El dramaturgo y director argentino, Mariano Tenconi Blanco, definió a su última obra, Madre ficción, que se presenta actualmente en el teatro Metropolitan Sura, como su trabajo más autobiográfico. Más allá de eso, las marcas características de su dramaturgia están más que presentes en esta nueva propuesta del autor de La vida extraordinaria y Las cautivas, entre muchos otros espectáculos que pasaron por la cartelera porteña: la intertextualidad, el desborde de la palabra, lo discursivo.

El título Madre ficción resume en una conjugación perfecta el sentido de la obra y abre muchos significados que deberá completar el espectador. Es que la obra cuenta la historia de un escritor, Carlos Butti (Diego Velázquez), al que en el año 1993 le encargan escribir una pieza teatral para la Comedia Nacional de Montevideo, que se va a presentar en el Teatro Solís de esa ciudad. Bloqueado creativamente y sin rumbo fijo en relación a lo que quiere contar, en un momento se ilumina: qué mejor que escribir sobre su madre uruguaya (Valeria Lois) y su abuela Rosa, también oriunda del país vecino. Así que Carlos irá desgranando la vida de esas dos mujeres que huyeron de Uruguay hacia la Argentina. Esas dos madres que llegaron a la maternidad en circunstancias muy distintas, pero lucharon por sus hijxs de igual forma. 

La realidad de la historia materna se convertirá en ficción, pero a la vez el espectador verá la ficción del escritor buscando su inspiración mientras le pasan cosas, como por ejemplo, enamorarse y empezar una relación con Jennifer (Camila Peralta), una militante de izquierda. Y, finalmente, será testigo de la obra materializada cuando se estrena en la capital uruguaya. La ficción dentro de la ficción, dentro de la ficción, como una suerte de esas puestas en abismo de los cuadros del Barroco.

Dicho esto, no es necesario aclarar que la metateatralidad está presente todo el tiempo. Es una obra absolutamente metateatral en la que también se plantea para qué sirve la ficción, para qué sirve el teatro. Carlos y Jennifer lo ponen abiertamente en discusión en varias oportunidades. Por otro lado, como ya dijimos, la intertextualidad es una característica primordial e insoslayable. La estructuración en forma de diario íntimo de Carlos remite a los espectadores más avezados a Manuel Puig y también a Mario Levrero que, en La novela luminosa, escribe sobre un escritor que debe entregar su novela, pero como está bloqueado redacta un diario sobre la imposibilidad de escribir esa novela. Además, remite al mismo Tenconi Blanco, que usó ese recurso en La vida extraordinaria.

Las citas a Idea Vilariño, a Delmira Agustina, China Zorrilla y Osvaldo Laport, entre otros, también juegan con la intertextualidad, lo mismo que la construcción de la historia de amor entre Carlos y Jennifer: es imposible no pensar en las comedias románticas noventosas por la forma en la que está construida. Lo mismo sucede en el monólogo de Rosa (Camila Peralta): hay algo de lo gauchesco tanto en el relato como en la construcción del habla del personaje.

De este modo, la historia transcurre entre el humor y el drama. Por eso es destacable el impecable trabajo de los cuatro actores. Además de los mencionados, Marcos Ferrante interpreta al padre del escritor y a varios personajes secundarios que aparecen en distintos momentos, como el mozo, el hermano o el mismo Laport. Los músicos Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova acompañan con música en vivo y, en algunos momentos, interactúan con los personajes. Por último, la escenografía en desniveles parte desde una propuesta no realista y son los actores los que construyen los lugares por los que la trama transita.

En definitiva, Madre ficción es una propuesta de calidad en el teatro comercial, quizá porque usa todos los recursos que son habituales en el teatro independiente o en el oficial. No apela a espectadores pasivos buscando evadirse durante las casi dos horas que dura el espectáculo. Por el contrario, divierte, emociona e invita a pensar en cuántas ficciones hay en una vida, para qué hacer teatro, cómo se construye la inspiración… En fin, a cada persona del público se le despertarán distintas preguntas y en eso está la riqueza de la propuesta.

Madre ficción se presenta los jueves a las 22 hs. en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343 – CABA).

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Elenco: Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y Valeria Lois
Músicos en escena: Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova
Música original: Ian Shifres
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Vestuario: Mariana Seropian sobre un diseño original de Cecilia Bello y Johanna Bresque
Iluminación: Matías Sendón
Coreografía: Jazmín Titiunik
Producción: Carolina Castro
Producción general: Comedia Nacional de Montevideo y Compañía Teatro Futuro

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La acción se sitúa en un tiempo indeterminado, en una nación que ha sufrido la invasión por parte de un país vecino. En ese contexto, dos monjas dan asilo a un joven militante político perseguido por el ejército.

Juan Carlos Gené nos propone un texto dramático provocador, que desnuda la relación de la Iglesia con las fuerzas militares y políticas. Siguiendo la línea que inaugura Antígona, será la fortaleza de las mujeres la que enfrente el poder de los opresores.

