Hablar con Andrés Buhar no fue una entrevista en el sentido clásico, sino algo más cercano a una conversación abierta. No hubo un orden rígido de preguntas y respuestas, sino una charla que se fue desplegando con naturalidad, casi como una obra en proceso. Las ideas aparecían, se conectaban entre sí y abrían nuevos caminos. Como suele pasar cuando se habla de arte, una palabra llevaba a otra, una reflexión a una imagen, y de ahí a una pregunta más amplia. La conversación avanzaba sin necesidad de cerrarse, dejando la sensación de que siempre había algo más por pensar, un loop posible, infinito.

Hablar de arte, inevitablemente, es filosofar. No desde un lugar solemne, sino como algo bastante natural: preguntarse por lo que creamos, por lo que consumimos y por el sentido de todo eso. La charla con Buhar se movía ahí, entre lo concreto y lo abstracto, sin forzar nada. Al final, todo volvía a lo mismo: la experiencia real, lo que nos pasa. Y quizá esa sea la única pregunta que importa, aunque mejor no abrirla demasiado, porque podría no terminar nunca.

Entre anécdotas, ideas y proyectos, aparecía esa reflexión constante sobre el lugar del arte hoy, su necesidad y su capacidad de abrir espacios; físicos y simbólicos, para pensar y sentir, quizá, de otra manera.

Cuando escuché por primera vez sobre Arthaus sentí esa mezcla rara de sorpresa y entusiasmo: eso que solemos admirar cuando viajamos y vemos en otras ciudades del mundo, pero que ahora existe acá, en pleno microcentro porteño. No es solo un lugar que alberga arte, sino un espacio donde el arte se vive como experiencia. Una propuesta singular en Buenos Aires, difícil de comparar.

Buhar cuenta que la idea tomó forma en plena pandemia: ese paréntesis global que detuvo el ritmo de todo, también abrió un tiempo inesperado para imaginar. “No hay que sobrepensar”, dice. Y la frase resuena porque va a contramano de esa parálisis que a veces generan las ideas cuando se quedan girando en la cabeza. La clave, sugiere, es hacer: accionar, bajar lo imaginado a tierra. Arthaus nació, en parte, de un impulso creativo: la necesidad de transformar la pausa en movimiento. Incluso reflexiona que, sin aquel contexto extraordinario, quizás el proyecto no existiría tal como lo conocemos hoy.

Y de pronto resuena la frase de David Thoreau: «Si has construido castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué perderse; ahí es donde deben estar. Ahora coloca las bases debajo de ellos».

La conversación se movía como el arte mismo: una palabra llevaba a un recuerdo, una imagen abría otra reflexión. Pensar el arte hoy, en estos tiempos cada vez más líquidos, como anticipó Zygmunt Bauman, implica preguntarse por su lugar: qué dice, cómo circula y de qué manera sigue dialogando con nuestra experiencia cotidiana.

Los números dicen que cada vez menos gente va al cine. Y la pregunta se extiende: ¿qué pasa con las exhibiciones de arte? En ese contexto, espacios como Arthaus proponen otra lógica. No se trata solo de programar música, teatro o cine, sino de experiencias que invitan a habitar el arte de otra manera: ver una película desde una terraza, por ejemplo, sentado en una reposera, dejando que la obra dialogue con el entorno. Más que competir con las pantallas, la apuesta parece ser recuperar el encuentro y convertirlo en experiencia.

Hay algo casi mágico en el lugar, y no es casual. Cuando el arte se vive de cerca aparece esa sensación de descubrimiento, como si cada detalle abriera una nueva lectura. En la charla surgieron referencias que iban de obras icónicas a colectivos como Mondongo, ligado a una experiencia personal de Buhar: una obra que, más allá de cualquier valor, lo emociona. En ese gesto se entiende que para él el arte es un vínculo vivo: algo que te toca, te acompaña.

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos.” Marcel Proust

Hablar con él fue confirmar que Arthaus no es solo un espacio cultural: es una forma de pensar cómo queremos habitar el arte hoy. En su discurso aparece una convicción clara: el arte tiene que seguir vivo, incomodar, exigir, convivir con nosotros como una presencia activa.

Volver a su infancia ayuda a entender el mapa: la empresa era herencia; la música, refugio y una forma temprana de libertad (qué es la libertad es otra conversación). Hoy esas dos dimensiones conviven. Compone cuando puede, sin romantizar el proceso, sabiendo que crear también es administrar el tiempo. También rescata la vitalidad cultural argentina, capaz de producir con intensidad incluso en contextos adversos.

La pasión aparece como motor, pero no basta por sí sola. Andrés Buhar no habla de suerte ni de recetas; más que entusiasmo, transmite seguridad: dice lo que piensa con la claridad de quien sabe lo que defiende, sin pretender que sea la verdad absoluta.

Buhar sonríe ante la idea de planificación extrema. Arthaus nació hace pocos años y emociona. Dice que, en realidad, no lo pensó demasiado. Hoy reconoce que está contento de que el proyecto funcione, pero su mirada nunca se queda en lo que ya logró. No hubo una certeza previa de éxito ni un cálculo: más bien una decisión de avanzar. “No pensé mucho. A veces me preguntan si imaginé que iba a ser así… y la verdad es que no. Me gusta que funcione, claro, pero ya estoy pensando en lo que sigue, en qué sumar, en cómo expandir. Nunca me detuve demasiado en si iba a salir bien. Simplemente lo hice.”

¿Cómo cambia nuestra forma de entender el arte hoy, en un contexto atravesado por redes y transformaciones constantes?

A.B: El arte es un concepto work in progress. El arte no es algo fijo sino un concepto en permanente transformación: se construye, se discute y se redefine con el tiempo. Lo que hoy consideramos arte quizás años atrás no lo hubiera sido, porque nuestra mirada cambia, y justamente ahí radica su potencia. El arte trabaja sobre cómo vemos el mundo y cómo nos vemos a nosotros mismos. Frente a la pregunta clásica de para qué sirve, marca una diferencia con los saberes técnicos: mientras la ingeniería o la arquitectura resuelven problemas concretos, el arte opera en otro plano.

La banana

La obra creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, consiste en una banana real pegada a una pared con cinta plateada acompañada de un certificado de autenticidad que permite reemplazar la fruta. Fue subastada en Nueva York por Sotheby’s por $6.2 millones de dólares. El empresario Justin Sun compró la obra y, poco después, se comió la banana en una conferencia de prensa.

Buhar la lee como un gesto cargado de ironía: una fruta común, casi un chiste, que se pudre rápido, atada con cinta de la manera más precaria posible y agrega: “Todo ahí contradice la idea clásica de obra duradera, hecha de bronce o mármol para la eternidad. En cambio, esto existe sabiendo que va a desaparecer. La tensión crece cuando esa pieza efímera se subasta por millones: ¿qué se está comprando realmente? ¿El objeto, la idea, la experiencia? Ahí aparece el juego del arte conceptual, que no busca solo ser contemplado sino activar una pregunta. Más que ofrecer una respuesta, la obra funciona como disparador: nos obliga a revisar qué entendemos por valor, por materialidad y por experiencia”.

Cómo logra una obra generar reflexión y abrir debate sin buscar solo provocar? Recuerdo la obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana”.

A.B: La obra de León Ferrari en su momento generó debate; hacía tiempo que no se hablaba tanto de un artista por lo que había hecho. Y eso también es parte del juego, buscar la provocación, o decidir no hacerlo. Porque la provocación no es una sola cosa: es un territorio amplio. A veces provocar por provocar no conduce a nada; otras, aparece una obra que sí logra abrir algo y generar sentido. Por eso es difícil generalizar fuera de contexto, y más aún sin saber qué puede pasar mañana. En ese marco, muchas veces lo más interesante no es solo la obra en sí, sino el debate que despierta. Para mí, lo verdaderamente complejo no es la provocación… es la indiferencia.

