalo tras la filtración de sus videos en OnlyFans. Al borde del suicidio después de ingerir una sobredosis de pastillas, su decisión se ve interrumpida por una inesperada fiesta sorpresa —de la que nadie parece querer irse— y por un grupo de padres que se atrinchera en su casa.

Una experiencia intensa

El relato se mueve entre saltos temporales que exigen atención: cada detalle importa y cada palabra cuenta. Con diálogos abundantes, la obra mezcla risas, grotesco y absurdo, que lejos de alejar, acerca al espectador a la incomodidad que propone. Incluso los personajes se animan a cantar, sumando capas a la experiencia. Son dos horas en las que el mensaje se afirma con fuerza y llega directo al público.

Todas las actuaciones están a la altura. Cada personaje tiene historia, profundidad, varios momentos para brillar y mostrar su pesar. Matías Vitali pisa el escenario con fuerza y seguridad; las tablas parecen su lugar en el mundo, comprometido tanto con su personaje como con el mensaje que desea transmitir. También sobresalen la naturalidad y virtuosismo de Silvina Galas y Silvina Jontef, así como el histrionismo de Alejandro Souto, Gabriel Ahumada y Sol Castiello, quienes aportan energía y carisma a cada escena.

Un teatro necesario

Entre risas incómodas y reflexiones que no dejan indiferente, Un paso atrás aborda con inteligencia y valentía temáticas que muchas veces se esconden: identidad, exclusión, la presión de los prejuicios sociales, la idea de la familia “perfecta” (donde todos se odian), y las apariencias que cultivamos. Ambientada en Santa Teresita, un pueblo donde todo se sabe y los secretos parecen multiplicarse, la obra muestra cómo estallan las tensiones cuando lo privado se vuelve público. Con humor ácido y una mirada incisiva sobre la condición humana, más que una comedia, es una experiencia que desafía al espectador y reafirma por qué el teatro sigue siendo un espacio de resistencia, imprescindible para no repetir los errores del pasado.

TODOS LOS SABADOS 22 HORAS
EN TEATRO BORDER Godoy Cruz 1838, CABA.
ENTRADAS: https://tinyurl.com/58hk342r

Jauría Teatro es una compañía teatral fundada por Matías Vitali y Alejandro Souto.

Desde el 2007 producen espectáculos en el circuito de teatro off. Normalmente, la compañía realiza puestas en escena sobre la dramaturgia del mismo director, Matías Vitali. Llevan más de una docena de espectáculos estrenados a la fecha.

Realizaron temporadas localmente en la Ciudad de Buenos Aires y funciones de gira en el Conurbano Bonaerense, por las provincias y en Uruguay, donde fueron invitados a realizar presentaciones e impartir seminarios. La búsqueda estética tiene que ver con el desarrollo de nuevas poéticas y la ruptura y reutilización de convenciones. Los procesos creativos suelen ser arduos, de mucha búsqueda y ensayo, llevando al extremo mecanismos de producción inusuales en el teatro independiente de Argentina.

Ficha técnica

Elenco: Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera, Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello.

Fotografía: Laura Laiguera y Matías Vitali

Diseño gráfico: Laura Laiguera

Diseño sonoro: Matías Vitali

Escenografía e iluminación: Lucas Pardeau

Producción ejecutiva: Alejandro Souto y Matías Vitali

Asistente de dirección: Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz

Dramaturgia y dirección: Matías Vitali

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El dúo Cohn-Duprat regresa a la pantalla grande con Homo Argentum, un largometraje compuesto por 16 cortometrajes, todos protagonizados por Guillermo Francella. La propuesta, con una realización cuidada, se plantea como una radiografía del “gen argentino” y dispara preguntas: ¿Qué nos hace argentinos? ¿Cómo somos los argentinos? Según la película, la respuesta es poco alentadora.

La tan mentada “viveza criolla” se despliega en 16 relatos que nos retratan como ambiciosos, desmedidos, corruptos, orgullosos, perversos, ladrones y fanfarrones. Rasgos negativos que, no obstante, conviven con cierto sentido del humor y una dosis de humanidad que nos vuelve “terribles, pero no tan terribles”. Básicamente, la descripción del ser humano en general. Lo que nos hace específicamente argentinos, al menos para mí, no queda del todo claro en este proyecto.

De las 16 historias, algunas resultan muy logradas, entretenidas y con un vuelo interesante si se las observa como cortometrajes independientes. Otras, en cambio, se sienten irrelevantes, sin el peso dramático ni la consistencia que requiere un buen corto. Parecen más bien “descartes” que terminaron incluidos para completar el conjunto. Algo curioso es que cada pieza, tomada por separado, está bien planteada y muy bien actuada, pero en el total no logran redondear una idea unificadora.

El ejemplo más recordado de este formato episódico es, tal vez, la magistral Relatos salvajes de Damián Szifron: historias que funcionan por sí mismas, pero que dialogan entre sí y suman a un concepto general. En Homo Argentum, en cambio, si no fuera por el título, costaría encontrar un hilo que vincule a esos personajes. Tampoco hay una progresión narrativa clara: el orden elegido para presentar los cortos resulta anticlimático. Al final, la sensación es la de haber visto 16 cortometrajes sueltos y no una película. Podría uno haberse ido a mitad de función —o llegado una hora tarde— sin que la experiencia cambiara demasiado. Quizás esto sea intencional o, incluso, un reflejo de cómo consumimos ficción hoy, en la era digital. Entre los relatos más logrados, destaco el del trabajador de seguridad, el del ascensor y el del juguete de Miami.