Viernes a las 22:30 hs. – Teatro El Popular – Chile 2080 – CABA
Instagram: @golpesamipuerta
Entrada general: $ 12.000 

Ficha técnica

Elenco: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro – Diseño de luces: Federico Flotta – Diseño gráfico: Debora Longobardi y Nayla Perujo – Diseño de imagen: Nayla Perujo – Fotografía: Gabo Rugiero – Prensa: Guadalupe Farina – Asistente de dirección: Armando Serrato Martínez Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

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El dúo Cohn-Duprat regresa a la pantalla grande con Homo Argentum, un largometraje compuesto por 16 cortometrajes, todos protagonizados por Guillermo Francella. La propuesta, con una realización cuidada, se plantea como una radiografía del “gen argentino” y dispara preguntas: ¿Qué nos hace argentinos? ¿Cómo somos los argentinos? Según la película, la respuesta es poco alentadora.

La tan mentada “viveza criolla” se despliega en 16 relatos que nos retratan como ambiciosos, desmedidos, corruptos, orgullosos, perversos, ladrones y fanfarrones. Rasgos negativos que, no obstante, conviven con cierto sentido del humor y una dosis de humanidad que nos vuelve “terribles, pero no tan terribles”. Básicamente, la descripción del ser humano en general. Lo que nos hace específicamente argentinos, al menos para mí, no queda del todo claro en este proyecto.

De las 16 historias, algunas resultan muy logradas, entretenidas y con un vuelo interesante si se las observa como cortometrajes independientes. Otras, en cambio, se sienten irrelevantes, sin el peso dramático ni la consistencia que requiere un buen corto. Parecen más bien “descartes” que terminaron incluidos para completar el conjunto. Algo curioso es que cada pieza, tomada por separado, está bien planteada y muy bien actuada, pero en el total no logran redondear una idea unificadora.

El ejemplo más recordado de este formato episódico es, tal vez, la magistral Relatos salvajes de Damián Szifron: historias que funcionan por sí mismas, pero que dialogan entre sí y suman a un concepto general. En Homo Argentum, en cambio, si no fuera por el título, costaría encontrar un hilo que vincule a esos personajes. Tampoco hay una progresión narrativa clara: el orden elegido para presentar los cortos resulta anticlimático. Al final, la sensación es la de haber visto 16 cortometrajes sueltos y no una película. Podría uno haberse ido a mitad de función —o llegado una hora tarde— sin que la experiencia cambiara demasiado. Quizás esto sea intencional o, incluso, un reflejo de cómo consumimos ficción hoy, en la era digital. Entre los relatos más logrados, destaco el del trabajador de seguridad, el del ascensor y el del juguete de Miami.

Francella es el indiscutido motor de la película. Cuando el guion pierde brillo, él recurre a su arsenal interpretativo para darle vida a cada personaje. Hace tiempo que demostró ser un actor sólido, aunque pareciera que aún hay quienes lo ponen a prueba. En este caso, opta por ir a lo seguro, y le funciona: por momentos está divertido, ágil y dinámico. Sin embargo, su omnipresencia llega a saturar. El exceso de planos centrados en él vuelve repetitivo el recurso, y la película respira recién cuando se le da más espacio a los demás personajes. Mención especial merece el trabajo de caracterización, maquillaje, peinado y vestuario, que complementa de forma impecable su actuación.

En definitiva, Homo Argentum es una comedia episódica, familiar, con cierto espíritu crítico y un buen ritmo general. Alterna aciertos y altibajos, pero ofrece escenas graciosas y absurdas muy logradas. Expone —con un sesgo discutible— algunas de nuestras miserias humanas (más que argentinas), y logra entretener durante buena parte de su metraje.

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La nueva película de Celine Song llega contándonos una historia un tanto tediosa, un tanto frívola pero que en una vista general sobre sus cosas buenas y sus cosas malas peca de aburrida. Es decir, Song intenta volver a hablar de desamor, pero nos encontramos con una película que al intentar replicar una temática y atribuirse un estilo nos encontramos con una directora carente de capacidad narrativa, que arrastra la historia de forma aburrida y carente de encanto.

“Amores materialistas “nos cuenta la historia de Lucy (Dakota Johnson) una mujer de unos 35 años que nunca terminó la universidad, que abandono la actuación y está llena de deudas, que vive de manera muy tilinga en una Nueva York inalcanzable para alguien de clase baja. La protagonista es una exitosa una “casamentera” que trabaja para una agencia que se dedica a encontrarles a sus clientes y clientas la pareja correcta para casarse, si en pleno 2025 con el auge de las plataformas de citas esta película nos habla de gente que quiere casarse. La película inicia justamente cuando se celebra el noveno matrimonio concretado bajo el servicio de Lucy.

