El dramaturgo y director argentino, Mariano Tenconi Blanco, definió a su última obra, Madre ficción, que se presenta actualmente en el teatro Metropolitan Sura, como su trabajo más autobiográfico. Más allá de eso, las marcas características de su dramaturgia están más que presentes en esta nueva propuesta del autor de La vida extraordinaria y Las cautivas, entre muchos otros espectáculos que pasaron por la cartelera porteña: la intertextualidad, el desborde de la palabra, lo discursivo.

El título Madre ficción resume en una conjugación perfecta el sentido de la obra y abre muchos significados que deberá completar el espectador. Es que la obra cuenta la historia de un escritor, Carlos Butti (Diego Velázquez), al que en el año 1993 le encargan escribir una pieza teatral para la Comedia Nacional de Montevideo, que se va a presentar en el Teatro Solís de esa ciudad. Bloqueado creativamente y sin rumbo fijo en relación a lo que quiere contar, en un momento se ilumina: qué mejor que escribir sobre su madre uruguaya (Valeria Lois) y su abuela Rosa, también oriunda del país vecino. Así que Carlos irá desgranando la vida de esas dos mujeres que huyeron de Uruguay hacia la Argentina. Esas dos madres que llegaron a la maternidad en circunstancias muy distintas, pero lucharon por sus hijxs de igual forma. 

La realidad de la historia materna se convertirá en ficción, pero a la vez el espectador verá la ficción del escritor buscando su inspiración mientras le pasan cosas, como por ejemplo, enamorarse y empezar una relación con Jennifer (Camila Peralta), una militante de izquierda. Y, finalmente, será testigo de la obra materializada cuando se estrena en la capital uruguaya. La ficción dentro de la ficción, dentro de la ficción, como una suerte de esas puestas en abismo de los cuadros del Barroco.

Dicho esto, no es necesario aclarar que la metateatralidad está presente todo el tiempo. Es una obra absolutamente metateatral en la que también se plantea para qué sirve la ficción, para qué sirve el teatro. Carlos y Jennifer lo ponen abiertamente en discusión en varias oportunidades. Por otro lado, como ya dijimos, la intertextualidad es una característica primordial e insoslayable. La estructuración en forma de diario íntimo de Carlos remite a los espectadores más avezados a Manuel Puig y también a Mario Levrero que, en La novela luminosa, escribe sobre un escritor que debe entregar su novela, pero como está bloqueado redacta un diario sobre la imposibilidad de escribir esa novela. Además, remite al mismo Tenconi Blanco, que usó ese recurso en La vida extraordinaria.

Las citas a Idea Vilariño, a Delmira Agustina, China Zorrilla y Osvaldo Laport, entre otros, también juegan con la intertextualidad, lo mismo que la construcción de la historia de amor entre Carlos y Jennifer: es imposible no pensar en las comedias románticas noventosas por la forma en la que está construida. Lo mismo sucede en el monólogo de Rosa (Camila Peralta): hay algo de lo gauchesco tanto en el relato como en la construcción del habla del personaje.

De este modo, la historia transcurre entre el humor y el drama. Por eso es destacable el impecable trabajo de los cuatro actores. Además de los mencionados, Marcos Ferrante interpreta al padre del escritor y a varios personajes secundarios que aparecen en distintos momentos, como el mozo, el hermano o el mismo Laport. Los músicos Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova acompañan con música en vivo y, en algunos momentos, interactúan con los personajes. Por último, la escenografía en desniveles parte desde una propuesta no realista y son los actores los que construyen los lugares por los que la trama transita.

En definitiva, Madre ficción es una propuesta de calidad en el teatro comercial, quizá porque usa todos los recursos que son habituales en el teatro independiente o en el oficial. No apela a espectadores pasivos buscando evadirse durante las casi dos horas que dura el espectáculo. Por el contrario, divierte, emociona e invita a pensar en cuántas ficciones hay en una vida, para qué hacer teatro, cómo se construye la inspiración… En fin, a cada persona del público se le despertarán distintas preguntas y en eso está la riqueza de la propuesta.

