Hablar con Andrés Buhar no fue una entrevista en el sentido clásico, sino algo más cercano a una conversación abierta. No hubo un orden rígido de preguntas y respuestas, sino una charla que se fue desplegando con naturalidad, casi como una obra en proceso. Las ideas aparecían, se conectaban entre sí y abrían nuevos caminos. Como suele pasar cuando se habla de arte, una palabra llevaba a otra, una reflexión a una imagen, y de ahí a una pregunta más amplia. La conversación avanzaba sin necesidad de cerrarse, dejando la sensación de que siempre había algo más por pensar, un loop posible, infinito.

Hablar de arte, inevitablemente, es filosofar. No desde un lugar solemne, sino como algo bastante natural: preguntarse por lo que creamos, por lo que consumimos y por el sentido de todo eso. La charla con Buhar se movía ahí, entre lo concreto y lo abstracto, sin forzar nada. Al final, todo volvía a lo mismo: la experiencia real, lo que nos pasa. Y quizá esa sea la única pregunta que importa, aunque mejor no abrirla demasiado, porque podría no terminar nunca.

Entre anécdotas, ideas y proyectos, aparecía esa reflexión constante sobre el lugar del arte hoy, su necesidad y su capacidad de abrir espacios; físicos y simbólicos, para pensar y sentir, quizá, de otra manera.

Cuando escuché por primera vez sobre Arthaus sentí esa mezcla rara de sorpresa y entusiasmo: eso que solemos admirar cuando viajamos y vemos en otras ciudades del mundo, pero que ahora existe acá, en pleno microcentro porteño. No es solo un lugar que alberga arte, sino un espacio donde el arte se vive como experiencia. Una propuesta singular en Buenos Aires, difícil de comparar.

Buhar cuenta que la idea tomó forma en plena pandemia: ese paréntesis global que detuvo el ritmo de todo, también abrió un tiempo inesperado para imaginar. “No hay que sobrepensar”, dice. Y la frase resuena porque va a contramano de esa parálisis que a veces generan las ideas cuando se quedan girando en la cabeza. La clave, sugiere, es hacer: accionar, bajar lo imaginado a tierra. Arthaus nació, en parte, de un impulso creativo: la necesidad de transformar la pausa en movimiento. Incluso reflexiona que, sin aquel contexto extraordinario, quizás el proyecto no existiría tal como lo conocemos hoy.

Y de pronto resuena la frase de David Thoreau: «Si has construido castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué perderse; ahí es donde deben estar. Ahora coloca las bases debajo de ellos».

La conversación se movía como el arte mismo: una palabra llevaba a un recuerdo, una imagen abría otra reflexión. Pensar el arte hoy, en estos tiempos cada vez más líquidos, como anticipó Zygmunt Bauman, implica preguntarse por su lugar: qué dice, cómo circula y de qué manera sigue dialogando con nuestra experiencia cotidiana.

Los números dicen que cada vez menos gente va al cine. Y la pregunta se extiende: ¿qué pasa con las exhibiciones de arte? En ese contexto, espacios como Arthaus proponen otra lógica. No se trata solo de programar música, teatro o cine, sino de experiencias que invitan a habitar el arte de otra manera: ver una película desde una terraza, por ejemplo, sentado en una reposera, dejando que la obra dialogue con el entorno. Más que competir con las pantallas, la apuesta parece ser recuperar el encuentro y convertirlo en experiencia.

Hay algo casi mágico en el lugar, y no es casual. Cuando el arte se vive de cerca aparece esa sensación de descubrimiento, como si cada detalle abriera una nueva lectura. En la charla surgieron referencias que iban de obras icónicas a colectivos como Mondongo, ligado a una experiencia personal de Buhar: una obra que, más allá de cualquier valor, lo emociona. En ese gesto se entiende que para él el arte es un vínculo vivo: algo que te toca, te acompaña.

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos.” Marcel Proust

Hablar con él fue confirmar que Arthaus no es solo un espacio cultural: es una forma de pensar cómo queremos habitar el arte hoy. En su discurso aparece una convicción clara: el arte tiene que seguir vivo, incomodar, exigir, convivir con nosotros como una presencia activa.

Volver a su infancia ayuda a entender el mapa: la empresa era herencia; la música, refugio y una forma temprana de libertad (qué es la libertad es otra conversación). Hoy esas dos dimensiones conviven. Compone cuando puede, sin romantizar el proceso, sabiendo que crear también es administrar el tiempo. También rescata la vitalidad cultural argentina, capaz de producir con intensidad incluso en contextos adversos.

La pasión aparece como motor, pero no basta por sí sola. Andrés Buhar no habla de suerte ni de recetas; más que entusiasmo, transmite seguridad: dice lo que piensa con la claridad de quien sabe lo que defiende, sin pretender que sea la verdad absoluta.

Buhar sonríe ante la idea de planificación extrema. Arthaus nació hace pocos años y emociona. Dice que, en realidad, no lo pensó demasiado. Hoy reconoce que está contento de que el proyecto funcione, pero su mirada nunca se queda en lo que ya logró. No hubo una certeza previa de éxito ni un cálculo: más bien una decisión de avanzar. “No pensé mucho. A veces me preguntan si imaginé que iba a ser así… y la verdad es que no. Me gusta que funcione, claro, pero ya estoy pensando en lo que sigue, en qué sumar, en cómo expandir. Nunca me detuve demasiado en si iba a salir bien. Simplemente lo hice.”

¿Cómo cambia nuestra forma de entender el arte hoy, en un contexto atravesado por redes y transformaciones constantes?

A.B: El arte es un concepto work in progress. El arte no es algo fijo sino un concepto en permanente transformación: se construye, se discute y se redefine con el tiempo. Lo que hoy consideramos arte quizás años atrás no lo hubiera sido, porque nuestra mirada cambia, y justamente ahí radica su potencia. El arte trabaja sobre cómo vemos el mundo y cómo nos vemos a nosotros mismos. Frente a la pregunta clásica de para qué sirve, marca una diferencia con los saberes técnicos: mientras la ingeniería o la arquitectura resuelven problemas concretos, el arte opera en otro plano.