¿Qué implica hoy hablar de arte ‘elitista’ y arte ‘popular’?

A.B.: Hablar de elitismo y de lo popular implica reconocer que no todos partimos del mismo lugar. Cada persona enfrenta realidades, tiempos y urgencias distintas, y eso condiciona el espacio que tiene para acercarse al arte o simplemente disfrutarlo. Comprender algo, o tener el tiempo para hacerlo, también depende de qué necesidades básicas estén resueltas en la vida cotidiana.

Por eso me cuesta cierta idea de meritocracia que supone que todos competimos en igualdad de condiciones. No es lo mismo el valor del dinero ni del tiempo cuando está en juego lo básico que cuando eso ya está garantizado. Si yo tengo 10.000 pesos y de eso depende que hoy pueda comer, ese dinero vale todo: vale la vida. En cambio, si esa necesidad está cubierta, la misma plata puede convertirse en un gusto o un viaje. Ahí se ve claramente cómo cambian las prioridades. Lo mismo pasa con el tiempo y la tranquilidad: no todos disponemos del mismo margen para parar, disfrutar o simplemente darnos un respiro.

¿Cómo impactan la inteligencia artificial y la aceleración tecnológica en nuestra forma de pensar y percibir el mundo?

A.B.: No me preocupa la herramienta en sí, sino la velocidad con la que todo ocurre. Ese ritmo constante puede erosionar nuestra capacidad de procesar lo que vivimos, y ahí es donde la subjetividad empieza a diluirse. El arte es un lugar para frenar, pensar y recuperar una mirada propia.

A veces lo comparo con el choque entre sociedades que se encontraban con transformaciones tan abruptas que no había tiempo para asimilarlas ni construir un marco simbólico para entenderlas. Algo parecido pasa hoy con nuestra percepción del tiempo. En el siglo XX, avances como el auto o el avión cambiaron la experiencia de la velocidad, pero había un período de adaptación. Hoy todo parece acelerarse sin pausa: contenidos que cambian cada segundos, plataformas diseñadas para sostener una atención fragmentada, incluso películas pensadas sabiendo que el espectador mira el celular. Todo eso modifica nuestra relación con el tiempo y plantea una pregunta de fondo: ¿cuál es nuestro tiempo interno frente a esta aceleración constante?

Hace un siglo el trabajo era también físico: caminar, levantar, construir, cosechar… el cuerpo gastaba energía de forma natural. Cuando ese esfuerzo desapareció, aparecieron los gimnasios para compensarlo. Entonces me pregunto si no necesitamos algo parecido para la mente: una especie de gimnasio intelectual, porque cada vez ejercitamos menos el pensamiento. Y ahí hay un desafío real.

¿Cómo se construye una mirada propia frente a una obra en un contexto dominado por algoritmos y opiniones externas?

A.B: Reconocer qué te pasa frente a una obra es, en el fondo, un ejercicio de mirada crítica y de afirmación personal. No alcanza con decir “me gusta” o “no me gusta”: Se trata de entender desde qué lugar miramos. Esa diversidad de posiciones es valiosa porque amplía la percepción y no debería vivirse como confrontación. El conflicto aparece cuando la lógica de las redes reduce esa pluralidad a likes, algoritmos y nichos que refuerzan certezas en lugar de abrir preguntas. Recuperar espacios donde la diferencia pueda convivir sin agresión, y donde la experiencia sea más intercambio que consumo, se vuelve entonces una forma de preservar una mirada propia.

Buhar no da un consejo explícito, pero sugiere no quedarse paralizado por la búsqueda de genialidad o la validación externa. Recomienda partir de algo que despierte interés y explorarlo, observando qué te provoca en el proceso. Crear, insiste, es un misterio que se sostiene en la curiosidad y la autenticidad: no se trata de perseguir resultados, sino de encontrar un vínculo verdadero con lo que uno hace y dejar que eso marque el camino.

Web: arthaus.ar
IG: arthauscentral

 English

Andrés Buhar and Arthaus: How to inhabit art today

by Valeria Massimino

Talking with Andrés Buhar didn’t feel like a traditional interview so much as an open-ended conversation. There was no rigid sequence of questions and answers, but a dialogue that unfolded naturally, almost like a work in progress. Ideas surfaced, connected, and opened new paths. As often happens when discussing art, one word led to another, one reflection to an image, and from there to a broader question. The conversation moved forward without needing closure, leaving the sense that there was always more to think about,  a possible, endless loop.

To talk about art is, inevitably, to philosophize. Not from a solemn place, but as something quite natural: questioning what we create, what we consume, and the meaning behind it all. The exchange with Buhar moved in that space, between the concrete and the abstract, without forcing anything. In the end, everything circled back to the same point: lived experience, what actually happens to us. And perhaps that is the only question that matters, though it’s better not to open it too far, because it might never end. Between anecdotes, ideas, and projects, a constant reflection emerged about the place of art today, its necessity and its ability to open spaces, both physical and symbolic, for thinking and feeling in new ways.

When I first heard about Arthaus, I felt that unusual mix of surprise and excitement: the kind of thing we admire when traveling and seeing cultural spaces in other cities,  except this one exists here, in downtown Buenos Aires. It’s not simply a venue that houses art, but a space where art is experienced. A singular proposal in the city, difficult to compare.

Buhar explains that the idea took shape during the pandemic , that global pause that halted everything and unexpectedly opened time to imagine. “Don’t overthink it,” he says. The phrase resonates because it runs counter to the paralysis that ideas sometimes produce when they keep spinning in our heads. The key, he suggests, is to act,  to bring imagination down to earth. Arthaus was born, in part, from that creative urgency: the need to transform pause into movement. He even reflects that without that extraordinary context, the project might not exist as we know it today.

Suddenly, a line by Henry David Thoreau echoes the spirit of that moment:
“If you have built castles in the air, your work need not be lost; that is where they should be. Now put the foundations under them.”

The conversation moved like art itself: one word led to a memory, an image opened another reflection. Thinking about art today,  in these increasingly liquid times, as anticipated by Zygmunt Bauman, means asking where it stands: what it says, how it circulates, and how it continues to dialogue with everyday experience.

The numbers suggest fewer people are going to movie theaters. The question expands: what about art exhibitions? In that context, spaces like Arthaus propose another logic. It’s not only about programming music, theater, or film, but about creating experiences that invite people to inhabit art differently, watching a movie from a rooftop terrace, for instance, sitting in a lounge chair, letting the work converse with its surroundings. Rather than competing with screens, the aim seems to be recovering shared presence and turning it into experience.

There’s something almost magical about the place, and it isn’t accidental. When art is lived up close, a sense of discovery appears, as if each detail opens a new reading. During the conversation, references ranged from iconic works to collectives like Mondongo, connected to a personal experience of Buhar’s: a piece he acquired that moves him beyond any market value. In that gesture, it becomes clear that for him art is a living bond, something that touches you and stays with you.

A line by Marcel Proust captures that idea:
“The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes.”

Talking with him confirmed that Arthaus is not just a cultural venue,  it’s a way of thinking about how we want to inhabit art today. His discourse carries a clear conviction: art must remain alive, capable of unsettling, demanding, and coexisting with us as an active presence.

Looking back at his childhood helps map that trajectory: business was inheritance; music was refuge and an early form of freedom (what freedom means is another conversation). Today, those dimensions coexist. He composes when he can, without romanticizing the process, aware that creating also means managing time. He also highlights Argentina’s cultural vitality, its capacity to produce intensely even under adverse conditions. Passion appears as an engine, but not enough on its own. Buhar doesn’t talk about luck or formulas; more than enthusiasm, he conveys assurance,  speaking with the clarity of someone who knows what he stands for without presenting it as absolute truth.