Madre ficción se presenta los jueves a las 22 hs. en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343 – CABA).

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Elenco: Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y Valeria Lois
Músicos en escena: Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova
Música original: Ian Shifres
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Vestuario: Mariana Seropian sobre un diseño original de Cecilia Bello y Johanna Bresque
Iluminación: Matías Sendón
Coreografía: Jazmín Titiunik
Producción: Carolina Castro
Producción general: Comedia Nacional de Montevideo y Compañía Teatro Futuro

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El dúo Cohn-Duprat regresa a la pantalla grande con Homo Argentum, un largometraje compuesto por 16 cortometrajes, todos protagonizados por Guillermo Francella. La propuesta, con una realización cuidada, se plantea como una radiografía del “gen argentino” y dispara preguntas: ¿Qué nos hace argentinos? ¿Cómo somos los argentinos? Según la película, la respuesta es poco alentadora.

La tan mentada “viveza criolla” se despliega en 16 relatos que nos retratan como ambiciosos, desmedidos, corruptos, orgullosos, perversos, ladrones y fanfarrones. Rasgos negativos que, no obstante, conviven con cierto sentido del humor y una dosis de humanidad que nos vuelve “terribles, pero no tan terribles”. Básicamente, la descripción del ser humano en general. Lo que nos hace específicamente argentinos, al menos para mí, no queda del todo claro en este proyecto.

De las 16 historias, algunas resultan muy logradas, entretenidas y con un vuelo interesante si se las observa como cortometrajes independientes. Otras, en cambio, se sienten irrelevantes, sin el peso dramático ni la consistencia que requiere un buen corto. Parecen más bien “descartes” que terminaron incluidos para completar el conjunto. Algo curioso es que cada pieza, tomada por separado, está bien planteada y muy bien actuada, pero en el total no logran redondear una idea unificadora.

El ejemplo más recordado de este formato episódico es, tal vez, la magistral Relatos salvajes de Damián Szifron: historias que funcionan por sí mismas, pero que dialogan entre sí y suman a un concepto general. En Homo Argentum, en cambio, si no fuera por el título, costaría encontrar un hilo que vincule a esos personajes. Tampoco hay una progresión narrativa clara: el orden elegido para presentar los cortos resulta anticlimático. Al final, la sensación es la de haber visto 16 cortometrajes sueltos y no una película. Podría uno haberse ido a mitad de función —o llegado una hora tarde— sin que la experiencia cambiara demasiado. Quizás esto sea intencional o, incluso, un reflejo de cómo consumimos ficción hoy, en la era digital. Entre los relatos más logrados, destaco el del trabajador de seguridad, el del ascensor y el del juguete de Miami.

Francella es el indiscutido motor de la película. Cuando el guion pierde brillo, él recurre a su arsenal interpretativo para darle vida a cada personaje. Hace tiempo que demostró ser un actor sólido, aunque pareciera que aún hay quienes lo ponen a prueba. En este caso, opta por ir a lo seguro, y le funciona: por momentos está divertido, ágil y dinámico. Sin embargo, su omnipresencia llega a saturar. El exceso de planos centrados en él vuelve repetitivo el recurso, y la película respira recién cuando se le da más espacio a los demás personajes. Mención especial merece el trabajo de caracterización, maquillaje, peinado y vestuario, que complementa de forma impecable su actuación.

En definitiva, Homo Argentum es una comedia episódica, familiar, con cierto espíritu crítico y un buen ritmo general. Alterna aciertos y altibajos, pero ofrece escenas graciosas y absurdas muy logradas. Expone —con un sesgo discutible— algunas de nuestras miserias humanas (más que argentinas), y logra entretener durante buena parte de su metraje.

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Desde Revista Meta quisimos echar un ojo a esta obra que viene cosechando desde hace mucho tiempo elogios, nominaciones, y un “boca en boca” estupendo. 