La banana

La obra creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, consiste en una banana real pegada a una pared con cinta plateada acompañada de un certificado de autenticidad que permite reemplazar la fruta. Fue subastada en Nueva York por Sotheby’s por $6.2 millones de dólares. El empresario Justin Sun compró la obra y, poco después, se comió la banana en una conferencia de prensa.

Buhar la lee como un gesto cargado de ironía: una fruta común, casi un chiste, que se pudre rápido, atada con cinta de la manera más precaria posible y agrega: “Todo ahí contradice la idea clásica de obra duradera, hecha de bronce o mármol para la eternidad. En cambio, esto existe sabiendo que va a desaparecer. La tensión crece cuando esa pieza efímera se subasta por millones: ¿qué se está comprando realmente? ¿El objeto, la idea, la experiencia? Ahí aparece el juego del arte conceptual, que no busca solo ser contemplado sino activar una pregunta. Más que ofrecer una respuesta, la obra funciona como disparador: nos obliga a revisar qué entendemos por valor, por materialidad y por experiencia”.

Cómo logra una obra generar reflexión y abrir debate sin buscar solo provocar? Recuerdo la obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana”.

A.B: La obra de León Ferrari en su momento generó debate; hacía tiempo que no se hablaba tanto de un artista por lo que había hecho. Y eso también es parte del juego, buscar la provocación, o decidir no hacerlo. Porque la provocación no es una sola cosa: es un territorio amplio. A veces provocar por provocar no conduce a nada; otras, aparece una obra que sí logra abrir algo y generar sentido. Por eso es difícil generalizar fuera de contexto, y más aún sin saber qué puede pasar mañana. En ese marco, muchas veces lo más interesante no es solo la obra en sí, sino el debate que despierta. Para mí, lo verdaderamente complejo no es la provocación… es la indiferencia.

¿Qué implica hoy hablar de arte ‘elitista’ y arte ‘popular’?

A.B.: Hablar de elitismo y de lo popular implica reconocer que no todos partimos del mismo lugar. Cada persona enfrenta realidades, tiempos y urgencias distintas, y eso condiciona el espacio que tiene para acercarse al arte o simplemente disfrutarlo. Comprender algo, o tener el tiempo para hacerlo, también depende de qué necesidades básicas estén resueltas en la vida cotidiana.

Por eso me cuesta cierta idea de meritocracia que supone que todos competimos en igualdad de condiciones. No es lo mismo el valor del dinero ni del tiempo cuando está en juego lo básico que cuando eso ya está garantizado. Si yo tengo 10.000 pesos y de eso depende que hoy pueda comer, ese dinero vale todo: vale la vida. En cambio, si esa necesidad está cubierta, la misma plata puede convertirse en un gusto o un viaje. Ahí se ve claramente cómo cambian las prioridades. Lo mismo pasa con el tiempo y la tranquilidad: no todos disponemos del mismo margen para parar, disfrutar o simplemente darnos un respiro.

¿Cómo impactan la inteligencia artificial y la aceleración tecnológica en nuestra forma de pensar y percibir el mundo?

A.B.: No me preocupa la herramienta en sí, sino la velocidad con la que todo ocurre. Ese ritmo constante puede erosionar nuestra capacidad de procesar lo que vivimos, y ahí es donde la subjetividad empieza a diluirse. El arte es un lugar para frenar, pensar y recuperar una mirada propia.

A veces lo comparo con el choque entre sociedades que se encontraban con transformaciones tan abruptas que no había tiempo para asimilarlas ni construir un marco simbólico para entenderlas. Algo parecido pasa hoy con nuestra percepción del tiempo. En el siglo XX, avances como el auto o el avión cambiaron la experiencia de la velocidad, pero había un período de adaptación. Hoy todo parece acelerarse sin pausa: contenidos que cambian cada segundos, plataformas diseñadas para sostener una atención fragmentada, incluso películas pensadas sabiendo que el espectador mira el celular. Todo eso modifica nuestra relación con el tiempo y plantea una pregunta de fondo: ¿cuál es nuestro tiempo interno frente a esta aceleración constante?

Hace un siglo el trabajo era también físico: caminar, levantar, construir, cosechar… el cuerpo gastaba energía de forma natural. Cuando ese esfuerzo desapareció, aparecieron los gimnasios para compensarlo. Entonces me pregunto si no necesitamos algo parecido para la mente: una especie de gimnasio intelectual, porque cada vez ejercitamos menos el pensamiento. Y ahí hay un desafío real.

¿Cómo se construye una mirada propia frente a una obra en un contexto dominado por algoritmos y opiniones externas?

A.B: Reconocer qué te pasa frente a una obra es, en el fondo, un ejercicio de mirada crítica y de afirmación personal. No alcanza con decir “me gusta” o “no me gusta”: Se trata de entender desde qué lugar miramos. Esa diversidad de posiciones es valiosa porque amplía la percepción y no debería vivirse como confrontación. El conflicto aparece cuando la lógica de las redes reduce esa pluralidad a likes, algoritmos y nichos que refuerzan certezas en lugar de abrir preguntas. Recuperar espacios donde la diferencia pueda convivir sin agresión, y donde la experiencia sea más intercambio que consumo, se vuelve entonces una forma de preservar una mirada propia.

Buhar no da un consejo explícito, pero sugiere no quedarse paralizado por la búsqueda de genialidad o la validación externa. Recomienda partir de algo que despierte interés y explorarlo, observando qué te provoca en el proceso. Crear, insiste, es un misterio que se sostiene en la curiosidad y la autenticidad: no se trata de perseguir resultados, sino de encontrar un vínculo verdadero con lo que uno hace y dejar que eso marque el camino.

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Andrés Buhar and Arthaus: How to inhabit art today

by Valeria Massimino

Talking with Andrés Buhar didn’t feel like a traditional interview so much as an open-ended conversation. There was no rigid sequence of questions and answers, but a dialogue that unfolded naturally, almost like a work in progress. Ideas surfaced, connected, and opened new paths. As often happens when discussing art, one word led to another, one reflection to an image, and from there to a broader question. The conversation moved forward without needing closure, leaving the sense that there was always more to think about,  a possible, endless loop.