Francella es el indiscutido motor de la película. Cuando el guion pierde brillo, él recurre a su arsenal interpretativo para darle vida a cada personaje. Hace tiempo que demostró ser un actor sólido, aunque pareciera que aún hay quienes lo ponen a prueba. En este caso, opta por ir a lo seguro, y le funciona: por momentos está divertido, ágil y dinámico. Sin embargo, su omnipresencia llega a saturar. El exceso de planos centrados en él vuelve repetitivo el recurso, y la película respira recién cuando se le da más espacio a los demás personajes. Mención especial merece el trabajo de caracterización, maquillaje, peinado y vestuario, que complementa de forma impecable su actuación.

En definitiva, Homo Argentum es una comedia episódica, familiar, con cierto espíritu crítico y un buen ritmo general. Alterna aciertos y altibajos, pero ofrece escenas graciosas y absurdas muy logradas. Expone —con un sesgo discutible— algunas de nuestras miserias humanas (más que argentinas), y logra entretener durante buena parte de su metraje.

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Visitar Mar del Plata siempre es una buena idea. Ya sea para vacacionar o simplemente escaparse unos días, la ciudad ofrece momentos inolvidables y lugares que sorprenden. Uno de esos descubrimientos es Casa Mandinga, un restaurante de carnes ubicado en una imponente casona construida en 1931, en el barrio residencial de Stella Maris, sobre la calle Carlos Pellegrini 2699.

Allí conversamos con Joaquín Beneito, al frente del proyecto junto a su socio fundador Fernando Daumas, ambos con larga experiencia en gastronomía. Hace dos años abrieron sus puertas con un concepto claro: ofrecer una experiencia sofisticada, cuidada y única, sin perder la calidez.

Casa Mandinga no es una parrilla: es un restaurante de carnes con enfoque gourmet, donde todo está pensado al detalle. Desde la ambientación y los jardines hasta el servicio, la carta de vinos y el tipo de cocción que sorprende a los comensales. Uno de los secretos está en su horno Josper, muy utilizado en Europa y poco común en Argentina. Cocina con brasas, sella el producto por ambos lados, realza los jugos y aporta un toque ahumado que transforma cada plato. Joaquín lo explica con precisión: “Al ser horno y brasa, con la convección, se logra un sabor más profundo, más noble, y el producto no pierde sus propiedades”.

La materia prima es clave: utilizan novillo de raza Angus, alimentado durante dos años de la mejor manera, destinado generalmente a la exportación. “La ganadería argentina es parte de nuestra idiosincrasia, y eso se nota en el plato”, destaca Joaquín.

En la carta hay también vegetales al Josper, arroces, provoletas memorables y un risotto vegetariano que conquista no solo a los vegetarianos. La cava es otro gran atractivo: vinos jóvenes y etiquetas añejas —de 1999, 2000, y más atrás— cuidadas al detalle. El maridaje perfecto para una experiencia ABC1 sin pretensiones. El lugar ya es un éxito. Lo visitan turistas, pero sobre todo locales que lo eligen por su profesionalismo, su ambiente cuidado y una propuesta que funciona como un todo.

El jardín es uno de los grandes atractivos: amplio, cuidado, y con una atmósfera única. Durante el verano, se llena de vida con pop-ups, fuegos encendidos, bandas en vivo y propuestas especiales cada semana. El espacio también se adapta a eventos privados —casamientos, cumpleaños, celebraciones corporativas— sin perder su impronta. Dentro del mismo predio, conviven otras propuestas gastronómicas como Rosso y Coco Café, que completan la experiencia

El espacio mantiene su esencia original —por ser patrimonio histórico no se pueden hacer grandes modificaciones— y eso se agradece. Frente a Torre de Manantiales y a pocas cuadras del mar, Casa Mandinga es ese respiro elegante y sabroso que Mar del Plata necesitaba. Abren de miércoles a domingo en invierno, y todos los días en verano.

Carlos Pellegrini 2699, Mar del Plata
Instagram: @casa.mandinga

by Valeria Massimino

Visiting Mar del Plata is always a good idea. Whether you’re vacationing or just escaping for a few days, the city offers unforgettable moments and places full of surprises. One of those hidden gems is Casa Mandinga, a premium meat restaurant located in an impressive 1931 mansion in the residential Stella Maris neighborhood, at Carlos Pellegrini 2699.

There, we spoke with Joaquín Beneito, who leads the project alongside founding partner Fernando Daumas — both with extensive experience in the culinary world. They opened the restaurant two years ago with a clear concept: to offer a sophisticated, thoughtful, and unique experience without losing warmth and authenticity.

Casa Mandinga is not a typical parrilla — it’s a meat-focused gourmet restaurant where every detail is carefully curated. From the décor and lush garden to the service, the wine list, and the cooking method that surprises every guest. One of their secrets is the Josper oven, widely used in Europe but still rare in Argentina. It uses charcoal heat, searing the meat on both sides, enhancing its natural juices, and adding a smoky touch that elevates every dish. As Joaquín explains: “Since it works as both an oven and grill, with convection, it achieves a deeper, nobler flavor without compromising the product’s quality.”