Siempre ir a ver lo que hace en el escenario la exquisita Verónica Llinás es un muy buen plan, pero hacerlo en esta obra en particular es directamente una cita obligada. 

La premisa es interesante y prometedora: Una actriz diva de la televisión, entrada en años, debe interpretar nada más y nada menos que a uno de los personajes más clásicos de la dramaturgia universal, pero una especie de ataque de pánico escénico, cuya raíz explorará el desarrollo de la obra, se adueña de ella por completo y decidirá cancelar el estreno. Esta desmedida acción, pondrá en juego muchas cosas entre ella y su asistente o representante, o mayordomo, o chofer, o todo eso junto. Entre otras cosas, pondrá en juego el vinculo personal y laboral que los ata. 

La pieza, cuya narración es clásica y lineal, se encargará muy bien, en una primera y extensa parte, de poner sobre la mesa quiénes son estos dos protagonistas. Un despacho de acciones relacionadas al maltrato y el abuso nos mostrarán la jerarquía reinante en este vínculo. Al principio, llama la atención que la obra haga tan extensa su parte expositiva o introductoria, pero a medida que avanza el relato y, sobre todo, cuando el personaje descubre y confiesa la raíz de su estado nervioso, aquella decisión dramatúrgica cobrará sentido. Además, resulta necesaria para que dramáticamente funcione ese giro desconcertante que provoca dicha confesión. 

Una vez que la obra toma ese nuevo rumbo, se pone cada vez más y más interesante, rompiendo una estaticidad imperante hasta entonces en la puesta en escena, complejizando la trama, y desnudando (literal) a los personajes en sus distintas capas. Todo concluye con un más que satisfactorio desenlace que nos deja algunas preguntas y que no le esquiva a la reflexión. Su punto más fuerte, y que hace sistema dentro de un todo, es la naturaleza de la tragedia. Aquella que está ahí, que la vemos venir, pero que decidimos ignorarla. ¿Cuál es la verdadera tragedia? se pregunta la obra. Y su posible respuesta generará a más de a uno, una inevitable identificación. O catarsis, en términos griegos, ya que estamos. 

Las actuaciones son todas excelentes. Destaca la inmensa y arrolladora capacidad escénica de Llinás y sus infinitos recursos expresivos, tanto para la comedia que está presente desde el minuto uno hasta el final, como para aquellos momentos más íntimos. Nunca repite un recurso, despliega juegos actorales constantemente y hace de su personaje uno bien dinámico y tridimensional. Otro trabajo que llama la atención es el de Darío Lopilato, que abandona lo efectista de su labor más reconocida, para comprometerse en la verdadera composición de un personaje. También apela a recursos que demuestran lo buen actor que es.

Antígona en el baño, es la cita perfecta de calle corrientes, donde abundan obras que se resignan con simpleza a lo efectivo y no ofrecen nada más. Acá encontraremos una obra capaz de invitar a un humor accesible, entendible, inclusivo, pero que no abandona otras capas, y que dialoga con más de un público objetivo. Excelentemente actuada, dramatúrgicamente hábil, con una puesta acorde, que mantiene al espectador entretenido en todo momento. Verónica Llinás, y su “no Antígona” es imperdible. 

FICHA TÉCNICA

DIRECCIÓN Laura Paredes – Verónica Llinás
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Sabrina Arias
ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
ILUMINACIÓN: Eli Sirlin 
PRODUCCIÓN GENERAL  Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

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La dialéctica amo-esclavo siempre es un tema interesante de reflexión, sobre todo porque es un tema que dialoga inexorablemente con nuestro presente (No importa cuando leas esto). Pero es especialmente atractivo sumergirse en el análisis si la temática está abordada por la particular dramaturgia de Norman Briski, tan asfixiante, fragmentada, de poética abstracta por momentos y por otros de una crudeza tan concreta que duele. Es el caso de No te vayas con amor o sin él. Un homenaje a la neurosis, la contradicción y la histeria, pero enmarcado en un relato de despotismo y de lucha de poderes. 