To talk about art is, inevitably, to philosophize. Not from a solemn place, but as something quite natural: questioning what we create, what we consume, and the meaning behind it all. The exchange with Buhar moved in that space, between the concrete and the abstract, without forcing anything. In the end, everything circled back to the same point: lived experience, what actually happens to us. And perhaps that is the only question that matters, though it’s better not to open it too far, because it might never end. Between anecdotes, ideas, and projects, a constant reflection emerged about the place of art today, its necessity and its ability to open spaces, both physical and symbolic, for thinking and feeling in new ways.

When I first heard about Arthaus, I felt that unusual mix of surprise and excitement: the kind of thing we admire when traveling and seeing cultural spaces in other cities,  except this one exists here, in downtown Buenos Aires. It’s not simply a venue that houses art, but a space where art is experienced. A singular proposal in the city, difficult to compare.

Buhar explains that the idea took shape during the pandemic , that global pause that halted everything and unexpectedly opened time to imagine. “Don’t overthink it,” he says. The phrase resonates because it runs counter to the paralysis that ideas sometimes produce when they keep spinning in our heads. The key, he suggests, is to act,  to bring imagination down to earth. Arthaus was born, in part, from that creative urgency: the need to transform pause into movement. He even reflects that without that extraordinary context, the project might not exist as we know it today.

Suddenly, a line by Henry David Thoreau echoes the spirit of that moment:
“If you have built castles in the air, your work need not be lost; that is where they should be. Now put the foundations under them.”

The conversation moved like art itself: one word led to a memory, an image opened another reflection. Thinking about art today,  in these increasingly liquid times, as anticipated by Zygmunt Bauman, means asking where it stands: what it says, how it circulates, and how it continues to dialogue with everyday experience.

The numbers suggest fewer people are going to movie theaters. The question expands: what about art exhibitions? In that context, spaces like Arthaus propose another logic. It’s not only about programming music, theater, or film, but about creating experiences that invite people to inhabit art differently, watching a movie from a rooftop terrace, for instance, sitting in a lounge chair, letting the work converse with its surroundings. Rather than competing with screens, the aim seems to be recovering shared presence and turning it into experience.

There’s something almost magical about the place, and it isn’t accidental. When art is lived up close, a sense of discovery appears, as if each detail opens a new reading. During the conversation, references ranged from iconic works to collectives like Mondongo, connected to a personal experience of Buhar’s: a piece he acquired that moves him beyond any market value. In that gesture, it becomes clear that for him art is a living bond, something that touches you and stays with you.

A line by Marcel Proust captures that idea:
“The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes.”

Talking with him confirmed that Arthaus is not just a cultural venue,  it’s a way of thinking about how we want to inhabit art today. His discourse carries a clear conviction: art must remain alive, capable of unsettling, demanding, and coexisting with us as an active presence.

Looking back at his childhood helps map that trajectory: business was inheritance; music was refuge and an early form of freedom (what freedom means is another conversation). Today, those dimensions coexist. He composes when he can, without romanticizing the process, aware that creating also means managing time. He also highlights Argentina’s cultural vitality, its capacity to produce intensely even under adverse conditions. Passion appears as an engine, but not enough on its own. Buhar doesn’t talk about luck or formulas; more than enthusiasm, he conveys assurance,  speaking with the clarity of someone who knows what he stands for without presenting it as absolute truth.

He smiles at the idea of extreme planning. Arthaus is only a few years old and already emotional for him. He admits he didn’t overcalculate. Today he’s happy the project works, but his gaze never lingers on what’s already achieved. There was no certainty of success, just a decision to move forward. “I didn’t think too much. Sometimes people ask if I imagined it would be like this… honestly, I didn’t. I’m glad it works, of course, but I’m already thinking about what comes next,  what to add, how to expand. I never stopped to wonder if it would turn out well. I just did it.”

How does our understanding of art change today, in a context shaped by networks and constant transformation?

A.B.: Art is a work in progress. It isn’t fixed; it’s continuously built, debated, and redefined over time. What we consider art today might not have been recognized as such years ago, because our gaze evolves, and that’s precisely its strength. Art works on how we see the world and ourselves. Faced with the classic question of usefulness, it differs from technical disciplines: while engineering or architecture solve concrete problems, art operates on another plane.

The banana

The work created by Maurizio Cattelan consists of a real banana taped to a wall with silver duct tape, accompanied by a certificate of authenticity allowing the fruit to be replaced. It was auctioned in New York by Sotheby’s for $6.2 million. Entrepreneur Justin Sun purchased the piece and later ate the banana at a press conference.

Buhar reads it as an ironic gesture: an ordinary fruit (almost a joke) that rots quickly, attached in the most precarious way. “Everything contradicts the classical idea of a durable artwork meant to last forever. This exists knowing it will disappear. The tension grows when something ephemeral sells for millions: what are you really buying,  the object, the idea, the experience? That’s where conceptual art activates a question. Rather than offering answers, it pushes us to rethink value, materiality, and experience.”

How can an artwork provoke reflection and debate without simply seeking provocation?  Thinking of León Ferrari’s La civilización occidental y cristiana

A.B.: Ferrari’s work sparked enormous debate; it had been a long time since an artist generated that level of discussion. Provocation is part of the game, whether you seek it or not, but it isn’t a single thing. Sometimes provocation leads nowhere; other times it opens meaning. Context matters. Often what’s most interesting isn’t the piece alone, but the conversation it creates. For me, the real challenge isn’t provocation, it’s indifference.

What does it mean today to talk about “elitist” versus “popular” art?

A.B.: It means recognizing we don’t all start from the same place. People face different realities, urgencies, and time constraints, which shape their access to art. Understanding something, or having time for it, depends on basic needs being met. That’s why meritocracy can be misleading. Money and time don’t hold the same meaning when survival is at stake. If I have money that determines whether I eat, that’s life itself. If that need is covered, the same amount becomes leisure. The same applies to time: not everyone has the same margin to pause and enjoy.

How do artificial intelligence and technological acceleration impact our thinking?