High-quality ingredients are key: they use Angus breed steers, raised and fed over two years to the highest standards, usually reserved for export. “Argentine cattle ranching is part of our identity — and you can taste that on the plate,”Joaquín notes.

The menu also features vegetables cooked in the Josper, rice dishes, unforgettable provoletas, and a vegetarian risotto that even meat lovers will enjoy. The wine cellar is another highlight: young vintages and rare labels — some dating back to 1999 and 2000 — all impeccably preserved. It’s the perfect pairing for an effortlessly upscale experience.

The restaurant is already a success, attracting tourists, but above all, local patrons who appreciate its professionalism, inviting atmosphere, and a concept that works seamlessly.

One of the standout features is the garden: spacious, well-maintained, and full of character. In summer, it comes alive with pop-up events, open fires, live bands, and weekly special experiences. The space also adapts beautifully for private events — weddings, birthdays, corporate gatherings — without losing its unique identity. On the same property, you’ll also find other culinary concepts like Rosso and Coco Café, rounding out the full experience.

The building maintains its original charm — as a protected historical landmark, major alterations are not permitted — and that’s something guests truly appreciate. Just across from Torre de Manantiales and only a few blocks from the sea, Casa Mandinga offers a refined and flavorful retreat that Mar del Plata was missing.

Open Wednesday to Sunday during winter, and daily in summer.
Carlos Pellegrini 2699, Mar del Plata
Instagram: @casa.mandinga

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La nueva película de Celine Song llega contándonos una historia un tanto tediosa, un tanto frívola pero que en una vista general sobre sus cosas buenas y sus cosas malas peca de aburrida. Es decir, Song intenta volver a hablar de desamor, pero nos encontramos con una película que al intentar replicar una temática y atribuirse un estilo nos encontramos con una directora carente de capacidad narrativa, que arrastra la historia de forma aburrida y carente de encanto.

“Amores materialistas “nos cuenta la historia de Lucy (Dakota Johnson) una mujer de unos 35 años que nunca terminó la universidad, que abandono la actuación y está llena de deudas, que vive de manera muy tilinga en una Nueva York inalcanzable para alguien de clase baja. La protagonista es una exitosa una “casamentera” que trabaja para una agencia que se dedica a encontrarles a sus clientes y clientas la pareja correcta para casarse, si en pleno 2025 con el auge de las plataformas de citas esta película nos habla de gente que quiere casarse. La película inicia justamente cuando se celebra el noveno matrimonio concretado bajo el servicio de Lucy.

Paradójicamente al mismo tiempo que Lucy se ocupa obsesivamente de conseguirles candidatos a sus clientes Lucy no tiene pareja (“estoy soltera, soy célibe y voy a morir sola”, admite irónicamente, pero sin gracia). La suerte de Lucy cambia en esta fiesta ya que conoce a Harry (Pedro Pascal), un tipo que trabaja en de las finanzas que vive en un departamento valuado en 12 millones de dólares y mide 1, 82 mts ( si esto es importante para la trama que sostiene que los hombres bajos por más millonarios apuestos y buena persona que sean cotizan bajo y no valen la pena) ; en la fiesta se reencuentra con su ex con;  John (Chris Evans), un actor que no logra despegar y que se encuentra trabajando como camarero.

Se plantea así el típico triángulo entre la protagonista y dos candidatos opuestos entre sí: el bróker seductor muy seguro de sí mismo y el actor sensible y conflictuado que vive en un departamento compartido con personas de una conducta e higiene más que dudosa, o sea son pobres y sucios. En este triple romance la protagonista se siente atraída por ambos galanes, pero siempre prefiriendo al que tiene más dinero, porque esa es la causa de su ruptura con John, él es pobre y ella no puede tolerar estar con alguien que no tiene dinero. 

 Song no se contenta con crear una clásica comedia romántica, lo cual no logra de ninguna manera porque la película carece de humor y encanto; tampoco se conforma con crear una suerte de critica a la elite neoyorquina al estilo Sex and the City sino que intenta de forma fallida exponer la hipocresía y la doble moral propias de estos juegos en los que una persona puede ser evaluada por lo que tiene más que por su calidad humana; trata de exponer esta suerte de proxenetismo en los que se juega con las personas como si fueran mercancía.

La película en su segunda parte juega   de forma frívola y carente de profundidad con un caso de violencia machista contra una clienta que de alguna manera lleva a Lucy a replantearse sus valores y su rol dentro de este círculo pero que en definitiva no deja de ser una anécdota que termina enterrada por la trama.

Si bien en Vidas pasadas Celine Song tiene como guionista y directora demuestra que puede ser una artista provocadora en Amores materialistas nos trae una película carente de humor, encanto o ritmo a diferencia de lo que fue su predecesora.  Celine Song da con su segunda película un paso en falso que demuestra que hacer una buena película no significa tener un estilo y que a veces el prestigio se regala como si nada. Con la misma facilidad que se les niega a directores experimentados que han tenido uno o dos pasos en falso dentro de una extensa carrera. 

Sería muy cruel hablar de la actuación de Johnson, sobre todo si se la compara con los trabajos de Pascal y Evans, quienes levantan la vara cada vez que aparecen en cámara generando un enorme contraste con su, poco talentosa y carismática, compañera.

 La segunda película de la prestigiosa directora Celine Song es fallida y pretenciosa, pero comete el peor de los pecados: ser aburrida.