La trama gira en torno a la señora de la casa que padece de limitaciones físicas que la obligan a depender de su Mucama. La dinámica entre ellas es clara: una orden, obediencia, y a escuchar la radio un ratito, acaso el único vínculo con el mundo exterior. Pero todo lo perverso se pone en crisis y se agrava cuando la mucama anuncia que conoció a un hombre con el cual se irá de viaje. Entonces todo se profundiza y se enloquece, tornándose cada vez más oscuro y tétrico.

La obra está muy bien planteada en general, pero destaca en dos aspectos sustanciosos de su abordaje. El primero, y fundamental, las actuaciones: Julieta Beaufays y Romina Seguí hacen una labor descollante. Ambas, poderosas, expandidas y gigantes en el escenario. Despliegan inagotables recursos corporales y vocales que llenan de matices y sorpresas justo antes de que dichos recursos se agoten. Dignas de premiación, juntas complotan escénicamente con una química poco frecuente, estallando las interpretaciones en múltiples metáforas. Acertadísima la decisión de la directora Daniela Rizzo de poner el foco en la poética del cuerpo, en procedimientos brechtianos y en la biomecánica de Meyerhold. Un gran manejo del artificio apoyado en mecánicas repeticiones, sonidos simbólicos y en la adopción animal de la forma. 

Otro aspecto verdaderamente destacable es el del diseño de luces a cargo de Miguel Solowej. La iluminación es una de las grandes responsables, junto a la exquisita música de Pablo Bronzini, de generar atmosferas densas y sugerentes a través de los distintos usos que se le da. Realmente es un deleite a los sentidos lo que ocurre visualmente. Una explotación de mínimos recursos que logra grandes resultados. 

En términos de puesta en escena está muy bien aprovechado el juego escénico con los elementos de los que se vale para construir situaciones pictóricas bellas, misteriosas y salvajes. Es una puesta muy fotogénica, en el sentido de que cada momento es una foto que permanece en la retina un buen rato. A veces da la sensación de que algunas decisiones espaciales no parecen acomodarse a las posibilidades de la sala. Como, por ejemplo, la ubicación de su gran velador, que literalmente interfiere en el campo visual de algunos espectadores. Sin embargo, el resultado general no deja de apreciarse. 

La obra es un tesoro que merece ser descubierto por la mayor cantidad de personas porque estamos ante una dramaturgia excelsa, interpretada de manera magistral por sus actrices, llena de matices, humor y que, sin caer en solemnidades, invita una vez más a repensar el callejón sin salida de la lucha de poder, la paradoja angustiante que no tiene solución. Ir al Vera Vera (Vera 108) los sábados a las 20.30 hs. es una obligación si queremos ver teatro del bueno. 

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Inspirada en la vida de Judy Garland nace esta obra que es biográfica, pero que bien podría ser la historia de tantas otras infancias obligadas a trabajar y/o a mantenerse en los estándares de una industria perversa.

Proyecto Garland está escrita por su protagonista Marina Munilla y por Gerardo Grillea, quien también se hace cargo de la dirección. El elenco se completa con Gastón Biagioni y Leonardo Murúa. Los domingos a las 20 h en NoAvestruz, Humboldt 1857.

La obra es un viaje etílico por esa tortuosa y desesperada travesía que va desde el nacimiento de una estrella hasta su ocaso. De manera fragmentada y desordenada, las piezas de la vida de Judy Garland van configurando un entramado de abusos, excesos, desamores y auxilios desoídos. Al principio, creeríamos estar ante un astro hollywoodense más cuya fábrica de hacer éxitos la empuja a la adicción, pero lentamente la obra nos irá revelando las máscaras que esconden a los verdaderos responsables de ese factor que arruinó su vida. 