A.B.: The tool doesn’t worry me, the speed does. Constant acceleration erodes our ability to process experience, and subjectivity begins to blur. Art becomes a space to slow down and recover perspective. It reminds me of historical moments when societies encountered abrupt change without time to assimilate it. Today, content cycles in seconds, platforms fragment attention, even films assume viewers check their phones. It alters our relationship with time and raises a question: what happens to our inner tempo? A century ago, physical labor naturally exercised the body; now we use gyms. Perhaps we need intellectual gyms,  because we’re exercising thought less and less.

How do we build an independent gaze in an algorithm-driven culture?

A.B.: Recognizing what happens to you in front of an artwork is an act of critical awareness. It’s not enough to say “I like it” or “I don’t.” You need to understand where your perspective comes from. Diversity of viewpoints expands perception. The problem arises when networks reduce that plurality to likes and niches reinforcing certainty. Preserving spaces where difference can coexist, where experience is exchange rather than consumption,  is essential to maintaining a personal gaze.

Buhar doesn’t give a strict formula, but suggests not freezing in pursuit of genius or external validation. Start with something that sparks interest and explore what it awakens. Creation, he insists, is sustained by curiosity and authenticity. It’s less about chasing results than building a real relationship with what you do, and letting that guide the path.

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Una celebración musical para toda la familia

El domingo 7 de diciembre de 2025, el Teatro Gran Rex se transformó en un escenario de fantasía con Navidad en las películas, un espectáculo musical construido a partir de las bandas sonoras más representativas del cine navideño, que logra conmover desde el primer acorde.

La propuesta invita a sumergirse en un universo reconocible y emotivo, donde el cine y el teatro musical se encuentran para dar forma a una experiencia pensada para grandes y chicos. A lo largo de la función, música, relato y puesta en escena se articulan con una estética cinematográfica cuidada y envolvente, capaz de apelar tanto a la nostalgia como al espíritu festivo propio de estas fechas.

Uno de los ejes narrativos del espectáculo es el universo de Un cuento de Navidad de Charles Dickens, con Raúl Lavié en el rol de Mr. Scrooge, cuya presencia aporta jerarquía, calidez y una fuerte carga emotiva. Su interpretación funciona como hilo conductor de una puesta que dialoga con otros clásicos del imaginario navideño sin perder cohesión ni ritmo.

La puesta en escena es, sin dudas, uno de los grandes aciertos de la noche. Más de 100 artistas en escena —entre músicos, coro de adultos, coro de niños, bailarines y actores— construyen cuadros de gran impacto visual y sonoro. La participación de los niños resulta especialmente conmovedora: sus interpretaciones se destacan por la entrega, la frescura y la precisión, generando algunos de los momentos más emotivos de la función.

El vestuario suma color, humor y carácter a la propuesta. Las caracterizaciones del Grinch y de Papá Noel aportan cercanía y encanto visual, reforzando el clima festivo y lúdico que atraviesa todo el espectáculo.

Bajo la dirección musical de Joel Villagra y Florencia Battista, la obra encuentra un equilibrio preciso entre potencia sonora y sensibilidad narrativa. La música en vivo, sostenida por una orquesta de gran despliegue, acompaña cada escena con solidez y emoción, potenciando el clima cinematográfico sin perder la esencia teatral.

Más allá del despliegue técnico y artístico, Navidad en las películas se vive como una celebración colectiva. Es un espectáculo que invita a emocionarse, a compartir y a reencontrarse con historias que forman parte del imaginario común, recordando el valor del teatro como experiencia compartida.

Al final de la función, el público se levanta con el corazón lleno y una sonrisa. Durante aproximadamente una hora y media, el Gran Rex se convierte en un espacio donde la música, el cine y la Navidad dialogan con sensibilidad y calidez. Navidad en las películas es, sin dudas, una propuesta altamente recomendable para toda la familia, ideal para cerrar el año desde la emoción y el disfrute compartido.

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El dramaturgo y director argentino, Mariano Tenconi Blanco, definió a su última obra, Madre ficción, que se presenta actualmente en el teatro Metropolitan Sura, como su trabajo más autobiográfico. Más allá de eso, las marcas características de su dramaturgia están más que presentes en esta nueva propuesta del autor de La vida extraordinaria y Las cautivas, entre muchos otros espectáculos que pasaron por la cartelera porteña: la intertextualidad, el desborde de la palabra, lo discursivo.

El título Madre ficción resume en una conjugación perfecta el sentido de la obra y abre muchos significados que deberá completar el espectador. Es que la obra cuenta la historia de un escritor, Carlos Butti (Diego Velázquez), al que en el año 1993 le encargan escribir una pieza teatral para la Comedia Nacional de Montevideo, que se va a presentar en el Teatro Solís de esa ciudad. Bloqueado creativamente y sin rumbo fijo en relación a lo que quiere contar, en un momento se ilumina: qué mejor que escribir sobre su madre uruguaya (Valeria Lois) y su abuela Rosa, también oriunda del país vecino. Así que Carlos irá desgranando la vida de esas dos mujeres que huyeron de Uruguay hacia la Argentina. Esas dos madres que llegaron a la maternidad en circunstancias muy distintas, pero lucharon por sus hijxs de igual forma. 

La realidad de la historia materna se convertirá en ficción, pero a la vez el espectador verá la ficción del escritor buscando su inspiración mientras le pasan cosas, como por ejemplo, enamorarse y empezar una relación con Jennifer (Camila Peralta), una militante de izquierda. Y, finalmente, será testigo de la obra materializada cuando se estrena en la capital uruguaya. La ficción dentro de la ficción, dentro de la ficción, como una suerte de esas puestas en abismo de los cuadros del Barroco.

Dicho esto, no es necesario aclarar que la metateatralidad está presente todo el tiempo. Es una obra absolutamente metateatral en la que también se plantea para qué sirve la ficción, para qué sirve el teatro. Carlos y Jennifer lo ponen abiertamente en discusión en varias oportunidades. Por otro lado, como ya dijimos, la intertextualidad es una característica primordial e insoslayable. La estructuración en forma de diario íntimo de Carlos remite a los espectadores más avezados a Manuel Puig y también a Mario Levrero que, en La novela luminosa, escribe sobre un escritor que debe entregar su novela, pero como está bloqueado redacta un diario sobre la imposibilidad de escribir esa novela. Además, remite al mismo Tenconi Blanco, que usó ese recurso en La vida extraordinaria.