Paradójicamente al mismo tiempo que Lucy se ocupa obsesivamente de conseguirles candidatos a sus clientes Lucy no tiene pareja (“estoy soltera, soy célibe y voy a morir sola”, admite irónicamente, pero sin gracia). La suerte de Lucy cambia en esta fiesta ya que conoce a Harry (Pedro Pascal), un tipo que trabaja en de las finanzas que vive en un departamento valuado en 12 millones de dólares y mide 1, 82 mts ( si esto es importante para la trama que sostiene que los hombres bajos por más millonarios apuestos y buena persona que sean cotizan bajo y no valen la pena) ; en la fiesta se reencuentra con su ex con;  John (Chris Evans), un actor que no logra despegar y que se encuentra trabajando como camarero.

Se plantea así el típico triángulo entre la protagonista y dos candidatos opuestos entre sí: el bróker seductor muy seguro de sí mismo y el actor sensible y conflictuado que vive en un departamento compartido con personas de una conducta e higiene más que dudosa, o sea son pobres y sucios. En este triple romance la protagonista se siente atraída por ambos galanes, pero siempre prefiriendo al que tiene más dinero, porque esa es la causa de su ruptura con John, él es pobre y ella no puede tolerar estar con alguien que no tiene dinero. 

 Song no se contenta con crear una clásica comedia romántica, lo cual no logra de ninguna manera porque la película carece de humor y encanto; tampoco se conforma con crear una suerte de critica a la elite neoyorquina al estilo Sex and the City sino que intenta de forma fallida exponer la hipocresía y la doble moral propias de estos juegos en los que una persona puede ser evaluada por lo que tiene más que por su calidad humana; trata de exponer esta suerte de proxenetismo en los que se juega con las personas como si fueran mercancía.

La película en su segunda parte juega   de forma frívola y carente de profundidad con un caso de violencia machista contra una clienta que de alguna manera lleva a Lucy a replantearse sus valores y su rol dentro de este círculo pero que en definitiva no deja de ser una anécdota que termina enterrada por la trama.

Si bien en Vidas pasadas Celine Song tiene como guionista y directora demuestra que puede ser una artista provocadora en Amores materialistas nos trae una película carente de humor, encanto o ritmo a diferencia de lo que fue su predecesora.  Celine Song da con su segunda película un paso en falso que demuestra que hacer una buena película no significa tener un estilo y que a veces el prestigio se regala como si nada. Con la misma facilidad que se les niega a directores experimentados que han tenido uno o dos pasos en falso dentro de una extensa carrera. 

Sería muy cruel hablar de la actuación de Johnson, sobre todo si se la compara con los trabajos de Pascal y Evans, quienes levantan la vara cada vez que aparecen en cámara generando un enorme contraste con su, poco talentosa y carismática, compañera.

 La segunda película de la prestigiosa directora Celine Song es fallida y pretenciosa, pero comete el peor de los pecados: ser aburrida.

Lo mejor de la pelicula es su soundtrack que incluye canciones de Japanese Breakfast, Cat Power, St. Vincent, Stan Getz con Bill Evans, Neil Diamond, The Ronettes, Johnny Thunders, Françoise Hardy, Harry Nilsson y The Velvet Underground, entre otros, pero todos sabemos que cuando llegamos a hablar de Este item para poder decir algo Bueno de una pelicula estamos rascando el fondo de la olla.

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La noche del 22 de marzo, el Teatro del Pueblo se convirtió en un escenario de energía y emoción con el estreno de IRREVERENTES, la más reciente creación de José María Muscari. Esta comedia dramática, impulsada por el DGEART y el Ministerio de Cultura de la Ciudad, nos sumerge en la vitalidad de un grupo de adultos mayores que desafían los límites del tiempo con irreverencia y pasión.

La obra aborda la vejez desde una óptica poco convencional. Lejos de la nostalgia o la resignación, sus protagonistas despliegan confesiones inesperadas, rescatan canciones de juventud y desbordan emociones, demostrando que la edad no es un freno para el deseo ni para los sueños.

El alma de IRREVERENTES está en su elenco. Los 27 actores en escena ofrecen un trabajo coral impecable, con una sincronización admirable y una entrega que traspasa las tablas. La dirección de Muscari es precisa, manteniendo un ritmo vibrante que nunca decae. El uso de recursos audiovisuales, como la proyección de imágenes de los actores en su juventud, aporta una dimensión nostálgica y conmovedora a la puesta en escena.

La escenografía, sencilla pero efectiva, se complementa con un vestuario colorido que refleja la personalidad de cada personaje. Iluminación y sonido trabajan en sintonía para generar una atmósfera envolvente, potenciando la carga emotiva del relato.

Uno de los aspectos más destacables de la obra es la cercanía que se establece entre los actores y el público. El recibimiento personalizado a la entrada del teatro crea un ambiente cálido y acogedor. Además, el emotivo homenaje a los actores fallecidos añade una nota de sensibilidad y respeto. Sin embargo, en ese tributo un actor es mencionado, un recuerdo que pesa de manera diferente, la sombra de su comportamiento pasado, en concreto, su trato hacia una compañera, se siente entre las líneas. Este detalle, lejos de romper la emoción, añade una capa de realismo y complejidad al homenaje.