Con un ir y venir en saltos temporales, a través de voces que como fantasmas se hacen presentes en su ausencia, y con una logradísima puesta en escena, la obra nos acerca a la ansiedad, el ahogo, la multiplicidad de estímulos, y nos invita a un viaje de emociones que prioriza la experiencia sensorial por sobre la cognitiva. Razón por la cual puede ser una buena idea interiorizarse brevemente sobre la vida de Judy antes de ver el espectáculo para poder disfrutar más de esa hermosa historia presentada entre fragmentos. 

El espacio, cautivante y lúdico, promete que cada uno de estos fragmentos sea contado a través de propuestas que ponen énfasis en lo pictórico y estético, que sitúan a los personajes en situaciones a veces surrealistas, a veces descarnadas. Y la promesa se cumple, pues lo que vemos es un dinámico juego entre una imagen y otra. Hay canciones, hay coreografías, arte visual y sonoro, hay silencios y hay gritos. Todo está ideado para que prime el juego corporal y físico. Todo está contado y atravesado desde por y para el cuerpo. Y eso es algo que se agradece, en un circuito teatral cuya estética predominante es la del realismo de historias sucediendo en el living de una casa. 

Las interpretaciones son, sin embargo, las verdaderas protagonistas de este espectáculo. Es descomunal el trabajo de Marina Munilla como Judy. Su cuerpo, extrañado, afectado y emocionado se luce en cada una de las escenas. Sus capacidades físicas contribuyen a la verosimilitud del personaje, y la potencia y color de su voz cantada valen por sí misma la experiencia. Maneja al personaje como quiere, valiéndose de múltiples recursos, y puede ir y venir de un código a otro, como una verdadera malabarista de la actuación. El elenco masculino acompaña más que bien, aportando el contrapeso necesario para que la historia tenga un sentido y no sea un simple derroche de talento. 

Es destacable el diseño de iluminación que logra climas e imágenes que perduran en la retina una vez desvanecidas. Por momentos, la luz abarca un poco de más y contribuye a cierta dispersión que desenfoca la atención, pero cada movimiento y desplazamiento está tan medido y cuidado que no logra ser un verdadero problema. De hecho, algunas imprecisiones que pudieran manifestarse, o situaciones confusas sobre los instantes finales que a lo mejor pierden cierta potencia, no entorpecen ni logran empañar el resultado integral. La obra es un todo maravilloso que invita a la indignación y posterior reflexión. Es muy difícil no empatizar con Garland y comprender la desdicha desde su inocencia. La emoción en los ojos de los espectadores así lo atestigua. 

Más que recomendable propuesta donde la calidad está garantizada por todas las aristas que componen al espectáculo. 

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Hablar sobre Indiana Jones sin poner en juego la nostalgia es un tanto problemático ya que el personaje nos acompaña desde 1981 con tres películas que son parte de la historia de la mayoría de los cinéfilos y porque la cuarta le debe su fallida existencia a esa nostalgia. A pesar de la nostalgia y de cierta alegría vinculada con el hecho de sentarse frente a otra aventura del doctor Henry Jones tengo una opinión que pretende ser objetiva, aunque todos sabemos que la objetividad no existe.

Si bien la película en su presentación en el Festival de Cannes fue aplaudida por un ejército de snobs que simplemente por miedo a figurar como haters agitaban las manos sin entender si lo que vieron era bueno o malo, esta película está siendo atacada, tal vez de forma exagerada por una crítica pretenciosa. Fui al cine sin haber escuchado o leído a las críticas, esperando lo que uno siempre espera de este tipo de historias y en una primera impresión puedo decir que no me ha decepcionado. Es que la quinta película de Indiana Jones es una reformulación justa de este personaje ya que expone al personaje a los mismos inconvenientes a los que se ve expuesto siempre, pero esta vez de forma más lenta y con mucho más mal humor.