Las citas a Idea Vilariño, a Delmira Agustina, China Zorrilla y Osvaldo Laport, entre otros, también juegan con la intertextualidad, lo mismo que la construcción de la historia de amor entre Carlos y Jennifer: es imposible no pensar en las comedias románticas noventosas por la forma en la que está construida. Lo mismo sucede en el monólogo de Rosa (Camila Peralta): hay algo de lo gauchesco tanto en el relato como en la construcción del habla del personaje.

De este modo, la historia transcurre entre el humor y el drama. Por eso es destacable el impecable trabajo de los cuatro actores. Además de los mencionados, Marcos Ferrante interpreta al padre del escritor y a varios personajes secundarios que aparecen en distintos momentos, como el mozo, el hermano o el mismo Laport. Los músicos Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova acompañan con música en vivo y, en algunos momentos, interactúan con los personajes. Por último, la escenografía en desniveles parte desde una propuesta no realista y son los actores los que construyen los lugares por los que la trama transita.

En definitiva, Madre ficción es una propuesta de calidad en el teatro comercial, quizá porque usa todos los recursos que son habituales en el teatro independiente o en el oficial. No apela a espectadores pasivos buscando evadirse durante las casi dos horas que dura el espectáculo. Por el contrario, divierte, emociona e invita a pensar en cuántas ficciones hay en una vida, para qué hacer teatro, cómo se construye la inspiración… En fin, a cada persona del público se le despertarán distintas preguntas y en eso está la riqueza de la propuesta.

Madre ficción se presenta los jueves a las 22 hs. en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343 – CABA).

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Elenco: Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y Valeria Lois
Músicos en escena: Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova
Música original: Ian Shifres
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Vestuario: Mariana Seropian sobre un diseño original de Cecilia Bello y Johanna Bresque
Iluminación: Matías Sendón
Coreografía: Jazmín Titiunik
Producción: Carolina Castro
Producción general: Comedia Nacional de Montevideo y Compañía Teatro Futuro

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La acción se sitúa en un tiempo indeterminado, en una nación que ha sufrido la invasión por parte de un país vecino. En ese contexto, dos monjas dan asilo a un joven militante político perseguido por el ejército.

Juan Carlos Gené nos propone un texto dramático provocador, que desnuda la relación de la Iglesia con las fuerzas militares y políticas. Siguiendo la línea que inaugura Antígona, será la fortaleza de las mujeres la que enfrente el poder de los opresores.

Viernes a las 22:30 hs. – Teatro El Popular – Chile 2080 – CABA
Instagram: @golpesamipuerta
Entrada general: $ 12.000 

Ficha técnica

Elenco: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro – Diseño de luces: Federico Flotta – Diseño gráfico: Debora Longobardi y Nayla Perujo – Diseño de imagen: Nayla Perujo – Fotografía: Gabo Rugiero – Prensa: Guadalupe Farina – Asistente de dirección: Armando Serrato Martínez Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

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Ver teatro independiente siempre hace bien al alma. Esta vez visitamos Teatro Border para ver Un paso atrás, obra de Matías Vitali, quien escribe, dirige y también actúa. Con un elenco numeroso, la pieza es intensa, conmueve y sacude. Hay mucho por decir, denunciar y contar, y la obra lo hace con un delicado equilibrio entre comedia y drama, incomodando al espectador con una mirada punzante y dolorosa sobre la realidad.

El teatro es comunicación, un llamado de atención, un espacio para despertar. Un paso atrás lo asume con valentía. Como dice la frase: “un paso atrás, pero solo para tomar envión”. No hay que retroceder. No más vendas en los ojos, y recordar que siempre hay que mirar de frente y seguir luchando, especialmente en estos tiempos.

De qué trata

Joaquín, un docente de primaria, queda envuelto en un escándalo tras la filtración de sus videos en OnlyFans. Al borde del suicidio después de ingerir una sobredosis de pastillas, su decisión se ve interrumpida por una inesperada fiesta sorpresa —de la que nadie parece querer irse— y por un grupo de padres que se atrinchera en su casa.

Una experiencia intensa

El relato se mueve entre saltos temporales que exigen atención: cada detalle importa y cada palabra cuenta. Con diálogos abundantes, la obra mezcla risas, grotesco y absurdo, que lejos de alejar, acerca al espectador a la incomodidad que propone. Incluso los personajes se animan a cantar, sumando capas a la experiencia. Son dos horas en las que el mensaje se afirma con fuerza y llega directo al público.

Todas las actuaciones están a la altura. Cada personaje tiene historia, profundidad, varios momentos para brillar y mostrar su pesar. Matías Vitali pisa el escenario con fuerza y seguridad; las tablas parecen su lugar en el mundo, comprometido tanto con su personaje como con el mensaje que desea transmitir. También sobresalen la naturalidad y virtuosismo de Silvina Galas y Silvina Jontef, así como el histrionismo de Alejandro Souto, Gabriel Ahumada y Sol Castiello, quienes aportan energía y carisma a cada escena.

Un teatro necesario

Entre risas incómodas y reflexiones que no dejan indiferente, Un paso atrás aborda con inteligencia y valentía temáticas que muchas veces se esconden: identidad, exclusión, la presión de los prejuicios sociales, la idea de la familia “perfecta” (donde todos se odian), y las apariencias que cultivamos. Ambientada en Santa Teresita, un pueblo donde todo se sabe y los secretos parecen multiplicarse, la obra muestra cómo estallan las tensiones cuando lo privado se vuelve público. Con humor ácido y una mirada incisiva sobre la condición humana, más que una comedia, es una experiencia que desafía al espectador y reafirma por qué el teatro sigue siendo un espacio de resistencia, imprescindible para no repetir los errores del pasado.