He smiles at the idea of extreme planning. Arthaus is only a few years old and already emotional for him. He admits he didn’t overcalculate. Today he’s happy the project works, but his gaze never lingers on what’s already achieved. There was no certainty of success, just a decision to move forward. “I didn’t think too much. Sometimes people ask if I imagined it would be like this… honestly, I didn’t. I’m glad it works, of course, but I’m already thinking about what comes next,  what to add, how to expand. I never stopped to wonder if it would turn out well. I just did it.”

How does our understanding of art change today, in a context shaped by networks and constant transformation?

A.B.: Art is a work in progress. It isn’t fixed; it’s continuously built, debated, and redefined over time. What we consider art today might not have been recognized as such years ago, because our gaze evolves, and that’s precisely its strength. Art works on how we see the world and ourselves. Faced with the classic question of usefulness, it differs from technical disciplines: while engineering or architecture solve concrete problems, art operates on another plane.

The banana

The work created by Maurizio Cattelan consists of a real banana taped to a wall with silver duct tape, accompanied by a certificate of authenticity allowing the fruit to be replaced. It was auctioned in New York by Sotheby’s for $6.2 million. Entrepreneur Justin Sun purchased the piece and later ate the banana at a press conference.

Buhar reads it as an ironic gesture: an ordinary fruit (almost a joke) that rots quickly, attached in the most precarious way. “Everything contradicts the classical idea of a durable artwork meant to last forever. This exists knowing it will disappear. The tension grows when something ephemeral sells for millions: what are you really buying,  the object, the idea, the experience? That’s where conceptual art activates a question. Rather than offering answers, it pushes us to rethink value, materiality, and experience.”

How can an artwork provoke reflection and debate without simply seeking provocation?  Thinking of León Ferrari’s La civilización occidental y cristiana

A.B.: Ferrari’s work sparked enormous debate; it had been a long time since an artist generated that level of discussion. Provocation is part of the game, whether you seek it or not, but it isn’t a single thing. Sometimes provocation leads nowhere; other times it opens meaning. Context matters. Often what’s most interesting isn’t the piece alone, but the conversation it creates. For me, the real challenge isn’t provocation, it’s indifference.

What does it mean today to talk about “elitist” versus “popular” art?

A.B.: It means recognizing we don’t all start from the same place. People face different realities, urgencies, and time constraints, which shape their access to art. Understanding something, or having time for it, depends on basic needs being met. That’s why meritocracy can be misleading. Money and time don’t hold the same meaning when survival is at stake. If I have money that determines whether I eat, that’s life itself. If that need is covered, the same amount becomes leisure. The same applies to time: not everyone has the same margin to pause and enjoy.

How do artificial intelligence and technological acceleration impact our thinking?

A.B.: The tool doesn’t worry me, the speed does. Constant acceleration erodes our ability to process experience, and subjectivity begins to blur. Art becomes a space to slow down and recover perspective. It reminds me of historical moments when societies encountered abrupt change without time to assimilate it. Today, content cycles in seconds, platforms fragment attention, even films assume viewers check their phones. It alters our relationship with time and raises a question: what happens to our inner tempo? A century ago, physical labor naturally exercised the body; now we use gyms. Perhaps we need intellectual gyms,  because we’re exercising thought less and less.

How do we build an independent gaze in an algorithm-driven culture?

A.B.: Recognizing what happens to you in front of an artwork is an act of critical awareness. It’s not enough to say “I like it” or “I don’t.” You need to understand where your perspective comes from. Diversity of viewpoints expands perception. The problem arises when networks reduce that plurality to likes and niches reinforcing certainty. Preserving spaces where difference can coexist, where experience is exchange rather than consumption,  is essential to maintaining a personal gaze.

Buhar doesn’t give a strict formula, but suggests not freezing in pursuit of genius or external validation. Start with something that sparks interest and explore what it awakens. Creation, he insists, is sustained by curiosity and authenticity. It’s less about chasing results than building a real relationship with what you do, and letting that guide the path.

Web: arthaus.ar
IG: arthauscentral

La entrada Andrés Buhar y Arthaus: cómo habitar el arte hoy. se publicó primero en REVISTA META.

El dúo Cohn-Duprat regresa a la pantalla grande con Homo Argentum, un largometraje compuesto por 16 cortometrajes, todos protagonizados por Guillermo Francella. La propuesta, con una realización cuidada, se plantea como una radiografía del “gen argentino” y dispara preguntas: ¿Qué nos hace argentinos? ¿Cómo somos los argentinos? Según la película, la respuesta es poco alentadora.

La tan mentada “viveza criolla” se despliega en 16 relatos que nos retratan como ambiciosos, desmedidos, corruptos, orgullosos, perversos, ladrones y fanfarrones. Rasgos negativos que, no obstante, conviven con cierto sentido del humor y una dosis de humanidad que nos vuelve “terribles, pero no tan terribles”. Básicamente, la descripción del ser humano en general. Lo que nos hace específicamente argentinos, al menos para mí, no queda del todo claro en este proyecto.

De las 16 historias, algunas resultan muy logradas, entretenidas y con un vuelo interesante si se las observa como cortometrajes independientes. Otras, en cambio, se sienten irrelevantes, sin el peso dramático ni la consistencia que requiere un buen corto. Parecen más bien “descartes” que terminaron incluidos para completar el conjunto. Algo curioso es que cada pieza, tomada por separado, está bien planteada y muy bien actuada, pero en el total no logran redondear una idea unificadora.

El ejemplo más recordado de este formato episódico es, tal vez, la magistral Relatos salvajes de Damián Szifron: historias que funcionan por sí mismas, pero que dialogan entre sí y suman a un concepto general. En Homo Argentum, en cambio, si no fuera por el título, costaría encontrar un hilo que vincule a esos personajes. Tampoco hay una progresión narrativa clara: el orden elegido para presentar los cortos resulta anticlimático. Al final, la sensación es la de haber visto 16 cortometrajes sueltos y no una película. Podría uno haberse ido a mitad de función —o llegado una hora tarde— sin que la experiencia cambiara demasiado. Quizás esto sea intencional o, incluso, un reflejo de cómo consumimos ficción hoy, en la era digital. Entre los relatos más logrados, destaco el del trabajador de seguridad, el del ascensor y el del juguete de Miami.

Francella es el indiscutido motor de la película. Cuando el guion pierde brillo, él recurre a su arsenal interpretativo para darle vida a cada personaje. Hace tiempo que demostró ser un actor sólido, aunque pareciera que aún hay quienes lo ponen a prueba. En este caso, opta por ir a lo seguro, y le funciona: por momentos está divertido, ágil y dinámico. Sin embargo, su omnipresencia llega a saturar. El exceso de planos centrados en él vuelve repetitivo el recurso, y la película respira recién cuando se le da más espacio a los demás personajes. Mención especial merece el trabajo de caracterización, maquillaje, peinado y vestuario, que complementa de forma impecable su actuación.

En definitiva, Homo Argentum es una comedia episódica, familiar, con cierto espíritu crítico y un buen ritmo general. Alterna aciertos y altibajos, pero ofrece escenas graciosas y absurdas muy logradas. Expone —con un sesgo discutible— algunas de nuestras miserias humanas (más que argentinas), y logra entretener durante buena parte de su metraje.

La entrada CINE: Reseña de ‘HOMO ARGENTUM’ se publicó primero en REVISTA META.

La nueva película de Celine Song llega contándonos una historia un tanto tediosa, un tanto frívola pero que en una vista general sobre sus cosas buenas y sus cosas malas peca de aburrida. Es decir, Song intenta volver a hablar de desamor, pero nos encontramos con una película que al intentar replicar una temática y atribuirse un estilo nos encontramos con una directora carente de capacidad narrativa, que arrastra la historia de forma aburrida y carente de encanto.