Lo mejor de la pelicula es su soundtrack que incluye canciones de Japanese Breakfast, Cat Power, St. Vincent, Stan Getz con Bill Evans, Neil Diamond, The Ronettes, Johnny Thunders, Françoise Hardy, Harry Nilsson y The Velvet Underground, entre otros, pero todos sabemos que cuando llegamos a hablar de Este item para poder decir algo Bueno de una pelicula estamos rascando el fondo de la olla.

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Kevin Cummins no es simplemente un fotógrafo. Es —ante todo— un contador de historias. Sus imágenes no solo capturan; trascienden. Respiran al ritmo de las bandas que marcaron época. Desde Joy Division hasta Oasis, Cummins estuvo ahí, en primera fila, registrando momentos fundacionales del rock británico. Su archivo es mucho más que una colección: es memoria viva. Cada una de sus fotos es un fragmento irrepetible de historia, un latido que sigue resonando.

¿Sabía Kevin, en ese instante, lo que estaba logrando? Algo me dice que sí. Que detrás de cada disparo había una intuición, una certeza silenciosa: esas imágenes no eran solo para ese momento. Eran infinitas. Eran (son) eternas.

Podría hablar sobre la importancia de la fotografía, pero no voy a dar un sermón. Todos sabemos cómo este arte tan esencial suele ser subestimado en una era donde todo es instantáneo y efímero. Mejor dejo que hable Julio Cortázar, el inmortal escritor (y amante de la fotografía), tan lúdico, que comprendía la magia del acto de mirar: «Entre muchas maneras de combatir la nada, una de ellas es la fotografía.»

Las imágenes de Kevin Cummins tienen eso: alma. Son testimonio. Kevin no solo ama la música: ama el fútbol, ama la cultura. Es curioso, es pasional. Y siempre —siempre— lleva la cámara como una extensión de sí mismo. Con una sensibilidad afilada, casi quirúrgica, su obra no solo documenta: revela.

Adora Buenos Aires y siempre espera con ansias su regreso. En su brazo lleva a Maradona tatuado, un símbolo de su pasión por el fútbol. Hablar con él es un verdadero placer. Es sabio sin necesidad de ostentarlo, observa y escucha antes de responder. No teme detenerse en lo simple, porque sabe que en lo sencillo está la belleza. Y se nota, se siente, que ama profundamente lo que hace.

Kevin contempla. Kevin no se apresura. Kevin dispara. Porque Kevin tiene algo único, algo que escasea cada vez más: mira el mundo con respeto y con una necesidad insaciable de seguir descubriéndolo.

A raíz de su nuevo libro, Oasis: The Masterplan. Photographs by Kevin Cummins, Featuring Noel Gallagher, Kevin reflexiona en esta entrevista exclusiva sobre su proceso creativo, la fotografía en la era de la inteligencia artificial, la cultura de la imagen, su pasión por el fútbol y, por supuesto, su relación inquebrantable con los Gallagher.

“No creo que la cámara importe demasiado”

Los fotógrafos estamos cansados de que nos pregunten con qué cámara trabajamos. Como si el equipo fuera responsable del talento. Kevin lo explica con claridad británica:

“Es como preguntarme qué tipo de bolígrafo uso para firmar mi nombre. Uso la mejor cámara que puedo permitirme y que se sienta natural al tacto. Tiene que ser como una extensión de tu cuerpo, tan familiar como tu mano. Y sobre las fotos con celular: lo uso más como una libreta de apuntes. Incluso he publicado fotos tomadas con mi iPhone, pero no documento cada segundo de mi vida. ¿Qué les pasa? ¿De verdad creen que alguien quiere ver una película autobiográfica de 24 horas? Con lo digital, podrías fotografiar tu vida entera en una sola tarjeta de memoria… pero eso no significa que debas hacerlo. ¡Edítense!”

¿Recuerdas la primera vez que fotografiaste a Oasis? ¿Cómo era el ambiente? ¿Y tenías alguna intuición, incluso en ese momento, de lo grandes que llegarían a ser?

A comienzos de 1994, antes de que Oasis se convirtiera en la banda más grande del Reino Unido, su sello discográfico, Creation Records, me encargó una sesión fotográfica. Querían que los retratara en distintos lugares y usando diferentes técnicas de iluminación en estudio, para definir qué estilo visual les convenía más. En febrero volé a Ámsterdam para una primera sesión. Supuestamente iban a estar allí como teloneros de The Verve, pero solo Noel se presentó. Asumí que los demás estaban aún de fiesta desde la noche anterior, pero Noel me contó que los habían arrestado en el ferry rumbo a Holanda por pelear con hinchas del Chelsea (y no del West Ham, como se dijo erróneamente), y que los habían mandado de vuelta a Inglaterra. Él decía que se lo perdió todo porque se había ido a dormir temprano. Le saqué una foto a Noel junto al cartel del concierto, para demostrar que yo había estado allí y para usarla como imagen de nota en el NME. Finalmente, unas semanas más tarde hicimos una sesión en un estudio de fotos en el este de Londres, y después en las calles de Soho y el West End.

En septiembre de 1994, durante su primera gira por Japón y Estados Unidos, muchos fans de Oasis llevaban camisetas del City con el logo de Brother. Muchos ni sabían que era una marca de electrónica. Algunos incluso me preguntaron si era un símbolo de hermandad.