TODOS LOS SABADOS 22 HORAS
EN TEATRO BORDER Godoy Cruz 1838, CABA.
ENTRADAS: https://tinyurl.com/58hk342r

Jauría Teatro es una compañía teatral fundada por Matías Vitali y Alejandro Souto.

Desde el 2007 producen espectáculos en el circuito de teatro off. Normalmente, la compañía realiza puestas en escena sobre la dramaturgia del mismo director, Matías Vitali. Llevan más de una docena de espectáculos estrenados a la fecha.

Realizaron temporadas localmente en la Ciudad de Buenos Aires y funciones de gira en el Conurbano Bonaerense, por las provincias y en Uruguay, donde fueron invitados a realizar presentaciones e impartir seminarios. La búsqueda estética tiene que ver con el desarrollo de nuevas poéticas y la ruptura y reutilización de convenciones. Los procesos creativos suelen ser arduos, de mucha búsqueda y ensayo, llevando al extremo mecanismos de producción inusuales en el teatro independiente de Argentina.

Ficha técnica

Elenco: Agustín Friedt, Alejandro Souto, Araceli Napoli, Clarisa Portaluppi, Diego Nardomarino, Flora Aylen, Florencia Weiss, Gabriel Nicolás Ahumada, Laura Laiguera, Leandro Patané, Mara González, Maru Boggio, Matias Vitali, Nicolas Cogo, Silvina Galas, Silvina Jontef, Sol Castiello.

Fotografía: Laura Laiguera y Matías Vitali

Diseño gráfico: Laura Laiguera

Diseño sonoro: Matías Vitali

Escenografía e iluminación: Lucas Pardeau

Producción ejecutiva: Alejandro Souto y Matías Vitali

Asistente de dirección: Ana Laura Castañiza y Martina Amadeo Paz

Dramaturgia y dirección: Matías Vitali

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La noche del 22 de marzo, el Teatro del Pueblo se convirtió en un escenario de energía y emoción con el estreno de IRREVERENTES, la más reciente creación de José María Muscari. Esta comedia dramática, impulsada por el DGEART y el Ministerio de Cultura de la Ciudad, nos sumerge en la vitalidad de un grupo de adultos mayores que desafían los límites del tiempo con irreverencia y pasión.

La obra aborda la vejez desde una óptica poco convencional. Lejos de la nostalgia o la resignación, sus protagonistas despliegan confesiones inesperadas, rescatan canciones de juventud y desbordan emociones, demostrando que la edad no es un freno para el deseo ni para los sueños.

El alma de IRREVERENTES está en su elenco. Los 27 actores en escena ofrecen un trabajo coral impecable, con una sincronización admirable y una entrega que traspasa las tablas. La dirección de Muscari es precisa, manteniendo un ritmo vibrante que nunca decae. El uso de recursos audiovisuales, como la proyección de imágenes de los actores en su juventud, aporta una dimensión nostálgica y conmovedora a la puesta en escena.

La escenografía, sencilla pero efectiva, se complementa con un vestuario colorido que refleja la personalidad de cada personaje. Iluminación y sonido trabajan en sintonía para generar una atmósfera envolvente, potenciando la carga emotiva del relato.

Uno de los aspectos más destacables de la obra es la cercanía que se establece entre los actores y el público. El recibimiento personalizado a la entrada del teatro crea un ambiente cálido y acogedor. Además, el emotivo homenaje a los actores fallecidos añade una nota de sensibilidad y respeto. Sin embargo, en ese tributo un actor es mencionado, un recuerdo que pesa de manera diferente, la sombra de su comportamiento pasado, en concreto, su trato hacia una compañera, se siente entre las líneas. Este detalle, lejos de romper la emoción, añade una capa de realismo y complejidad al homenaje.

IRREVERENTES resuena con un llamado a la acción: perseguir los sueños, aquí y ahora. La obra nos recuerda que la plenitud vital no entiende de edades, y que las pasiones siempre encuentran su momento. No es solo una obra de teatro, sino una celebración de la vida en todas sus etapas. Con humor, ternura y una buena dosis de provocación, nos recuerda que nunca es tarde para desafiar los mandatos, romper moldes y, sobre todo, seguir soñando.

TEATRO DEL PUEBLO 

Lavalle 3636. Capital Federal – Buenos Aires – Argentina 

Teléfonos: 75421752 

Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar 

Domingo – 18:00 hs – Hasta el 27/04/2025 y Del 05/04/2025 al 27/04/2025 

Sábado – 20:00 hs – Hasta el 27/04/2025 y Del 05/04/2025 al 27/04/2025 

Ficha técnico artística: 

Dramaturgia: José María Muscari 

Intérpretes: Jorge Alarcón, Mónica Alessandría, Sonia Andrade, Felisa Apel, Luis Caballero, Catalina Contartese, María de Cousandier, Emilio De Feo, Luis Giussani, Lydia Heguy, Mirta Israel, Jorge Kohen, Osvaldo Malizia, Vivi Manusia, Eduardo Marengo, Jorge Muno, Nestor Nieto, Julio Alberto Pallares, Alejandra Piazzalonga, Amanda Polverini, Silvia Porro, Fabio Querciotti, Paula Resnik, Alejandra Rubio, Ricardo Streiff, Daniel Toppino, Maria Elisa Vidali 

Video: Mariela Asensio, Federico Bezenzette 

Fotografía: Federico Bezenzette 

Aporte Creativo: Cristian Morales 

Asistencia general: Emanuel González 

Asistencia de dirección:Ana Di Toro 

Prensa: Varas & Otero

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Desde Revista Meta quisimos echar un ojo a esta obra que viene cosechando desde hace mucho tiempo elogios, nominaciones, y un “boca en boca” estupendo. 

Siempre ir a ver lo que hace en el escenario la exquisita Verónica Llinás es un muy buen plan, pero hacerlo en esta obra en particular es directamente una cita obligada. 

La premisa es interesante y prometedora: Una actriz diva de la televisión, entrada en años, debe interpretar nada más y nada menos que a uno de los personajes más clásicos de la dramaturgia universal, pero una especie de ataque de pánico escénico, cuya raíz explorará el desarrollo de la obra, se adueña de ella por completo y decidirá cancelar el estreno. Esta desmedida acción, pondrá en juego muchas cosas entre ella y su asistente o representante, o mayordomo, o chofer, o todo eso junto. Entre otras cosas, pondrá en juego el vinculo personal y laboral que los ata. 