“Amores materialistas “nos cuenta la historia de Lucy (Dakota Johnson) una mujer de unos 35 años que nunca terminó la universidad, que abandono la actuación y está llena de deudas, que vive de manera muy tilinga en una Nueva York inalcanzable para alguien de clase baja. La protagonista es una exitosa una “casamentera” que trabaja para una agencia que se dedica a encontrarles a sus clientes y clientas la pareja correcta para casarse, si en pleno 2025 con el auge de las plataformas de citas esta película nos habla de gente que quiere casarse. La película inicia justamente cuando se celebra el noveno matrimonio concretado bajo el servicio de Lucy.

Paradójicamente al mismo tiempo que Lucy se ocupa obsesivamente de conseguirles candidatos a sus clientes Lucy no tiene pareja (“estoy soltera, soy célibe y voy a morir sola”, admite irónicamente, pero sin gracia). La suerte de Lucy cambia en esta fiesta ya que conoce a Harry (Pedro Pascal), un tipo que trabaja en de las finanzas que vive en un departamento valuado en 12 millones de dólares y mide 1, 82 mts ( si esto es importante para la trama que sostiene que los hombres bajos por más millonarios apuestos y buena persona que sean cotizan bajo y no valen la pena) ; en la fiesta se reencuentra con su ex con;  John (Chris Evans), un actor que no logra despegar y que se encuentra trabajando como camarero.

Se plantea así el típico triángulo entre la protagonista y dos candidatos opuestos entre sí: el bróker seductor muy seguro de sí mismo y el actor sensible y conflictuado que vive en un departamento compartido con personas de una conducta e higiene más que dudosa, o sea son pobres y sucios. En este triple romance la protagonista se siente atraída por ambos galanes, pero siempre prefiriendo al que tiene más dinero, porque esa es la causa de su ruptura con John, él es pobre y ella no puede tolerar estar con alguien que no tiene dinero. 

 Song no se contenta con crear una clásica comedia romántica, lo cual no logra de ninguna manera porque la película carece de humor y encanto; tampoco se conforma con crear una suerte de critica a la elite neoyorquina al estilo Sex and the City sino que intenta de forma fallida exponer la hipocresía y la doble moral propias de estos juegos en los que una persona puede ser evaluada por lo que tiene más que por su calidad humana; trata de exponer esta suerte de proxenetismo en los que se juega con las personas como si fueran mercancía.

La película en su segunda parte juega   de forma frívola y carente de profundidad con un caso de violencia machista contra una clienta que de alguna manera lleva a Lucy a replantearse sus valores y su rol dentro de este círculo pero que en definitiva no deja de ser una anécdota que termina enterrada por la trama.

Si bien en Vidas pasadas Celine Song tiene como guionista y directora demuestra que puede ser una artista provocadora en Amores materialistas nos trae una película carente de humor, encanto o ritmo a diferencia de lo que fue su predecesora.  Celine Song da con su segunda película un paso en falso que demuestra que hacer una buena película no significa tener un estilo y que a veces el prestigio se regala como si nada. Con la misma facilidad que se les niega a directores experimentados que han tenido uno o dos pasos en falso dentro de una extensa carrera. 

Sería muy cruel hablar de la actuación de Johnson, sobre todo si se la compara con los trabajos de Pascal y Evans, quienes levantan la vara cada vez que aparecen en cámara generando un enorme contraste con su, poco talentosa y carismática, compañera.

 La segunda película de la prestigiosa directora Celine Song es fallida y pretenciosa, pero comete el peor de los pecados: ser aburrida.

Lo mejor de la pelicula es su soundtrack que incluye canciones de Japanese Breakfast, Cat Power, St. Vincent, Stan Getz con Bill Evans, Neil Diamond, The Ronettes, Johnny Thunders, Françoise Hardy, Harry Nilsson y The Velvet Underground, entre otros, pero todos sabemos que cuando llegamos a hablar de Este item para poder decir algo Bueno de una pelicula estamos rascando el fondo de la olla.

La entrada CINE: Reseña de «AMORES MATERIALISTAS» se publicó primero en REVISTA META.

A veces debo escuchar zonceras tales como que el género de superhéroes está muerto o que ya no le interesa  al público, esa afirmación se vuelve una estupidez cuando aquel que lo pronuncia no logra entender que la caída del género superheroico no se debe a la falta de interés o a qué no se cuentan buenas historias sino es el hecho que las productoras pusieron por encima al evento en detrimento de contar buenas historias, al crossover quitándole interés a aquello que se quiere transmitir, provocando el fracaso. No hay nada en Eternals (2021, Chloe Zhao) que la haga una mala película pero el que no haya obtenido el éxito que la productora quería se debe a que no era un evento ni un crossover , era simplemente  una buena película, que contaba una buena historia en la cual había superhéroes.

«Deadpool & Wolverine» es una película  que se divide en dos vías bien diferenciadas; por un lado tenemos el evento del crossover entre Wolverine y el protagonista y por el otro el de la historia principal, ambos con dos tonos bien diferenciados  pero que de alguna manera logran congeniar contando una historia interesante. 

Por una lado tenemos AVT (Autoridad de Variación Temporal) con Cassandra Nova (Ema Corrin) como villanos principales  y por el otro a los X-Men junto a otros héroes olvidados y maltratados por Fox. Por un lado una historia que pone en juego el destino del héroe y su mundo y por el otro un cierre digno para la etapa pre MCU, en el medio está Deadpool y su universo jugando de maestro de ceremonia para un guion que se hace entretenido e intenso.

Para muchos «Avengers: Endgame» (2019, Joe y Anthony Russo) les pareció un pastiche woke (tomando como ancla una mínima escena de dos segundos en una película de cuatro horas) y olvidaron el desarrollo de una historia que hacía decantar lo construido en los 21 films anteriores en un solo épico final, es cierto muchos no vieron los músculos y la intensidad de la obra solo por darle razón a sus prejuicios. «Avengers: Endgame» es una película que se anima a darle fin a un trabajo de  casi veinte años y lo hace bien. «Deadpool & Wolverine» corre el mismo riesgo ya que las bromas tapan lo que la historia pone en juego. En el caso de esas personas solo se puede decir «es una película de Deadpool si esperabas otra cosa te equivocaste de sala» porque en el fondo la película mantiene la esencia de sus predecesoras una obra desenfadada, que se divierte burlándose de su mismo y que no tiene ningún empacho al mostrar sangres y viseras. Si bien «Thor: Love and Thunder» (2022, Taika Waititi) es una de las mejores películas de superhéroes que se haya hecho cae en el pecado de dejarse arrastrar por las restricciones de Disney, negándonos la sangre roja y las viseras de los miles de dioses que son aniquilados por Thor y sus compañeras en ciudad Omnipotencia haciéndole bajar su calificación y convirtiéndola en una película difícil de tragar para el público adulto. 

En «Deadpool & Wolverine» se nota que Ryan Reynolds toma el control creativo y la película mantiene su tono  divertido, soez y sangriento pero que no duda en ponerse intenso o tenso cuando es necesario, este Deadpool exhibe músculos y no cae en el ridículo de ser una sucesión sin sentidos de cameos porque el sinsentido y el ridículo son su esencia. La historia es muy sencilla: debido a que Wade le robo su máquina del tiempo a Cable al final de Deadpool 2 cae en cuenta de la AVT, quienes para mantener sana la sagrada linea del tiempo lo reclutan bajo la condición de aceptar que su mundo va a desaparecer, a lo que Wade se niega revelándose contra el líder de la AVT, Mr Paradox (Matthew Macfadyen), y escapando a otra línea temporal dónde recluta a Wolverine, quien muy a su pesar decide ayudarlo a enfrentar a la psicópata hermana de Charles Xavier, Casandra Nova quien planea destruir todos los universos y todas las líneas temporales. 