Mientras tanto, la sesión con las camisetas del City se convirtió en una de mis más conocidas y todavía aparece en portadas de revistas en todo el mundo. El NME la usó recién el 2 de enero de 2010 para un especial retrospectivo de la banda.

He trabajado con Oasis —y también con Noel y Liam en sus carreras solistas— durante más de 30 años, fotografiándolos para revistas de música, Esquire, una campaña de camisetas del City, varias veces para Adidas SPZL, y también para la portada del disco Council Skies de Noel con High-Flying Birds.

Es una relación profesional que disfruto muchísimo, y estoy muy orgulloso de este cuerpo de trabajo.

Tu trabajo suele capturar el alma de los músicos que fotografías ¿Cómo abordas el retrato de artistas —especialmente en un género tan cargado emocionalmente y tan mitificado como la música? ¿Te resulta difícil permanecer “invisible” para capturar esa intimidad real?

Lo que necesito es que la cámara sea invisible. Cuando el sujeto responde a mí y no al dispositivo, sé que la relación es la adecuada.

Hablemos de fútbol. Con Guardiola quizás pensando en irse, ¿estamos realmente ante el fin de una era? ¿Cómo ves la evolución del fútbol en el futuro —no solo a nivel táctico, sino en términos de identidad y narrativa?

Si supiera cómo va a evolucionar el fútbol, ¡sería el próximo entrenador del Manchester City! (Risas) Bueno, Pep todavía no se ha ido. De hecho, ha sido nuestro técnico por más tiempo que en cualquier otro club. En Inglaterra —como en otros lugares— la gente se identifica fuertemente con sus clubes de fútbol, y eso no siempre es sano, ya que dificulta la objetividad. Los hinchas de otros equipos discuten sin parar sobre el City. Deberían concentrarse en sus propios clubes y dejarnos disfrutar viendo al nuestro.

En una era de IA e imágenes sintéticas, ¿qué hace que una fotografía siga siendo «real»? ¿Te preocupa, te intriga o incluso te inspira la presencia de la IA en el mundo visual?

Me preocupa el futuro de la fotografía real. Pero tal vez simplemente tengamos que aceptar que la fotografía auténtica tendrá una fecha de finalización por confirmar. Hay un enorme cuerpo de trabajo genuino para disfrutar. Luego, dejemos que los ladrones y plagiadores se apoderen del campo con la IA, y veremos cuánto disfrutan las personas de eso.

¿Hay alguna banda o artista actual que realmente disfrutes, no solo visualmente, sino también por su música? ¿Y hay alguien a quien aún no hayas fotografiado pero te gustaría hacerlo?

Me gusta Hurrah For the Riff Raff. Me encantaría fotografiarlos. También me gustaría fotografiar a Bob Dylan —a quien nunca he retratado— y a Taylor Swift, porque es un fenómeno.

Con los debates actuales sobre tarifas de fotografía y derechos de imagen, ¿cómo ves el futuro de la industria? ¿Por qué deberíamos luchar para proteger nuestro trabajo y legado?

Siempre debes conservar los derechos de autor. Hay mucha gente que intenta robar tu trabajo, pero al menos TÚ eres el dueño.

Acabas de lanzar tu nuevo libro sobre Oasis ¿Qué tipo de reacciones has recibido? ¿Ha cumplido tus expectativas respecto a la respuesta de los fans y la crítica?

Sí, hasta ahora ha sido increíblemente popular. Se ha traducido al coreano, japonés, francés e italiano. También hay una versión norteamericana y, obviamente, una británica. Las ediciones británica y americana están disponibles en todo el mundo. Esperábamos que un editor español lo comprara, pero, lamentablemente, no fue así.

¿Tienes alguna anécdota inolvidable detrás de escena durante alguna de tus sesiones con Oasis? ¿Algo inesperado o memorable que haya ocurrido mientras capturabas esos momentos icónicos?

Los Gallagher son grandes hinchas del Manchester City, como yo, y tenía muchas ganas de fotografiarlos con las camisetas del City para el NME. Un mes después hicimos esas fotos dentro y fuera del estudio. Fue una sesión que me sigue encantando, pensada para la portada y nota principal. Mi editor en ese momento —fan del Southampton— decidió no usarla en tapa porque no quería que el diario se asociara con “perdedores».  Eso envejeció bien, ¿no?

Curiosidades que nos comparte Kevin:

Todo en el libro fue tomado en película. Las diferencias de color se deben a los procesos de revelado y a condiciones dudosas de almacenamiento.

La foto grupal de las páginas 20-21 está dañada porque era un clip test (un pedazo corto de película para probar exposición). Es la única foto a color que sobrevive de esa sesión, por eso decidí incluirla. Retocar el daño en la esquina superior derecha con Photoshop la habría vuelto menos auténtica, así que la dejé como estaba.

La sesión de las páginas 50 a 59 fue tomada en Flitcroft Street, cerca de Charing Cross Road en Londres, como guiño a Garry Flitcroft, que en ese entonces jugaba en el mediocampo del City.

Toda la ropa que usa la banda es suya, salvo las dos camisetas del City, que eran mías, y una camisa de mezclilla azul de Armani que Liam usa en las páginas 223 a 227. Yo la llevaba puesta y se la presté para que él y Noel tuvieran colores similares.