La pieza, cuya narración es clásica y lineal, se encargará muy bien, en una primera y extensa parte, de poner sobre la mesa quiénes son estos dos protagonistas. Un despacho de acciones relacionadas al maltrato y el abuso nos mostrarán la jerarquía reinante en este vínculo. Al principio, llama la atención que la obra haga tan extensa su parte expositiva o introductoria, pero a medida que avanza el relato y, sobre todo, cuando el personaje descubre y confiesa la raíz de su estado nervioso, aquella decisión dramatúrgica cobrará sentido. Además, resulta necesaria para que dramáticamente funcione ese giro desconcertante que provoca dicha confesión. 

Una vez que la obra toma ese nuevo rumbo, se pone cada vez más y más interesante, rompiendo una estaticidad imperante hasta entonces en la puesta en escena, complejizando la trama, y desnudando (literal) a los personajes en sus distintas capas. Todo concluye con un más que satisfactorio desenlace que nos deja algunas preguntas y que no le esquiva a la reflexión. Su punto más fuerte, y que hace sistema dentro de un todo, es la naturaleza de la tragedia. Aquella que está ahí, que la vemos venir, pero que decidimos ignorarla. ¿Cuál es la verdadera tragedia? se pregunta la obra. Y su posible respuesta generará a más de a uno, una inevitable identificación. O catarsis, en términos griegos, ya que estamos. 

Las actuaciones son todas excelentes. Destaca la inmensa y arrolladora capacidad escénica de Llinás y sus infinitos recursos expresivos, tanto para la comedia que está presente desde el minuto uno hasta el final, como para aquellos momentos más íntimos. Nunca repite un recurso, despliega juegos actorales constantemente y hace de su personaje uno bien dinámico y tridimensional. Otro trabajo que llama la atención es el de Darío Lopilato, que abandona lo efectista de su labor más reconocida, para comprometerse en la verdadera composición de un personaje. También apela a recursos que demuestran lo buen actor que es.

Antígona en el baño, es la cita perfecta de calle corrientes, donde abundan obras que se resignan con simpleza a lo efectivo y no ofrecen nada más. Acá encontraremos una obra capaz de invitar a un humor accesible, entendible, inclusivo, pero que no abandona otras capas, y que dialoga con más de un público objetivo. Excelentemente actuada, dramatúrgicamente hábil, con una puesta acorde, que mantiene al espectador entretenido en todo momento. Verónica Llinás, y su “no Antígona” es imperdible. 

FICHA TÉCNICA

DIRECCIÓN Laura Paredes – Verónica Llinás
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Sabrina Arias
ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
ILUMINACIÓN: Eli Sirlin 
PRODUCCIÓN GENERAL  Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

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Familia, es una comedia sencilla pero efectiva, con una poderosa premisa y que destaca por la labor de sus intérpretes.

El Teatro Border aloja en su cartelera a Familia dirigida por Sebastian Bauza, los viernes a las 22:30 h. La obra es una adaptación teatral de la película de Fernando Leon de Aranoa.
Un hombre reúne a su familia, quien lo espera para sorprenderlo en el aniversario de su
cumpleaños. La fiesta se supone que debe ser ideal, pero extraños comportamientos y
situaciones rarísimas comienzan a suscitarse hasta que finalmente comprendemos por qué.
La pieza va capitalizando intriga a medida que nos acercamos a la revelación de la verdadera premisa del espectáculo, una premisa muy poderosa y que no vamos a spoilear por ser de los aspectos más interesantes de la obra. Una vez que comprendemos la razón de todas aquellas situaciones desconcertantes que venían sucediendo, el humor empieza a
acentuarse y el ritmo no para de crecer.

Aquello que la obra logra capitalizar se diluye un poco hacia el ultimo tramo cuando las
sorpresas se terminan y el final se precipita muy rápido. Pero a pesar de que su dramaturgia
no sea lo más desarrollado, el espectáculo no deja nunca de divertir, y eso es en gran parte
por la excelente labor actoral de sus intérpretes. Todos y cada uno están perfectamente
amoldados a su personaje. Quiero destacar el trabajo de Lorena Saizar quien carga de
dinamismo, simpatía y naturalidad a las escenas. También es tremendamente disfrutable ver
a Antonela Scattolini Rossi desplegar sus multiples recursos actorales para llenar de matices,
juegos escénicos y comportamientos extra cotidianos a su memorable “tia”.

Al elenco lo completan Christian Bellomo, Pato Censi, Valentina Frione, Amancay Espindola
que está deliciosa e hilarante, Segundo Pinto, Mariano Ulanovsky y Bianca Vicari. Todos
aciertan en los recursos que emplean para que sus personajes hagan sistema dentro del
todo. Nadie abandona el ritmo ni la gracia, todos se prestan a la vorágine de entradas y
salidas que la puesta propone en sus multiples espacios. Aunque a veces, sea un poco difícil
distinguir dónde están los personajes ya que algunas convenciones espaciales se tornan
difusas.

La reflexión sobre las dinámicas de nuestras relaciones familiares es inevitable. Es imposible
dejar de pensar en lo fluido de nuestros roles, en el personaje que nos hacemos para
representar ante nuestras familias, las multiples máscaras que nos colocamos. ¿Es que acaso ser “familia” implica llevar adelante una ficción? ¿Vamos habitando diferentes roles que nos alejan de nuestra autenticidad? ¿Es la mentira una forma de acompañar nuestras soledades?Familia es un espectáculo que divierte y atrapa desde el primer momento, y que se presenta como un excelente plan de fin de semana cuando lo que queremos es dejar a un lado las complejidades, y relajarnos disfrutando de una simple, hermosa y, siempre bienvenida, comedia.

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nace la idea de este libro?