La película aborda la aceptación y el autoconocimiento. Tanto Logan como Wade ponen en juego sus pasados, sus presentes y su futuro en esta historia.

El director Shawn Levy hace una buen trabajo tomando a un personaje y un universo ya consolidados por sus predecesores Tim Miller y David Leitch haciéndolo crecer sin alterar su espíritu, teniendo en claro que forma parte de un universo más grande pero entendiendo que la personalidad que construyeron quienes lo manejaron antes que el es la clave de su éxito.

La entrada CINE: Reseña de ‘DEADPOOL & WOLVERINE’ se publicó primero en REVISTA META.

¿Alguna vez imaginaste a un actor cuya carrera haya sido devastada por sus propias adicciones y a su vez este intentando resurgir mediante la interpretación de un sacerdote en una película de terror? esa es precisamente la premisa de Exorcismo, una pelicula que nos lleva en un viaje de «cine dentro del cine».

La película, que llevaba varios años postergada desde su rodaje en 2019, nos presenta a Anthony Miller  (Russell Crowe). Anthony es un actor que ha tocado fondo, habiendo perdido su carrera debido a sus problemas con las adicciones. La cual surge porque debe lidiar con la muerte de su esposa y con un doloroso distanciamiento de su hija, Lee (Ryan Simpkins).

La historia se inicia con un actor repasando sus líneas mientras deambula por un imponente set de filmación. Asciende unas escaleras falsas, recitando rezos y admoniciones en un ensayo solitario. De repente, un giro inesperado y una voz profunda revela el trágico destino que le aguarda. Es entonces cuando entra en escena nuestro protagonista, Anthony Miller, siendo su reemplazo.

Sumido en el desempleo y acosado por remordimientos, Anthony acepta el papel de un sacerdote en esta inquietante película de terror satánico. Pero su travesía va más allá de un simple rol actoral; es una lucha personal por la redención y un intento desesperado de reconectar con su hija, quien se convierte en la narradora de esta historia.

Exorcismo trasciende el género del terror. Es un relato metacinematográfico que explora los demonios internos y externos de sus personajes, especialmente los de Anthony. La actuación de Crowe nos muestra a un hombre roto, buscando su camino en medio de la oscuridad, tanto en la pantalla como en su vida real.

Con una duración de 93 minutos, la película ofrece una experiencia intensa, aunque algunos puedan considerarla mediocre. A pesar de sus altibajos, logra captar la atención y mantenernos en vilo, aguardando el desenlace de este perturbador exorcismo, tanto en el set como en el alma de su protagonista. Siento que esta algo “inflada” para lo que es, a pesar de que es una película solida. 

La entrada CINE: Reseña de ‘EXORCISMO’ se publicó primero en REVISTA META.

«Amigos Imaginarios» (If, 2024) es una película que combina comedia y fantasía de una manera encantadora. Escrita, dirigida y coproducida por John Krasinski, conocido por su papel como Jim Halpert en la inolvidable serie «The Office», esta obra cuenta con un elenco estelar que mantendrá a los espectadores pegados a la pantalla.

Ryan Reynolds, famoso por sus roles en Deadpool, The Proposal y The Adam Project, aporta su característico humor y carisma a la película. El propio John Krasinski también se une al reparto, junto a Fiona Shaw, conocida por sus actuaciones en Harry Potter, Killing Eve y Ammonite. La joven promesa Cailey Fleming se destaca (The Walking Dead, Loki y Star Wars: The Force Awakens), interpreta a la protagonista. Además, la película cuenta con la participación de Louis Gossett Jr., veterano actor de The Color Purple, Reto al Destino y The Punisher, y la increíble Phoebe Waller-Bridge, creadora y protagonista de Fleabag.

La trama sigue a Bea (Cailey Fleming), una joven que regresa a su hogar de la infancia para cuidar a su padre mientras se somete a un delicado tratamiento médico para un «corazón roto». Durante su estancia, Bea descubre un don peculiar y asombroso: la capacidad de ver a los amigos imaginarios, referidos en la película como IFs (Imaginary friends). Pero estos no son sus propios amigos imaginarios, sino aquellos que pertenecieron a otras personas, quienes, al crecer, los han olvidado o «no los necesitan más».

Junto con su vecino Cal, quien también comparte esta inusual habilidad, Bea decide ayudar a estos amigos imaginarios a encontrar nuevos compañeros humanos. Juntos establecen una especie de agencia de asignación, donde se encargan de emparejar a estas criaturas con niños y adultos que necesitan un poco de magia y amistad en sus vidas.

Aunque se trata de un «drama leve», no es solo para pequeños, se disfruta. A diferencia de Monsters, Inc., donde el público recorre un mundo imaginario, estos personajes inusuales habitan la moderna ciudad de Nueva York y esto también es divertido.

Amigos Imaginarios promete ser una aventura llena de risas, emociones y momentos conmovedores, recordándonos la importancia de la imaginación y la amistad, tanto real como fantástica. Con su combinación de divertido elenco y una trama «cute», esta película seguramente tocará los corazones de todos los espectadores, transportándolos a un mundo donde lo imaginario se vuelve real y la magia nunca desaparece.

La entrada CINE: Reseña de ‘IF: Amigos Imaginarios’ se publicó primero en REVISTA META.

Hablamos con el equipo de Cinemark para conocer su visión sobre el futuro del séptimo arte, palpando los cambios a nivel mundial.

Martin Alvarez Morales, Gerente General de Cinemark Hoyts Argentina, comparte su perspectiva sobre cómo el cine continúa emocionando a pesar de las nuevas formas de consumo y las plataformas emergentes.

Entrevista: Valeria Massimino

Hace un tiempo se viene hablando de la «muerte del cine» debido a las plataformas de streaming…  

Lejos estamos de eso, muy por el contrario, sentimos que la industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites. Prueba de esto son las extraordinarias cifras que se alcanzaron durante el año pasado en el cual llegamos a niveles de asistencia similares a los de la prepandemia. 

También por un fenómeno como fue Barbie, que despertó una fiebre rosa a lo largo del mundo entero: generando un comportamiento sumamente disruptivo y espontaneo de la audiencia que impulsó la asistencia masiva del público al cine, en familia, en grupos todos vestidos de rosa; confirmando que el cine sigue siendo un espacio de encuentro, de disfrute y de diversión para todos. 

En el cine es en el único lugar donde hay una sola pantalla y en la que los espectadores ponen su atención, de esta manera se logra una experiencia única que no puede replicarse en otro lado ya que e una casa hay varias pantallas prendidas ( la tv, celulares o tablets que conviven mientras se mira una película) las interrupciones típicas de un llamado telefónico o la recepción de un mensaje, suena le timbre el perro etc, etc son tantas las distracciones que imposibilitan una experiencia como la de ver una película en el cine) 

Directores, guionistas, actores, productores alcanzan la popularidad gracias a la industria cinematográfica, que ofrece una vidriera inigualable para el arte. El cine traspasa fronteras y llega como ningún otro medio a las masas. 

Esto, sumado al trabajo constante de la industria por incorporar nuevas herramientas que brindan al espectador una experiencia cada vez más vívida: Servicios premium, 4D, XD, DBOX, etc. hacen del cine un espectáculo inmersivo. Ya no se ve y se siente, el espectador se sumerge directamente en las historias. 

Por todo esto, la apuesta es cada vez mayor, porque creemos en un futuro auspicioso para el cine, abundantes propuestas cada vez más atractivas y con un público entusiasta que vive las historias mostramos. 