La foto de apertura del libro, donde se me ve fotografiando a Liam, fue tomada en París en el año 2000. Quería algo distinto para la imagen del autor, y me pareció apropiada.

Mucha gente me ha dicho que empezó a seguir a la banda gracias a esa sesión con las camisetas del City, y porque se vestían como sus amigos. Eso generaba una conexión inmediata. Se los veía cercanos, accesibles.

También fue la primera banda con la que mi hija, Ella, se identificó. Tenía ocho años en 1994. Me dijo recientemente porqué aún es su banda favorita:

“Ser hincha del City en la primaria en Manchester era difícil. En 1994 no éramos muy buenos, en 1996, peor. Me cargaban todo el tiempo. Siempre digo que eso te forma carácter: tenías que ser resiliente y tener sentido del humor. Crecí rodeada de música y bandas que quizás una nena de 8 años no conocía. No era ‘cool’ que te gustaran bandas diferentes, bandas que no fueran de chicos lindos. Y de repente apareció una banda a la que no le importaba nada, que era de a la vuelta de casa, y que además ¡era del City! Y estaban orgullosos de eso. Iban a ser ‘la banda más grande del planeta’. Después los conocí y empecé a pasar tiempo con ellos junto a mi papá. Me hicieron sentir cool y que estaba bien ser distinta y que no importaba un carajo lo que pensaran. El show de Oasis en Maine Road fue un sueño cumplido. Todos querían estar ahí. Y de alguna forma, todo cambió.”

Cambió para fans como Ella, y también para la banda.

Oasis The Masterplan: https://linktr.ee/oasismasterplan
X: https://x.com/kcmanc

Sergio Agüero & Kevin Cummins

*English version

KEVIN CUMMINS: HIS NEW BOOK ABOUT OASIS

By Valeria Massimino

Kevin Cummins is not just a photographer. Above all, he is a storyteller. His images don’t just capture moments; they transcend them. They breathe to the rhythm of the bands that defined an era. From Joy Division to Oasis, Cummins was there, front and center, documenting the formative moments of British rock. His archive is more than just a collection: it is a living memory. Each of his photos is an irreplaceable fragment of history, a heartbeat that continues to resonate.

Did Kevin know, at that moment, what he was achieving? Something tells me he did. That behind every shot, there was an intuition, a silent certainty: those images were not just for that moment. They were infinite. They are (they will always be) eternal.

I could talk about the importance of photography, but I won’t give a sermon. We all know how this essential art is often underestimated in an era where everything is instantaneous and ephemeral. I’d rather let Julio Cortázar, the immortal writer (and photography enthusiast), speak, so playful and insightful, who understood the magic of the act of looking: “Among many ways to combat nothingness, one of them is photography.”

Kevin Cummins’ images have that: soul. They are testimony. Kevin doesn’t just love music: he loves football, he loves culture. He’s curious, he’s passionate. And he always—always—carries the camera as an extension of himself. With a sharp, almost surgical sensitivity, his work doesn’t just document: it reveals.

He adores Buenos Aires and always looks forward to his return. On his arm, he has Maradona tattooed, a symbol of his love for football. Talking to him is a true pleasure. He is wise without needing to flaunt it, he observes and listens before responding. He’s not afraid to stop at simplicity, because he knows that in simplicity, there is beauty. And it shows—it feels—that he deeply loves what he does.

Kevin contemplates. Kevin doesn’t rush. Kevin shoots. Because Kevin has something unique, something that is becoming rarer by the day: he views the world with respect and an insatiable need to keep discovering it.

Following the release of his new book Oasis: The Masterplan. Photographs by Kevin Cummins, Featuring Noel Gallagher, Kevin reflects in this exclusive interview about his creative process, photography in the age of artificial intelligence, the culture of images, his passion for football, and, of course, his unbreakable bond with the Gallaghers.

“I don’t think the camera matters that much”

Photographers are tired of being asked about the camera they use. As if the equipment is responsible for the talent. Kevin explains this with British clarity:

“It’s like asking me what type of pen I use to sign my name. I use the best camera I can afford that feels natural to the touch. It has to be an extension of your body, as familiar as your hand. And about cell phone photos: I use it more like a notebook. I’ve even posted photos taken with my iPhone, but I don’t document every second of my life. What’s wrong with people? Do they really think anyone wants to watch a 24-hour autobiographical movie? With digital, you could photograph your entire life on one memory card… but that doesn’t mean you should. Edit yourselves!”

Do you remember the first time you photographed Oasis? What was the atmosphere like? And did you have any intuition, even then, about how big they would become?

In early 1994, before Oasis became the biggest band in the UK, their record label, Creation Records, asked me to do a photo shoot. They wanted me to photograph them in different places, using various studio lighting techniques, to define what visual style suited them best. In February, I flew to Amsterdam for a first session. They were supposed to be there opening for The Verve, but only Noel showed up. I assumed the others were still partying from the night before, but Noel told me they had been arrested on the ferry to Holland for fighting with Chelsea fans (not West Ham, as was wrongly reported) and had been sent back to England. He said he missed it all because he went to bed early. I took a picture of Noel by the concert poster to prove I had been there and to use it as a note image for NME. A few weeks later, we did a session in a photo studio in East London, and then on the streets of Soho and the West End.