IRREVERENTES resuena con un llamado a la acción: perseguir los sueños, aquí y ahora. La obra nos recuerda que la plenitud vital no entiende de edades, y que las pasiones siempre encuentran su momento. No es solo una obra de teatro, sino una celebración de la vida en todas sus etapas. Con humor, ternura y una buena dosis de provocación, nos recuerda que nunca es tarde para desafiar los mandatos, romper moldes y, sobre todo, seguir soñando.

TEATRO DEL PUEBLO 

Lavalle 3636. Capital Federal – Buenos Aires – Argentina 

Teléfonos: 75421752 

Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar 

Domingo – 18:00 hs – Hasta el 27/04/2025 y Del 05/04/2025 al 27/04/2025 

Sábado – 20:00 hs – Hasta el 27/04/2025 y Del 05/04/2025 al 27/04/2025 

Ficha técnico artística: 

Dramaturgia: José María Muscari 

Intérpretes: Jorge Alarcón, Mónica Alessandría, Sonia Andrade, Felisa Apel, Luis Caballero, Catalina Contartese, María de Cousandier, Emilio De Feo, Luis Giussani, Lydia Heguy, Mirta Israel, Jorge Kohen, Osvaldo Malizia, Vivi Manusia, Eduardo Marengo, Jorge Muno, Nestor Nieto, Julio Alberto Pallares, Alejandra Piazzalonga, Amanda Polverini, Silvia Porro, Fabio Querciotti, Paula Resnik, Alejandra Rubio, Ricardo Streiff, Daniel Toppino, Maria Elisa Vidali 

Video: Mariela Asensio, Federico Bezenzette 

Fotografía: Federico Bezenzette 

Aporte Creativo: Cristian Morales 

Asistencia general: Emanuel González 

Asistencia de dirección:Ana Di Toro 

Prensa: Varas & Otero

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A veces debo escuchar zonceras tales como que el género de superhéroes está muerto o que ya no le interesa  al público, esa afirmación se vuelve una estupidez cuando aquel que lo pronuncia no logra entender que la caída del género superheroico no se debe a la falta de interés o a qué no se cuentan buenas historias sino es el hecho que las productoras pusieron por encima al evento en detrimento de contar buenas historias, al crossover quitándole interés a aquello que se quiere transmitir, provocando el fracaso. No hay nada en Eternals (2021, Chloe Zhao) que la haga una mala película pero el que no haya obtenido el éxito que la productora quería se debe a que no era un evento ni un crossover , era simplemente  una buena película, que contaba una buena historia en la cual había superhéroes.

«Deadpool & Wolverine» es una película  que se divide en dos vías bien diferenciadas; por un lado tenemos el evento del crossover entre Wolverine y el protagonista y por el otro el de la historia principal, ambos con dos tonos bien diferenciados  pero que de alguna manera logran congeniar contando una historia interesante. 

Por una lado tenemos AVT (Autoridad de Variación Temporal) con Cassandra Nova (Ema Corrin) como villanos principales  y por el otro a los X-Men junto a otros héroes olvidados y maltratados por Fox. Por un lado una historia que pone en juego el destino del héroe y su mundo y por el otro un cierre digno para la etapa pre MCU, en el medio está Deadpool y su universo jugando de maestro de ceremonia para un guion que se hace entretenido e intenso.

Para muchos «Avengers: Endgame» (2019, Joe y Anthony Russo) les pareció un pastiche woke (tomando como ancla una mínima escena de dos segundos en una película de cuatro horas) y olvidaron el desarrollo de una historia que hacía decantar lo construido en los 21 films anteriores en un solo épico final, es cierto muchos no vieron los músculos y la intensidad de la obra solo por darle razón a sus prejuicios. «Avengers: Endgame» es una película que se anima a darle fin a un trabajo de  casi veinte años y lo hace bien. «Deadpool & Wolverine» corre el mismo riesgo ya que las bromas tapan lo que la historia pone en juego. En el caso de esas personas solo se puede decir «es una película de Deadpool si esperabas otra cosa te equivocaste de sala» porque en el fondo la película mantiene la esencia de sus predecesoras una obra desenfadada, que se divierte burlándose de su mismo y que no tiene ningún empacho al mostrar sangres y viseras. Si bien «Thor: Love and Thunder» (2022, Taika Waititi) es una de las mejores películas de superhéroes que se haya hecho cae en el pecado de dejarse arrastrar por las restricciones de Disney, negándonos la sangre roja y las viseras de los miles de dioses que son aniquilados por Thor y sus compañeras en ciudad Omnipotencia haciéndole bajar su calificación y convirtiéndola en una película difícil de tragar para el público adulto. 