El cine con salas 4D y pantallas gigantes. ¿Es un intento de revitalizar la experiencia en sala? ¿Cómo fue la aceptación? 

Si hay algo que caracteriza a la industria cinematográfica es la búsqueda de innovación: contenidos disruptivos, tecnologías de vanguardia y transformación constante en pos de brindar a un espectador cada vez más exigente, un producto con el más alto estándar de calidad. El público viene a nuestros complejos a buscar un plus, aquello que no consigue replicar en el living de su hogar: una experiencia cada vez más vívida. 

Esa es la razón por la que hemos venido sumando, a lo largo del tiempo y con mucho éxito, salas que cuentan con comodidades e innovaciones tecnológicas que permiten a la audiencia disfrutar de un espectáculo sensorial único, haciendo de nuestros complejos espacios donde se comparten experiencias cada vez más inmersivas. 

Hasta ahora la recepción del público ha sido espectacular y esto se evidencia en los altísimos niveles de ocupación que tienen este tipo de salas a lo largo del año, muy por encima del promedio. 

¿Cuál es el criterio a la hora de elegir qué tantas funciones en argentina, por ejemplo, sean dobladas? ¿Es algo que la gente pide? ¿Hicieron sondeos? (como periodista todo el tiempo me comentan lo molesto que es… y muchas veces no hay otra opción y mucha gente prefiere no verla si está doblada) 

El criterio está determinado por la demanda de nuestros clientes en cada una de las plazas en las que operamos cines en ARG. Desde ya que se realizan sondeos constantemente y tenemos en cuenta el público objetivo de cada una de las películas que estrenamos. 

¿Cómo es el trabajo con la distribuidora? ¿Por qué hay algunas películas que no llegan a estrenarse en cine en Latinoamérica? 

Aunar esfuerzos y sinergizar nuestro trabajo con las distribuidoras es clave en nuestra industria, sin el apoyo mutuo todo sería mucho más difícil. En Argentina se estrenan semanalmente las mismas películas que en el resto de los países de la región. 

¿Aún hay lugar para el cine independiente? 

Sí, definitivamente aún hay lugar para el cine independiente, ya que sigue siendo una parte importante y valiosa de la industria cinematográfica, todos los meses se estrenan varias películas independientes locales y extranjeras. 

Adicionalmente, en nuestra experiencia, los festivales de cine independiente y/o temáticos funcionan muy bien y ofrecen oportunidades para que las películas independientes lleguen a un público más amplio y encuentren reconocimiento. Es una forma más, que brindamos para que todos tengan un lugar dentro del cine. 

¿Cómo la gente va a ver «cine» en cinco años? ¿Será en salas? como ahora? otro tipo de salas? ¿Nuevas experiencias? 

La gente seguirá yendo al cine como ahora, y cada vez más, de la mano de una oferta cada vez mayor de nuevos formatos y tecnologías innovadoras para un disfrute inmersivo de las películas. 

¿Siempre los estrenos más esperados son los «tanques» de Hollywood? (pese algunas críticas de algunos directores/as de cine) 

Si bien los estrenos de Hollywood suelen generar gran expectativa y atracción mediática, esto no significa que sean los únicos productos relevantes para nosotros. El cine internacional, el cine independiente y los contenidos alternativos generan un gran interés entre el público. Consideramos que el público se ha vuelto más diverso en los últimos años y exige contenidos que cumplan con sus expectativas. Para nosotros fomentar esa diversidad se ha vuelto clave para dar respuesta a esta nueva forma de consumo.

*English

The evolution of cinema brings about changes in the way we experience movies, reflecting both cultural and economic transformations. However, cinema remains a fundamental part of our society.

We spoke with the team at Cinemark to understand their vision for the future of the seventh art, sensing changes on a global scale.

Martin Alvarez Morales, General Manager of Cinemark Hoyts Argentina, shares his perspective on how cinema continues to excite despite new forms of consumption and emerging platforms.

Interview: Valeria Massimino

For some time now, there has been talk of the «death of cinema» due to streaming platforms…

We are far from that; on the contrary, we feel that the film industry is surpassing its own limits. Evidence of this is the extraordinary figures reached during the past year, where we reached attendance levels similar to those before the pandemic.

Also, phenomena like Barbie, which sparked a pink fever worldwide, generating a highly disruptive and spontaneous audience behavior that propelled massive attendance to the cinema, with families and groups all dressed in pink, confirming that cinema remains a space for gathering, enjoyment, and fun for everyone.

In the cinema, there is only one screen, and viewers focus their attention on it, thus achieving a unique experience that cannot be replicated elsewhere. At home, there are multiple screens (TV, smartphones, or tablets) that coexist while watching a movie, with typical interruptions like phone calls, receiving messages, doorbells, etc. These distractions make it impossible to have an experience like watching a movie in the cinema.

Directors, screenwriters, actors, producers gain popularity thanks to the film industry, which offers an unparalleled showcase for art. Cinema transcends borders and reaches the masses like no other medium.

This, combined with the constant work of the industry to incorporate new tools that provide viewers with an increasingly vivid experience: premium services, 4D, XD, DBOX, etc., makes cinema an immersive spectacle. Viewers don’t just see and hear; they are immersed directly into the stories.

For all these reasons, the investment in cinema is increasing because we believe in a promising future for cinema, with abundant proposals becoming increasingly attractive and with an enthusiastic audience experiencing the stories we show.

Cinemas with 4D rooms and giant screens. Is it an attempt to revitalize the theater experience? How was the acceptance?

If there’s one thing that characterizes the film industry, it’s the search for innovation: disruptive content, cutting-edge technologies, and constant transformation to provide an increasingly demanding audience with a product of the highest quality. The audience comes to our complexes seeking something extra, something they can’t replicate in their living rooms: an increasingly vivid experience.

That’s why we’ve been adding, over time and with great success, rooms with comforts and technological innovations that allow the audience to enjoy a unique sensory spectacle, making our complexes spaces where increasingly immersive experiences are shared.

So far, the audience’s reception has been spectacular, evidenced by the very high occupancy levels of these types of rooms throughout the year, well above average.

What is the criterion when choosing how many dubbed screenings there will be in Argentina, for example? Is it something people ask for? Have you conducted surveys? (As a journalist, I’m constantly told how annoying it is… and often there’s no other option, and many people prefer not to watch it if it’s dubbed.)

The criterion is determined by the demand of our customers in each of the areas where we operate cinemas in Argentina. Surveys are constantly conducted, and we take into account the target audience for each of the movies we release.

What is the work like with the distributor? Why are there some movies that don’t get released in cinemas in Latin America?

Joining forces and synergizing our work with distributors is key in our industry; without mutual support, everything would be much more difficult. In Argentina, the same movies are released weekly as in the rest of the countries in the region.

Is there still room for independent cinema?

Yes, definitely, there is still room for independent cinema, as it remains an important and valuable part of the film industry. Several independent local and foreign films are released every month.

Additionally, in our experience, independent and/or thematic film festivals work very well and offer opportunities for independent films to reach a wider audience and find recognition. It’s another way we provide for everyone to have a place within cinema.

How will people watch «movies» in five years? Will it be in theaters? Like now? In other types of theaters? New experiences?

People will continue to go to the cinema as they do now, and increasingly so, with a growing offering of new formats and innovative technologies for immersive enjoyment of movies.

Are the most anticipated releases always the Hollywood «blockbusters»? (Despite some criticisms from some directors)

While Hollywood releases often generate great anticipation and media attraction, this does not mean they are the only relevant products for us. International cinema, independent cinema, and alternative content generate great interest among the public. We consider that the audience has become more diverse in recent years and demands content that meets their expectations. For us, fostering that diversity has become key to responding to this new form of consumption.

La entrada Martin Alvarez Morales de CINEMARK: «La industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites» se publicó primero en REVISTA META.

Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nace la idea de este libro?

Siempre me gustó escribir, además de dibujar, claro. Llevo escribiendo en mis diarios desde los doce años y mis días en el zoológico también quedaron plasmados.
Solamente tenía que revivirlos y darle forma a la historia. La idea surgió un poco antes de la pandemia; venía escribiendo y trabajando el texto con una correctora desde hacía más de un año.
La cuarentena, el encierro forzado y la nostalgia de aquellos días al aire libre potenciaron la idea de querer publicarlo.
Por alguna razón, viniendo de una rama artística completamente diferente, el destino me había llevado a trabajar en un zoológico y sentía que esa historia tenía que contarla.
También noté que no existía ninguna novela pasional dentro de un zoológico, y estaba contenta que la mía iba a ser la primera.

¿Qué porcentaje es real en tu novela?

Yo diría que es un 10% de ficción y 90% de realidad. Es todo lo que yo viví, contado en primera persona, aunque algunas cosas parezca difícil de creer.

Amás a los animales desde pequeña ¿Cómo fue trabajar en el zoológico?

Amo a los animales desde chiquita, desde que tengo memoria. Me la pasaba observando a los insectos que llegaban a mi balcón y viendo las fotografías de animales salvajes de las National Geographic.
Mi mamá nos llevaba al zoológico a mi y a mis hermanos cada vez que podía porque nos quedaba muy cerca. Yo disfrutaba mucho de esos paseos con tantos animales y en ese momento no estaba mal visto.

El cómo fue, lo cuento en mi libro con lujo de detalles, pero si tuviera que resumirlo en una oración: » Una experiencia única e irrepetible rodeada de animales salvajes.»

Sé que los Zoos no están bien vistos por el público. Lo mismo pasa con la religión. Determinadas ilusiones sobre la libertad les afectan a ambos. «Vida de Pi» (2001), Yann Martel.

¿Tiene sentido un zoo en la ciudad de Buenos Aires?

Siento que me faltan herramientas y conocimientos para responder esa pregunta. La historia del zoológico de Buenos Aires, es fascinante. Sabemos que data del 1888 y cuenta con un patrimonio cultural que realmente es muy rico.
Antes no estaba mal visto, era un paseo placentero y familiar. Hoy en día no podría decir si están bien o mal aunque por supuesto a ningún ser vivo le gusta estar en una jaula.

Sos una joven escritora ¿Es difícil publicar un libro? ¿Cómo hace un escritor que recién comienza?

Lo difícil es escribirlo. Pero difícil en un buen sentido, a modo de desafío. El esfuerzo que demanda es directamente proporcional a lo que viene después.
Si uno cuenta con el dinero, autopublicar es sencillo. También está la opción de recorrer editoriales con el manuscrito.

En mi caso, en plena pandemia y con el mundo en pausa, sentí que no quería esperar y destiné unos ahorros para publicarlo.

Conocía el proceso porque una amiga había publicado unos años atrás su primer novela. Fue hacer un llamado a Editorial Dunken, pagar la primera cuota y luego la segunda.
Después, solo restaba esperarlo.

Una vez publicado hay que hacer promoción y tratar de que llegue a la mayor cantidad de gente posible.

Personalmente me lo tomo con calma y subo cada vez que lo amerita, alguna foto al instagram de Safari. Generalmente son fotos de animales que amablemente me prestan ex compañer@s y amig@s. Celebro cada vez que se vende uno.

¿Se lee como hace algunos años atrás? ¿La gente tiene tiempo de leer?

Afortunadamente existen las y los booktokers. Jóvenes que se dedican a leer y a reseñar libros en las redes sociales.

Esa es una linda manera de hacer promoción. Hay mucha gente que sigue leyendo a pesar de todo el entretenimiento virtual que nos distrae hoy en día.

Pueden comprar ‘SAFARI’ AQUI

La entrada ENTREVISTA: Julieta Vitali, autora de ‘SAFARI’ se publicó primero en REVISTA META.

Greta Gerwig lo hizo otra vez, es decir tomo una tesis, la construyó, la argumento y la exhibió durante dos horas solo para poder, en los últimos párrafos de su ensayo contradecirse totalmente y dejar un mensaje confuso, cuya confusión contribuye a la defensa de aquello que está establecido. Esta película es una suerte de live action de la muñeca que ha influenciado durante décadas a millones de niñas y niños, diré niñes solo para enojar a aquellos que no verán esta película por sentir amenazada su forma de ver el mundo a pesar de que la película es para ellos, en la cual el personaje principal pasa por una suerte de crisis de la mediana edad que la lleva a replantearse su existencia.

En Barbie se nos cuenta la historia de una muñeca Barbie regular que vive en un mundo perfecto que de a poco comienza a tambalear en su perfección debido las dudas existenciales que comienzan a aflorar en la protagonista. Básicamente la historia comienza a hablarnos de la madurez del personaje, la cual no es admitida en ese mundo creado bajo una falsa idea de perfección. Barbie (Margot Robbie) rápidamente se da cuenta que sus nuevas dudas vienen de la persona que juega con ella en el mundo real, porque es un juguete, y por eso decide abandonar Barbieland y llegar al otro mundo en búsqueda de su humana y ayudarla a solucionar sus problemas emocionales, que al mismo tiempo son los propios. La llegada al mundo real crea nuevos conflictos para Barbie y para su compañero, Ken (Ryan Goslin), quien logra comprender el rol que se le ha designado en esa creación y de alguna manera entiende de una forma bastante errónea que él es un oprimido. Ken es el eje de la historia ya que al llegar al mundo real comprende que su rol en Barbieland es menor al mismo tiempo que descubre que pude cambiar esa situación asumiendo el control de su vida.

Los dos primeros actos de la película son sumamente entretenidos y la directora la da un gran ritmo al relato y a la construcción de las escenas. A pesar de encontrarnos en un mundo en el cual todos los personajes son homónimos, a excepción de Allan, el guion se encarga de dejarnos en claro la personalidad, el rol y el nivel de importancia de cada personaje, ya que no es lo mismo el J-Ken interpretado por Simu Liu que aquel que interpreta Kingsley Ben-Adir y eso es un punto a favor de los guionistas. Barbie en cada una de sus variedades muestra una personalidad única que en definitiva no es más que un rótulo pero que en si son el mismo personaje. En su inicio Barbie es una comedia que juega a ser ingenua pero que guarda dentro suyo una reflexión o más.

Barbie es una comedia bien construida, que mantiene su ritmo en sus dos primeros actos pero que a pesar de perder el ritmo en el tercer acto que contiene todo el peso dramático que recae en la muy buena actuación de Ryan Goslin, que eleva a la película hasta hacernos empatizar con su personaje, aunque sus motivaciones nos parezcan erróneas. Por otro lado, Margot Robbie nuevamente da la misma actuación que ya le vimos en ‘I, Tonya’ (Craig Gillespie, 2017) su interpretación de Harley Quinn ‘Birds of Frey’ (Cathy Yan, 2020) y en ‘Babylon’ (Damien Chazelle, 2022), pero de una forma más lavada, sin estridencias, pero haciéndonos saber que la actriz se encuentra en un lugar seguro, no estoy diciendo que Margot Robbie no entregue una buena actuación, sino que es algo que ya ha hecho antes y que está repitiendo en exceso.

En el aspecto técnico la película goza de una fotografía muy bien trabajada por Rodrigo Prieto quien logra construir sobre los contrastes sin desentonar; la edición de Nick Huy, quien ya trabajo con Gerwig en sus anteriores trabajos, no es un elemento a destacar pero su trabajo permite no perdernos la película, es decir hace un buen trabajo al construir la coherencia del relato, la música producida por Mark Ronson y Andrew Wyat logra acompañar los climas y construirlos, sin llegar a ser estridente o molesta.