In September 1994, during their first tour of Japan and the United States, many Oasis fans were wearing City shirts with the Brother logo. Many didn’t even know it was an electronics brand. Some even asked me if it was a symbol of brotherhood.

Meanwhile, the session with the City shirts became one of my most famous, still appearing on magazine covers worldwide. NME even used it on January 2, 2010, for a retrospective special on the band.

I’ve worked with Oasis—and also with Noel and Liam on their solo careers— for over 30 years, photographing them for music magazines, Esquire, a City t-shirt campaign, several times for Adidas SPZL, and also for the cover of Noel’s Council Skies with High-Flying Birds.

It’s a professional relationship I truly enjoy, and I’m very proud of this body of work.

Your work often captures the soul of the musicians you photograph. How do you approach the portrait of artists—especially in such an emotionally charged and mythicized genre like music? Do you find it difficult to stay “invisible” to capture that real intimacy?

What I need is for the camera to be invisible. When the subject responds to me and not to the device, I know the relationship is right.

Let’s talk about football. With Guardiola possibly thinking of leaving, are we really seeing the end of an era? How do you see the evolution of football in the future—not just tactically, but in terms of identity and narrative?

If I knew how football would evolve, I’d be the next manager of Manchester City! (laughs) Well, Pep hasn’t left yet. In fact, he’s been our manager longer than at any other club. In England—just like elsewhere—people strongly identify with their football clubs, and that’s not always healthy, as it makes it difficult to be objective. Fans of other teams constantly argue about City. They should focus on their own clubs and let us enjoy watching ours.

In an era of AI and synthetic images, what makes a photograph still “real”? Are you worried, intrigued, or even inspired by the presence of AI in the visual world?

I’m worried about the future of real photography. But perhaps we just have to accept that authentic photography will have an expiration date, to be confirmed. There’s a huge body of genuine work to enjoy. Then, let the thieves and plagiarists take over with AI, and we’ll see how much people enjoy that.

Is there any current band or artist you really enjoy, not only visually but also for their music? And is there anyone you haven’t photographed yet but would love to?

I like Hurrah For the Riff Raff. I’d love to photograph them. I’d also like to photograph Bob Dylan—who I’ve never photographed—and Taylor Swift, because she’s a phenomenon.

With the current debates about photography rates and image rights, how do you see the future of the industry? Why should we fight to protect our work and legacy?

You should always retain copyright. A lot of people try to steal your work, but at least YOU own it.

You’ve just released your new book about Oasis. What kind of reactions have you received? Has it met your expectations in terms of fan and critical response?

Yes, it’s been incredibly popular so far. It’s been translated into Korean, Japanese, French, and Italian. There’s also an American version and, of course, a British one. The British and American editions are available worldwide. We expected a Spanish publisher to buy it, but unfortunately, that didn’t happen.

Do you have any unforgettable behind-the-scenes anecdotes during your sessions with Oasis? Anything unexpected or particularly memorable that happened while capturing those iconic moments?

The Gallaghers are big Manchester City fans, just like me, and I was really excited to photograph them with City shirts for NME. A month later, we did those photos inside and outside the studio. It was a session I still love, designed for the cover and the main story. My editor at the time—a Southampton fan—decided not to use it on the cover because he didn’t want the paper to be associated with “losers.” That aged well, didn’t it?

Curiosities shared by Kevin:

Everything in the book was shot on film. The color differences are due to the development process and questionable storage conditions.

The group photo on pages 20–21 is damaged because it was a clip test (a short piece of film used to test exposure). It’s the only surviving color photo from that session, which is why I decided to include it. Retouching the damage in the top right corner with Photoshop would have made it feel less authentic, so I left it as it was.

The session on pages 50 to 59 was shot on Flitcroft Street, near Charing Cross Road in London, as a nod to Garry Flitcroft, who was playing midfield for City at the time.

All the clothes the band wears are their own, except for the two City shirts, which were mine, and a blue denim Armani shirt that Liam wears on pages 223 to 227. I was wearing it and lent it to him so he and Noel would have similar colors.

The opening photo of the book, where you see me photographing Liam, was taken in Paris in 2000. I wanted something different for the author photo, and that felt right.

A lot of people have told me they started following the band because of that City shirt session, and because they dressed like their friends. It created an immediate connection. They seemed approachable, relatable.

It was also the first band my daughter, Ella, identified with. She was eight years old in 1994. She recently told me why they’re still her favorite band:

“Being a City fan in primary school in Manchester was tough. In 1994 we weren’t very good; in 1996, even worse. I got teased all the time. I always say it builds character—you had to be resilient and have a sense of humor. I grew up surrounded by music and bands an eight-year-old probably wouldn’t know. It wasn’t ‘cool’ to like different bands, bands that weren’t boy bands. And then suddenly there was this band that didn’t care about anything, that was from down the street, and they were City fans! And they were proud of it. They were going to be ‘the biggest band in the world.’ Then I met them and started spending time with them through my dad. They made me feel cool, like it was okay to be different, like it didn’t matter what anyone thought. The Oasis show at Maine Road was a dream come true. Everyone wanted to be there. And somehow, everything changed.”

It changed for fans like Ella—and it changed for the band too.