Indiana Jones 5 es una película en una época en la cual todos intentan innovar aburriendo, contando cuasi historias repetitivas y largas que no aportan nada y apuestan a lo seguro que es repetir la fórmula del éxito, pero sin la espalda de Spielberg y Lucas ¿eso es bueno, es malo? No sabría decirlo, pero al menos intentan mantener el status de clásico que obtuvo la franquicia. Indiana Jones 5 es una película de Indiana Jones y no intenta renegar de eso, desde que comienza hasta su final la película respeta sus propios canones impuestos hace más de cuarenta años.

Al parecer la apuesta de los productores es que Indy tenga una despedida un poco mas digna de lo que fue Indiana Jones and the Kingdom of the Cristal Skull (2008, Steven Spielberg) esta película está llena de referencias orientadas a los fans de la saga más que a los nuevos espectadores, lo cual es una apuesta valiente. Hay que tomar en cuenta que para los más jóvenes ver a Harrison Ford como protagonista absoluto no sea un atractivo especial pero la película en si logra divertir.

En esta película se nota la ausencia de Spielberg y eso es algo bueno porque al mismo director le costó estar al nivel que el mismo impuso en el pasado y tomando en cuenta el  fallido de The Fabelmans (Steven Spielberg, 2022) es bueno que haya dejado esta película a un director más joven, capaz de acoplarse a la narrativa de este tipo de historias pero al mismo tiempo capaz de imponerle su propio ritmo, James Mangold es consciente de que juega con los personajes de Spielberg y está a la  altura, pero no a la altura del Spielberg actual sino de aquel a quien le interesaba entretener al público y contar historias.

Mangold construye una buena historia que logra hacer olvidar a la anterior entrega pero no solo se debe destacar su trabajo la fotografía de Phedon Papamichael y la edición, vertiginosa de Andrew Buckland, Michael McCusker y Dirk Westervelt aportan a la construcción general sin robar el centro de la escena, siendo una herramienta de la narración y no lo único interesante de esta narración.  Estaría de más hablar de la música del maestro John Williams, pero sería irrespetuoso no mencionarlo, sobre todo porque siempre es emocionante y efectiva.

Mangold es capaz de mantener el ritmo durante casi dos horas y media de película en que si bien al final logra desinflarse un poco nunca deja de ser emocionante. Se podría decir que con media hora menos y algo menos de explosión habría logrado una película soberbia, pero no voy a juzgarlo por haberse entusiasmado con su juguete, lo que entrega está muy lejos de ser malo tanto como de ser pretenciosa y en una época de directores aburridos y pretenciosos se agradece la diversión, Mangold no entrega todo lo que esperamos de Indiana Jones los paisajes exóticos, las persecuciones, los puentes cuerda, las peleas en bares, el látigo y el sombrero.

Al comienzo de la película básicamente nos encontramos con el doctor Henry jones peleando con los nazis, sus clásicos enemigos, pero que esta vez están en retirada, quienes nuevamente lo arrastran a la búsqueda de un Mcguffin que es el eje de la historia. En esta ocasión el doctor está acompañado de su amigo Basil Shaw (que al igual que Indy se ocupa de apropiarse de tesoros que no les pertenecen con la excusa de rescatarlas para algún museo de algún país imperialista) quien se obsesiona con el dial de Arquímedes, elemento que mas de veinte años después es buscada por el Doctor Voller (Mads Mikkelsen) un Nazi que trabaja para el gobierno de EEUU, ya que este elemento puede ayudarlo a alterar el curso de la historia. Si bien la película es protagonizada por el doctor Jones quien mueve la trama es Helena (Phoebe Waller-Bridge), la hija de Shaw , quien resulta, inteligente, carismática y encantadora (el material ideal para hacer enojar a los odiadores de la inclusión, aunque no sea forzada y sea el motor de la trama)  quien no tiene fines tan ‘nobles’ como indiana. Las actuaciones de todo el elenco logra transmitir lo que buscan, sobre todo Mads Mikkelsen quien tal vez haya logrado crear al mejor villano de la saga. Vale destacar a Antonio Banderas quien en su breve papel brilla y transmite carisma.