Si bien la película intenta ser una reflexión sobre el consumismo y el capitalismo, a los que critica con la inserción de Mattel como personaje que solo quiere la producción y reproducción del sistema en definitiva termina siendo un elogio de este, Greta Gerwig juega a la crítica del sistema para terminar resaltándolo y elogiando, de la misma manera que lo hace en ‘Little Women’ y ‘Lady Bird’.

Al final de la película presenciamos una revolución y una contrarrevolución cuya única conclusión es que para los guionistas las sociedades solo se mueven cuando están en peligro sus privilegios y que por eso lo importante es mantener el Status Quo y entregarse a las reglas ya impuestas. En Barbie se nos presenta a una protagonista frívola, fría y carente de empatía que solo logra la empatía cuando sus privilegios se ven en peligro y se sitúa en el lugar de aquel a quien de alguna manera oprime, es decir una visión burguesa de los conflictos sociales más cercana a la derecha reaccionaria que al progresismo.  

En términos marxistas Barbie nos presenta una lucha de clases en la cual los privilegios de unos solo pueden existir siempre y cuando los del otro se vean extintos. Estoy casi seguro de que esto último es un sobre análisis, pero también estoy seguro de poder identificar en la reacción de Ken algo del enojo de los incels, misóginos, los que aluden la existencia de una ideología de género y libertarios para con un sistema, que en su lectura, los irrespeta, niega oportunidades y oprime, se nota en la reacción final un cierto descontento con el sistema al cual quieren cambiar, pero que al no poseer una lectura teórica solo les queda la violencia como herramienta, de alguna manera debemos ver en la forma que se resuelve el conflicto también un elogio al sistema, lo cual nos impulsa nuevamente a reflexionar sobre lo que vemos.  Este empuje a la reflexión que nos propone Barbie la hace una película mucho más interesante que lo que vemos en pantalla ya que tiene varias capas.

Tal vez lo más elogiable de esta película es que ingresamos pensando en dejar de pensar y reflexionar para terminar engañándonos y motivándonos a pensar y discutir sobre su verdadero propósito. Al final podemos decir que toda esa tesis de empoderamiento femenino que construye Gerwig durante dos horas no es más que un elogio al patriarcado ya termina siendo a esas reglas impuestas las que los protagonistas aceptan. Es una película que nos permite subestimarla para finalmente hacernos dar cuenta de nuestro error. 

8 de 10

La entrada CINE: Reseña de ‘BARBIE’ se publicó primero en REVISTA META.

Antes de empezar cualquier reseña sobre Oppenheimer debo decir que de la obra de Cristopher Nolan aquellas películas que me gustan me parecen realmente buenas y que aquellas que no me gustan me parecen realmente malas, con Nolan no hay medias tintas y ya que no es necesario decir cuáles son las que me gustan y cuáles no pasaré a la reseña pero primero debo decir otra cosa: el director pensó y sugirió que su película para ser vista en cine, se vea en la pantalla más grande posible y la verdad es que al igual que Dunkirk (2017) verla en cine le agrega un valor extra la experiencia.

En Openheimer Christopher Nolan nos cuenta la historia de Robert Oppenheimer, el físico encargado del proyecto Manhattan, es decir el proyecto por medio del cual el gobierno de EE.UU. respondió al proyecto Uranio de los nazis, del también celebre físico alemán Werner Heisenberg en ambos casos la finalidad era crear un arma nuclear que sirva para acabar la segunda guerra mundial. Nolan en esta ocasión deja de lado el uso del artificio para darle lugar a la fábula por lo cual se concentra en crear una historia. Pero Nolan es Nolan no puede abandonar al artificio por lo cual en esta película hace lo que uno espera que un buen narrador haga, relegar el artificio al rol de herramienta al servicio de la construcción de la historia.

La historia se concentra en tres líneas temporales que se presentan en forma de flashback, por un lado, tenemos a Robert Oppenheimer, en 1949 siendo interrogado por un comité que lo investiga por sus supuestas actividades comunistas en la época que trabajaba en la construcción de la bomba atómica, secuencia que se relaciona directamente con los flashback que nos cuentan la construcción del arma y el otro periodo en el que se concentra la atención de la historia es en 1959 durante las sesiones del congreso de Estados Unidos para aprobar el pliego de Lewis Strauss como secretario de comercio, Strauss enemigo declarado de Oppenheimer es el encargado de presentar, en forma flashback, al físico y sus dilemas morales e ideológicos. Nolan trabaja muy bien estás tres líneas temporales y sus saltos dándole mucho dinamismo y ritmo a su relato.

La historia en si presenta ciertos dilemas que rozan lo ridículo viniendo de dónde vienen, ya que tiene un mensaje anti belicista y pro desarme desde un país cuyo poder se construyó a base de guerras y de la superioridad armamentística sobre otros pueblos, es decir desde hace un tiempo cualquier mensaje pacifista proveniente de cualquier potencia me resulta hipócrita, pero esa es una visión personal que a lo mejor no interfiera para que se tome a esta película como alegato contra las guerras.

En Oppenheimer el director hace gala de todos sus recursos y los enfoca en la construcción de cada plano, dé cada escena y de cada fotograma que se nos muestra, es una película que tiene volumen, es decir músculos, si bien puede parecer un capricho innecesario el desprecio del director a los efectos digitales está muy bien justificado en pantalla el trabajo en los efectos prácticos ya que se sienten reales. En ese sentido la película logra generar un gran impacto por medio del sonido y su mezcla. La música a cargo de Ludwig Goransson acompaña el trabajo de Nolan dándole profundidad a las escenas. En general la composición que nos entregan la dirección, el montaje, la fotografía, la mezcla de sonido y la música crean un efecto de peso que le dan fuerza a las muy buenas actuaciones de todo el reparto  pero sobretodo el protagonista Cillian Murphy quien nos entrega un personaje entre confundido y atormentado que intenta sobrellevar el peso de sus acciones.

Matt Damon, nuevamente demuestra que es un gran actor al igual que Robert Downey Jr, que juega un rol de suma importancia en la historia que se nos cuenta, Gary Oldman aparece durante tan solo dos minutos interpretando a un Harry Truman que logra generar odio, más que nada por la profundidad con la que dice las palabras de su parlamento y sus gestos, sin duda Oppenheimer es una película bien dirigida y bien actuada. Que cuenta una historia apoyada en los recursos que tiene el director sin que estos distraigan o desvíen la atención de lo que se cuenta.

Basada en la novela biográfica American Prometheus, escrita Kai Bird y Martin J. Sherwin, de dónde tal vez venga el mayor pecado de la película, que es tratar de lavarle la cara a tal vez el responsable de una de las mayores masacres de la historia de la humanidad, disfrazado desde un sentido de patriotismo y un miedo al avance de los nazis la película intenta justificar la forma en que a pesar de conocer las consecuencias de sus actos el protagonista y sus socios siguen adelante con su obra, la película todo el tiempo quiere ponernos en frente posibles antagonistas como Edward Teller quien quiere crear una bomba termonuclear o al gobierno de Estados Unidos que intenta seguir con su carrera armamentista a pesar de que la guerra ha terminado pero en ningún momento logra hacernos olvidar que el responsable es el protagonista.

En definitiva, Nolan logra construir una buena película en la cual el centro es la historia y no los recursos o trucos cinematográficos. Oppenheimer es una película de tres horas en la cual la mayoría de las escenas son diálogos y muy pocas escenas algo parecido a la acción, pero aun así logra que el tiempo pase rápido o que el espectador se olvide de esto para entregarse al disfrute de una buena narración y una historia bien contada.

10 de 10

La entrada CINE: Reseña de ‘OPPENHEIMER’ se publicó primero en REVISTA META.