En «Deadpool & Wolverine» se nota que Ryan Reynolds toma el control creativo y la película mantiene su tono  divertido, soez y sangriento pero que no duda en ponerse intenso o tenso cuando es necesario, este Deadpool exhibe músculos y no cae en el ridículo de ser una sucesión sin sentidos de cameos porque el sinsentido y el ridículo son su esencia. La historia es muy sencilla: debido a que Wade le robo su máquina del tiempo a Cable al final de Deadpool 2 cae en cuenta de la AVT, quienes para mantener sana la sagrada linea del tiempo lo reclutan bajo la condición de aceptar que su mundo va a desaparecer, a lo que Wade se niega revelándose contra el líder de la AVT, Mr Paradox (Matthew Macfadyen), y escapando a otra línea temporal dónde recluta a Wolverine, quien muy a su pesar decide ayudarlo a enfrentar a la psicópata hermana de Charles Xavier, Casandra Nova quien planea destruir todos los universos y todas las líneas temporales. 

La película aborda la aceptación y el autoconocimiento. Tanto Logan como Wade ponen en juego sus pasados, sus presentes y su futuro en esta historia.

El director Shawn Levy hace una buen trabajo tomando a un personaje y un universo ya consolidados por sus predecesores Tim Miller y David Leitch haciéndolo crecer sin alterar su espíritu, teniendo en claro que forma parte de un universo más grande pero entendiendo que la personalidad que construyeron quienes lo manejaron antes que el es la clave de su éxito.

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¿Alguna vez imaginaste a un actor cuya carrera haya sido devastada por sus propias adicciones y a su vez este intentando resurgir mediante la interpretación de un sacerdote en una película de terror? esa es precisamente la premisa de Exorcismo, una pelicula que nos lleva en un viaje de «cine dentro del cine».

La película, que llevaba varios años postergada desde su rodaje en 2019, nos presenta a Anthony Miller  (Russell Crowe). Anthony es un actor que ha tocado fondo, habiendo perdido su carrera debido a sus problemas con las adicciones. La cual surge porque debe lidiar con la muerte de su esposa y con un doloroso distanciamiento de su hija, Lee (Ryan Simpkins).

La historia se inicia con un actor repasando sus líneas mientras deambula por un imponente set de filmación. Asciende unas escaleras falsas, recitando rezos y admoniciones en un ensayo solitario. De repente, un giro inesperado y una voz profunda revela el trágico destino que le aguarda. Es entonces cuando entra en escena nuestro protagonista, Anthony Miller, siendo su reemplazo.

Sumido en el desempleo y acosado por remordimientos, Anthony acepta el papel de un sacerdote en esta inquietante película de terror satánico. Pero su travesía va más allá de un simple rol actoral; es una lucha personal por la redención y un intento desesperado de reconectar con su hija, quien se convierte en la narradora de esta historia.

Exorcismo trasciende el género del terror. Es un relato metacinematográfico que explora los demonios internos y externos de sus personajes, especialmente los de Anthony. La actuación de Crowe nos muestra a un hombre roto, buscando su camino en medio de la oscuridad, tanto en la pantalla como en su vida real.

Con una duración de 93 minutos, la película ofrece una experiencia intensa, aunque algunos puedan considerarla mediocre. A pesar de sus altibajos, logra captar la atención y mantenernos en vilo, aguardando el desenlace de este perturbador exorcismo, tanto en el set como en el alma de su protagonista. Siento que esta algo “inflada” para lo que es, a pesar de que es una película solida. 

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«Amigos Imaginarios» (If, 2024) es una película que combina comedia y fantasía de una manera encantadora. Escrita, dirigida y coproducida por John Krasinski, conocido por su papel como Jim Halpert en la inolvidable serie «The Office», esta obra cuenta con un elenco estelar que mantendrá a los espectadores pegados a la pantalla.

Ryan Reynolds, famoso por sus roles en Deadpool, The Proposal y The Adam Project, aporta su característico humor y carisma a la película. El propio John Krasinski también se une al reparto, junto a Fiona Shaw, conocida por sus actuaciones en Harry Potter, Killing Eve y Ammonite. La joven promesa Cailey Fleming se destaca (The Walking Dead, Loki y Star Wars: The Force Awakens), interpreta a la protagonista. Además, la película cuenta con la participación de Louis Gossett Jr., veterano actor de The Color Purple, Reto al Destino y The Punisher, y la increíble Phoebe Waller-Bridge, creadora y protagonista de Fleabag.

La trama sigue a Bea (Cailey Fleming), una joven que regresa a su hogar de la infancia para cuidar a su padre mientras se somete a un delicado tratamiento médico para un «corazón roto». Durante su estancia, Bea descubre un don peculiar y asombroso: la capacidad de ver a los amigos imaginarios, referidos en la película como IFs (Imaginary friends). Pero estos no son sus propios amigos imaginarios, sino aquellos que pertenecieron a otras personas, quienes, al crecer, los han olvidado o «no los necesitan más».