Siempre me gustó escribir, además de dibujar, claro. Llevo escribiendo en mis diarios desde los doce años y mis días en el zoológico también quedaron plasmados.
Solamente tenía que revivirlos y darle forma a la historia. La idea surgió un poco antes de la pandemia; venía escribiendo y trabajando el texto con una correctora desde hacía más de un año.
La cuarentena, el encierro forzado y la nostalgia de aquellos días al aire libre potenciaron la idea de querer publicarlo.
Por alguna razón, viniendo de una rama artística completamente diferente, el destino me había llevado a trabajar en un zoológico y sentía que esa historia tenía que contarla.
También noté que no existía ninguna novela pasional dentro de un zoológico, y estaba contenta que la mía iba a ser la primera.

¿Qué porcentaje es real en tu novela?

Yo diría que es un 10% de ficción y 90% de realidad. Es todo lo que yo viví, contado en primera persona, aunque algunas cosas parezca difícil de creer.

Amás a los animales desde pequeña ¿Cómo fue trabajar en el zoológico?

Amo a los animales desde chiquita, desde que tengo memoria. Me la pasaba observando a los insectos que llegaban a mi balcón y viendo las fotografías de animales salvajes de las National Geographic.
Mi mamá nos llevaba al zoológico a mi y a mis hermanos cada vez que podía porque nos quedaba muy cerca. Yo disfrutaba mucho de esos paseos con tantos animales y en ese momento no estaba mal visto.

El cómo fue, lo cuento en mi libro con lujo de detalles, pero si tuviera que resumirlo en una oración: » Una experiencia única e irrepetible rodeada de animales salvajes.»

Sé que los Zoos no están bien vistos por el público. Lo mismo pasa con la religión. Determinadas ilusiones sobre la libertad les afectan a ambos. «Vida de Pi» (2001), Yann Martel.

¿Tiene sentido un zoo en la ciudad de Buenos Aires?

Siento que me faltan herramientas y conocimientos para responder esa pregunta. La historia del zoológico de Buenos Aires, es fascinante. Sabemos que data del 1888 y cuenta con un patrimonio cultural que realmente es muy rico.
Antes no estaba mal visto, era un paseo placentero y familiar. Hoy en día no podría decir si están bien o mal aunque por supuesto a ningún ser vivo le gusta estar en una jaula.

Sos una joven escritora ¿Es difícil publicar un libro? ¿Cómo hace un escritor que recién comienza?

Lo difícil es escribirlo. Pero difícil en un buen sentido, a modo de desafío. El esfuerzo que demanda es directamente proporcional a lo que viene después.
Si uno cuenta con el dinero, autopublicar es sencillo. También está la opción de recorrer editoriales con el manuscrito.

En mi caso, en plena pandemia y con el mundo en pausa, sentí que no quería esperar y destiné unos ahorros para publicarlo.

Conocía el proceso porque una amiga había publicado unos años atrás su primer novela. Fue hacer un llamado a Editorial Dunken, pagar la primera cuota y luego la segunda.
Después, solo restaba esperarlo.

Una vez publicado hay que hacer promoción y tratar de que llegue a la mayor cantidad de gente posible.

Personalmente me lo tomo con calma y subo cada vez que lo amerita, alguna foto al instagram de Safari. Generalmente son fotos de animales que amablemente me prestan ex compañer@s y amig@s. Celebro cada vez que se vende uno.

¿Se lee como hace algunos años atrás? ¿La gente tiene tiempo de leer?

Afortunadamente existen las y los booktokers. Jóvenes que se dedican a leer y a reseñar libros en las redes sociales.

Esa es una linda manera de hacer promoción. Hay mucha gente que sigue leyendo a pesar de todo el entretenimiento virtual que nos distrae hoy en día.

Pueden comprar ‘SAFARI’ AQUI

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Los viernes a las 20:30 hs el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556. CABA) ofrece en su programación un unipersonal grotesco que cautiva desde el inicio y que no suelta al espectador hasta su bellísimo final. Se trata de V.H.S. 

Nicolas Capristo, quien también es el protagonista de esta pieza, escribió esta dramaturgia que destaca por su fluidez y su sorpresa constante. La historia nos sumerge en la vida de una persona que disfruta de consumir películas en formato vhs y de coleccionarlas. Su pasado y sus traumas dejaron heridas que el relato nos irá mostrando mientras va vinculando todo lo que le acontece con sus héroes de ficción. Como una Alicia cayendo por el agujero, la narración se hace carne y en un viaje casi lisérgico iremos descubriendo lo que hace que el personaje viva en las condiciones en las que lo hace. El texto es muy llevadero, contiene ingeniosos procedimientos y su estructura está muy bien ocultada, lo que hace que cada momento despierte la sorpresa y se transite desde el asombro. 

La puesta en escena es muy bella, plagada de guiños y simbolismos, y dialoga a la perfección con toda la propuesta integral estética, siendo éste uno de los puntos fuertes del espectáculo: lo visual. El trabajo sobre la plástica de los objetos, utilería y escenografía es impecable y emociona cuando la interpretación de Capristo se encarna junto a ellos. La performance del actor es especial y cálida. Maneja muy bien los tiempos escénicos y se entrega en formas y expresiones físicas y vocales que elevan la calidad del acontecimiento teatral. Logra componer un personaje alegre y trágico, lleno de marcas dolorosas que se compra al espectador desde la ternura absoluta. Esta creación despierta en el público una empatía que es necesaria para llegar al fondo de la temática que aborda. 

A pesar de que algunos momentos puedan resultar un poco largos, la dirección de Tomás Soko se las ingenia para que esto no se vea reflejado en el ritmo general de la obra, que tiene la particularidad de atrapar desde el primer artilugio escénico hasta el último. Esto lo logra empleando recursos lumínicos, sonoros, y abstractos que construyen climas verdaderamente inquietantes. 

Hay que destacar una labor maravillosa que es la de la composición musical de Malena Caporaletti. Realmente impresionante ese trabajo que es la otra dramaturgia indispensable que completa la pieza. 

Los prejuicios que el espectador medio pueda tener sobre los unipersonales con este espectáculo quedan anulados. Es una obra por demás divertida, tierna, emocionante, muy bien interpretada y que regala bellísimos momentos que son fotografías mentales que uno se llevará para siempre. 

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