Oasis The Masterplan: https://linktr.ee/oasismasterplan
X: https://x.com/kcmanc

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Abierto hace poco más de un año, OI rápidamente se ganó el corazón (y el paladar) de quienes buscan sabores distintos. Ale, uno de los responsables del local, nos contó cómo el proyecto creció a paso firme y hoy ya piensan en abrir una nueva sucursal. El éxito no es casualidad: acá hay dedicación, creatividad, un gran equipo y mucho sabor.

Una carta que invita a explorar Asia

La propuesta gastronómica es una auténtica oda a la cocina asiática, con platos que combinan tradición y originalidad. Para el almuerzo, uno de los hits indiscutidos es el pollo frito: crocante por fuera, jugoso por dentro y marinado con especias orientales. Una delicia que se vuelve adictiva.

Otra estrella de la casa es la hamburguesa dulce de pollo, preparada con una sabrosa salsa teriyaki que sorprende desde el primer bocado. Una combinación poco común, pero ejecutada con profesionalismo y amor.

En su menú también se destacan opciones vegetarianas como el roll de arroz morado, relleno de pepino, lechuga y huevo marinado en salsa de soja. Un plato equilibrado, fresco y lleno de sabor.

Bebidas que no se consiguen en otro lado

OI también brilla con sus bebidas, especialmente el bubble tea, un clásico taiwanés que aquí se reinventa en versiones irresistibles ¿Nuestro favorito? El de mango, aunque el de puré de taro también da que hablar. Hay 16 sabores para elegir, todos preparados con ingredientes de calidad.

Postres: una experiencia en sí misma

Si hay algo que convierte a OI en un lugar único, es su propuesta de pastelería asiática. Los postres son visualmente impactantes y pensados para sorprender.

• El cheesecake japonés, esponjoso y delicado como una nube, se lleva todos los aplausos.
• La torta crepe de matcha, con crema casera, conquista a primera vista y aún más al probarla.
• El roll tigre, con bizcochuelo de vainilla en dos texturas, es tan bello como sabroso.
• Para los más atrevidos, la torta de carne deshidratada con crema ofrece un agridulce sofisticado que desafía al paladar y despierta los sentidos.

Hay muchísimas más opciones por descubrir. Animate a explorar OI y convertilo, como nosotros, en un lugar al que siempre vas a querer volver.

Una experiencia que deja huella

OI no es solo un restaurante, es una experiencia sensorial. Ideal para almorzar, merendar o simplemente disfrutar de un buen té con pastelería asiática en un entorno cálido y bien pensado.

Si todavía no lo conocés, este es el momento.
Descubrilo en Instagram o pedí a través de Rappi.

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Sí, frutas. Pero no cualquier tipo de fruta: estamos hablando de un postre de lujo, una obra maestra culinaria que imita la forma de una fruta, hecha con frutas y que también contiene frutas en su interior. Es un postre inteligente, tanto divertido como delicioso, que satisface el paladar de una manera única.

Hablamos con Joaquín Pantuso, chef y creador de Jakarta Café, quien nos compartió su inspiración para estos postres únicos. La influencia proviene de su estudio con el reconocido pastelero francés Cédric Grolet, quien es el pastelero ejecutivo de Le Meurice en París, parte de la exclusiva Dorchester Collection. Grolet es famoso por su enfoque en la fruta y su reinterpretación de los postres tradicionales franceses, y esa influencia ha sido traída con éxito a la Argentina en Jakarta Café.

Pero no todo se trata de postres. Este acogedor lugar, atendido por Pantuso y su equipo, también ofrece deliciosos almuerzos y opciones para brunch. Entre sus platos destacados se encuentran los huevos revueltos con un generoso toque de bacon y la clásica tostada de palta, servida en un pan de masa madre que conquista desde el primer bocado.

Además, con la reciente popularidad de la serie «The Bear», se ha observado un aumento en la cantidad de personas interesadas en estudiar para ser chefs y en buscar experiencias gastronómicas que sorprendan. Jakarta Café se alinea perfectamente con esta tendencia, ofreciendo una experiencia culinaria que no solo satisface el apetito, sino que también asombra y deleita.

Buenos Aires holds secrets worth discovering, and Jakarta Café is one of them. This charming spot in Palermo Hollywood has quickly gained popularity, especially for its innovative and viral fruit-based dessert.

Yes, fruit. But not just any fruit: we’re talking about a luxurious dessert, a culinary masterpiece that mimics the shape of a fruit, is made from fruit, and even contains fruit inside. It’s a clever dessert, both fun and delicious, that satisfies the palate in a unique way.

We spoke with Joaquín Pantuso, chef and creator of Jakarta Café, who shared with us the inspiration behind these unique desserts. The influence comes from his studies with renowned French pastry chef Cédric Grolet, the executive pastry chef at Le Meurice in Paris, part of the exclusive Dorchester Collection. Grolet is famous for his focus on fruit and his reinterpretation of traditional French desserts, and this influence has been successfully brought to Argentina at Jakarta Café.

But it’s not all about desserts. This cozy spot, managed by Pantuso and his team, also offers delicious lunch options and brunch favorites. Among the standout dishes are scrambled eggs with a generous touch of bacon and the classic avocado toast, served on sourdough bread that wins you over from the first bite.

Additionally, with the recent popularity of the series «The Bear,» there has been a noticeable increase in the number of people interested in studying to become chefs and seeking out culinary experiences that surprise. Jakarta Café aligns perfectly with this trend, offering a dining experience that not only satisfies your hunger but also amazes and delights.

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