Junto con su vecino Cal, quien también comparte esta inusual habilidad, Bea decide ayudar a estos amigos imaginarios a encontrar nuevos compañeros humanos. Juntos establecen una especie de agencia de asignación, donde se encargan de emparejar a estas criaturas con niños y adultos que necesitan un poco de magia y amistad en sus vidas.

Aunque se trata de un «drama leve», no es solo para pequeños, se disfruta. A diferencia de Monsters, Inc., donde el público recorre un mundo imaginario, estos personajes inusuales habitan la moderna ciudad de Nueva York y esto también es divertido.

Amigos Imaginarios promete ser una aventura llena de risas, emociones y momentos conmovedores, recordándonos la importancia de la imaginación y la amistad, tanto real como fantástica. Con su combinación de divertido elenco y una trama «cute», esta película seguramente tocará los corazones de todos los espectadores, transportándolos a un mundo donde lo imaginario se vuelve real y la magia nunca desaparece.

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Hablamos con el equipo de Cinemark para conocer su visión sobre el futuro del séptimo arte, palpando los cambios a nivel mundial.

Martin Alvarez Morales, Gerente General de Cinemark Hoyts Argentina, comparte su perspectiva sobre cómo el cine continúa emocionando a pesar de las nuevas formas de consumo y las plataformas emergentes.

Entrevista: Valeria Massimino

Hace un tiempo se viene hablando de la «muerte del cine» debido a las plataformas de streaming…  

Lejos estamos de eso, muy por el contrario, sentimos que la industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites. Prueba de esto son las extraordinarias cifras que se alcanzaron durante el año pasado en el cual llegamos a niveles de asistencia similares a los de la prepandemia. 

También por un fenómeno como fue Barbie, que despertó una fiebre rosa a lo largo del mundo entero: generando un comportamiento sumamente disruptivo y espontaneo de la audiencia que impulsó la asistencia masiva del público al cine, en familia, en grupos todos vestidos de rosa; confirmando que el cine sigue siendo un espacio de encuentro, de disfrute y de diversión para todos. 

En el cine es en el único lugar donde hay una sola pantalla y en la que los espectadores ponen su atención, de esta manera se logra una experiencia única que no puede replicarse en otro lado ya que e una casa hay varias pantallas prendidas ( la tv, celulares o tablets que conviven mientras se mira una película) las interrupciones típicas de un llamado telefónico o la recepción de un mensaje, suena le timbre el perro etc, etc son tantas las distracciones que imposibilitan una experiencia como la de ver una película en el cine) 

Directores, guionistas, actores, productores alcanzan la popularidad gracias a la industria cinematográfica, que ofrece una vidriera inigualable para el arte. El cine traspasa fronteras y llega como ningún otro medio a las masas. 

Esto, sumado al trabajo constante de la industria por incorporar nuevas herramientas que brindan al espectador una experiencia cada vez más vívida: Servicios premium, 4D, XD, DBOX, etc. hacen del cine un espectáculo inmersivo. Ya no se ve y se siente, el espectador se sumerge directamente en las historias. 

Por todo esto, la apuesta es cada vez mayor, porque creemos en un futuro auspicioso para el cine, abundantes propuestas cada vez más atractivas y con un público entusiasta que vive las historias mostramos. 

El cine con salas 4D y pantallas gigantes. ¿Es un intento de revitalizar la experiencia en sala? ¿Cómo fue la aceptación? 

Si hay algo que caracteriza a la industria cinematográfica es la búsqueda de innovación: contenidos disruptivos, tecnologías de vanguardia y transformación constante en pos de brindar a un espectador cada vez más exigente, un producto con el más alto estándar de calidad. El público viene a nuestros complejos a buscar un plus, aquello que no consigue replicar en el living de su hogar: una experiencia cada vez más vívida. 

Esa es la razón por la que hemos venido sumando, a lo largo del tiempo y con mucho éxito, salas que cuentan con comodidades e innovaciones tecnológicas que permiten a la audiencia disfrutar de un espectáculo sensorial único, haciendo de nuestros complejos espacios donde se comparten experiencias cada vez más inmersivas. 

Hasta ahora la recepción del público ha sido espectacular y esto se evidencia en los altísimos niveles de ocupación que tienen este tipo de salas a lo largo del año, muy por encima del promedio. 

¿Cuál es el criterio a la hora de elegir qué tantas funciones en argentina, por ejemplo, sean dobladas? ¿Es algo que la gente pide? ¿Hicieron sondeos? (como periodista todo el tiempo me comentan lo molesto que es… y muchas veces no hay otra opción y mucha gente prefiere no verla si está doblada) 

El criterio está determinado por la demanda de nuestros clientes en cada una de las plazas en las que operamos cines en ARG. Desde ya que se realizan sondeos constantemente y tenemos en cuenta el público objetivo de cada una de las películas que estrenamos. 

¿Cómo es el trabajo con la distribuidora? ¿Por qué hay algunas películas que no llegan a estrenarse en cine en Latinoamérica? 

Aunar esfuerzos y sinergizar nuestro trabajo con las distribuidoras es clave en nuestra industria, sin el apoyo mutuo todo sería mucho más difícil. En Argentina se estrenan semanalmente las mismas películas que en el resto de los países de la región. 

¿Aún hay lugar para el cine independiente? 

Sí, definitivamente aún hay lugar para el cine independiente, ya que sigue siendo una parte importante y valiosa de la industria cinematográfica, todos los meses se estrenan varias películas independientes locales y extranjeras. 

Adicionalmente, en nuestra experiencia, los festivales de cine independiente y/o temáticos funcionan muy bien y ofrecen oportunidades para que las películas independientes lleguen a un público más amplio y encuentren reconocimiento. Es una forma más, que brindamos para que todos tengan un lugar dentro del cine. 

¿Cómo la gente va a ver «cine» en cinco años? ¿Será en salas? como ahora? otro tipo de salas? ¿Nuevas experiencias? 

La gente seguirá yendo al cine como ahora, y cada vez más, de la mano de una oferta cada vez mayor de nuevos formatos y tecnologías innovadoras para un disfrute inmersivo de las películas. 

¿Siempre los estrenos más esperados son los «tanques» de Hollywood? (pese algunas críticas de algunos directores/as de cine) 

Si bien los estrenos de Hollywood suelen generar gran expectativa y atracción mediática, esto no significa que sean los únicos productos relevantes para nosotros. El cine internacional, el cine independiente y los contenidos alternativos generan un gran interés entre el público. Consideramos que el público se ha vuelto más diverso en los últimos años y exige contenidos que cumplan con sus expectativas. Para nosotros fomentar esa diversidad se ha vuelto clave para dar respuesta a esta nueva forma de consumo.

*English

The evolution of cinema brings about changes in the way we experience movies, reflecting both cultural and economic transformations. However, cinema remains a fundamental part of our society.

We spoke with the team at Cinemark to understand their vision for the future of the seventh art, sensing changes on a global scale.

Martin Alvarez Morales, General Manager of Cinemark Hoyts Argentina, shares his perspective on how cinema continues to excite despite new forms of consumption and emerging platforms.

Interview: Valeria Massimino

For some time now, there has been talk of the «death of cinema» due to streaming platforms…

We are far from that; on the contrary, we feel that the film industry is surpassing its own limits. Evidence of this is the extraordinary figures reached during the past year, where we reached attendance levels similar to those before the pandemic.

Also, phenomena like Barbie, which sparked a pink fever worldwide, generating a highly disruptive and spontaneous audience behavior that propelled massive attendance to the cinema, with families and groups all dressed in pink, confirming that cinema remains a space for gathering, enjoyment, and fun for everyone.

In the cinema, there is only one screen, and viewers focus their attention on it, thus achieving a unique experience that cannot be replicated elsewhere. At home, there are multiple screens (TV, smartphones, or tablets) that coexist while watching a movie, with typical interruptions like phone calls, receiving messages, doorbells, etc. These distractions make it impossible to have an experience like watching a movie in the cinema.

Directors, screenwriters, actors, producers gain popularity thanks to the film industry, which offers an unparalleled showcase for art. Cinema transcends borders and reaches the masses like no other medium.

This, combined with the constant work of the industry to incorporate new tools that provide viewers with an increasingly vivid experience: premium services, 4D, XD, DBOX, etc., makes cinema an immersive spectacle. Viewers don’t just see and hear; they are immersed directly into the stories.

For all these reasons, the investment in cinema is increasing because we believe in a promising future for cinema, with abundant proposals becoming increasingly attractive and with an enthusiastic audience experiencing the stories we show.

Cinemas with 4D rooms and giant screens. Is it an attempt to revitalize the theater experience? How was the acceptance?

If there’s one thing that characterizes the film industry, it’s the search for innovation: disruptive content, cutting-edge technologies, and constant transformation to provide an increasingly demanding audience with a product of the highest quality. The audience comes to our complexes seeking something extra, something they can’t replicate in their living rooms: an increasingly vivid experience.

That’s why we’ve been adding, over time and with great success, rooms with comforts and technological innovations that allow the audience to enjoy a unique sensory spectacle, making our complexes spaces where increasingly immersive experiences are shared.

So far, the audience’s reception has been spectacular, evidenced by the very high occupancy levels of these types of rooms throughout the year, well above average.

What is the criterion when choosing how many dubbed screenings there will be in Argentina, for example? Is it something people ask for? Have you conducted surveys? (As a journalist, I’m constantly told how annoying it is… and often there’s no other option, and many people prefer not to watch it if it’s dubbed.)

The criterion is determined by the demand of our customers in each of the areas where we operate cinemas in Argentina. Surveys are constantly conducted, and we take into account the target audience for each of the movies we release.

What is the work like with the distributor? Why are there some movies that don’t get released in cinemas in Latin America?

Joining forces and synergizing our work with distributors is key in our industry; without mutual support, everything would be much more difficult. In Argentina, the same movies are released weekly as in the rest of the countries in the region.

Is there still room for independent cinema?

Yes, definitely, there is still room for independent cinema, as it remains an important and valuable part of the film industry. Several independent local and foreign films are released every month.

Additionally, in our experience, independent and/or thematic film festivals work very well and offer opportunities for independent films to reach a wider audience and find recognition. It’s another way we provide for everyone to have a place within cinema.

How will people watch «movies» in five years? Will it be in theaters? Like now? In other types of theaters? New experiences?

People will continue to go to the cinema as they do now, and increasingly so, with a growing offering of new formats and innovative technologies for immersive enjoyment of movies.

Are the most anticipated releases always the Hollywood «blockbusters»? (Despite some criticisms from some directors)

While Hollywood releases often generate great anticipation and media attraction, this does not mean they are the only relevant products for us. International cinema, independent cinema, and alternative content generate great interest among the public. We consider that the audience has become more diverse in recent years and demands content that meets their expectations. For us, fostering that diversity has become key to responding to this new form of consumption.

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nace la idea de este libro?

Siempre me gustó escribir, además de dibujar, claro. Llevo escribiendo en mis diarios desde los doce años y mis días en el zoológico también quedaron plasmados.
Solamente tenía que revivirlos y darle forma a la historia. La idea surgió un poco antes de la pandemia; venía escribiendo y trabajando el texto con una correctora desde hacía más de un año.
La cuarentena, el encierro forzado y la nostalgia de aquellos días al aire libre potenciaron la idea de querer publicarlo.
Por alguna razón, viniendo de una rama artística completamente diferente, el destino me había llevado a trabajar en un zoológico y sentía que esa historia tenía que contarla.
También noté que no existía ninguna novela pasional dentro de un zoológico, y estaba contenta que la mía iba a ser la primera.

¿Qué porcentaje es real en tu novela?

Yo diría que es un 10% de ficción y 90% de realidad. Es todo lo que yo viví, contado en primera persona, aunque algunas cosas parezca difícil de creer.

Amás a los animales desde pequeña ¿Cómo fue trabajar en el zoológico?

Amo a los animales desde chiquita, desde que tengo memoria. Me la pasaba observando a los insectos que llegaban a mi balcón y viendo las fotografías de animales salvajes de las National Geographic.
Mi mamá nos llevaba al zoológico a mi y a mis hermanos cada vez que podía porque nos quedaba muy cerca. Yo disfrutaba mucho de esos paseos con tantos animales y en ese momento no estaba mal visto.

El cómo fue, lo cuento en mi libro con lujo de detalles, pero si tuviera que resumirlo en una oración: » Una experiencia única e irrepetible rodeada de animales salvajes.»

Sé que los Zoos no están bien vistos por el público. Lo mismo pasa con la religión. Determinadas ilusiones sobre la libertad les afectan a ambos. «Vida de Pi» (2001), Yann Martel.

¿Tiene sentido un zoo en la ciudad de Buenos Aires?

Siento que me faltan herramientas y conocimientos para responder esa pregunta. La historia del zoológico de Buenos Aires, es fascinante. Sabemos que data del 1888 y cuenta con un patrimonio cultural que realmente es muy rico.
Antes no estaba mal visto, era un paseo placentero y familiar. Hoy en día no podría decir si están bien o mal aunque por supuesto a ningún ser vivo le gusta estar en una jaula.

Sos una joven escritora ¿Es difícil publicar un libro? ¿Cómo hace un escritor que recién comienza?

Lo difícil es escribirlo. Pero difícil en un buen sentido, a modo de desafío. El esfuerzo que demanda es directamente proporcional a lo que viene después.
Si uno cuenta con el dinero, autopublicar es sencillo. También está la opción de recorrer editoriales con el manuscrito.

En mi caso, en plena pandemia y con el mundo en pausa, sentí que no quería esperar y destiné unos ahorros para publicarlo.

Conocía el proceso porque una amiga había publicado unos años atrás su primer novela. Fue hacer un llamado a Editorial Dunken, pagar la primera cuota y luego la segunda.
Después, solo restaba esperarlo.

Una vez publicado hay que hacer promoción y tratar de que llegue a la mayor cantidad de gente posible.

Personalmente me lo tomo con calma y subo cada vez que lo amerita, alguna foto al instagram de Safari. Generalmente son fotos de animales que amablemente me prestan ex compañer@s y amig@s. Celebro cada vez que se vende uno.

¿Se lee como hace algunos años atrás? ¿La gente tiene tiempo de leer?

Afortunadamente existen las y los booktokers. Jóvenes que se dedican a leer y a reseñar libros en las redes sociales.

Esa es una linda manera de hacer promoción. Hay mucha gente que sigue leyendo a pesar de todo el entretenimiento virtual que nos distrae hoy en día.

Pueden comprar ‘SAFARI’ AQUI

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