Brevemente voy a hablar de los efectos visuales ya que no hace muy poco hemos visto una película de presupuesto similar en la cual recrear a un bebe o un perro se vuelven tareas titánicas e imposible que nos hacen pensar que estamos ante un juego de 2005, lo cual nos hace apreciar la presencia de un Harrison Ford de cuarenta años menos, gracias a la tecnología,  que en ningún momento nos hace ruido o molesta, pero no es solo ese detalle, es la construcción general de los efectos visuales lo que impacta y agrada. 

Uno se podría poner pretencioso y ver la repetición de la formula como algo negativo pero ya he dicho que eso me parece valiente e innovador. Indiana Jones y el dial del destino es una película que desde el primer momento es emocionante y divertida que logra trasladar a los fans a épocas más felices e inocentes, es también una película con fallas pero que están muy por debajo de los aciertos. James Mangold ha conseguido un resultado eficiente que gustará a quienes se sienten a verla y en una época de pretensiones y en la que aburrir está de moda es algo muy bueno. 

8 de 10

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 Entrevista: Valeria Massimino

Cuando te dijeron que querían hacer un documental sobre vos, ¿qué sentiste? ¿Qué fue lo primero que le dijiste al director?

Me dio mucha alegría cuando Enrique me lo propuso. Lo admiro y admiro su trabajo. Nos conocemos hace muchos años. Me dio intriga, pero confié siempre y salió todo muy bien. Recuerdo que le dije que no me volvieran loco… Pero es imposible, porque tenés un tipo que te va a seguir durante todo el tiempo que sea necesario para tener el material… Dijo que fui difícil de registrar, seguro que fue asi y que tiene razón.

Explicanos para un neófito, por qué es mejor el cine en fílmico que en digital.

Trato de evitar decir que el fílmico es mejor que lo digital, digo que es distinto. Yo prefiero ver las películas en fílmico porque se hicieron así, y porque los artistas que pensaron esas peliculas las pensaron para esa herramienta, verlas en digital es como ver una traducción, se ven cosas que no estaban en la intención original.

Yo trataría de quedarme con lo mejor de los dos mundos, lo digital es irremplazable a la hora de la difusión de toda la historia del cine, uno ha podido ver cosas que jamas hubiera visto de no ser por lo digital. Si me dan a elegir, y yo creo que al público también hay que darle la posibilidad de que siga viendo fílmico para que entienda las diferencias y no tenga que explicarlas acá. 

La imagen fotográfica tiene una calidez y una forma distina de reflejar la luz, de reproducir el color, más sutil, menos dura que la imagen digital donde todo parece más definido. En situación de poca luz, extrema, yo no veo un gran desempeño de la imagen digital. Con la fotográfica se pueden hacer cosas extraordinarias. Me resulta antipática la imágen digital y me estimula la imagen fotográfica; hay una textura distinta, más amable y que tiene más vida.

El cine en dictadura, la vuelta de la democracia, la ‘revolución’ del NCA, la actualidad digital y plataformera. El cine nos ha definido como sociedad en cada una de estas eras?

No sé si el cine nos define como sociedad… El cine es una expresión de una parte de la sociedad; y en el cine masivo, como las películas de Palito, Porcel, hay un ida y vuelta, bastante intenso se supone, entre el público y los que hacen esas películas, que se supone que las hacen para el público, y se presupone un ida y vuelta, y un cierto grado de representatividad. Yo no sé hasta dónde esto es así. Pero sí, refleja ciertas actitudes, ciertas conductas, las documenta, cosas que estaban naturalizadas en un tiempo, aparecen justamente así en las películas. Conductas que hoy resultan abyectas, y antes estaban naturalizadas, como en las películas de los ’70. No sé si pasa tanto por una definición social, sino por el hecho de documentar, de dejar fijos ciertos periodos y funcionar como una suerte de cápsula del tiempo.   

¿Cómo ves la actualidad del cine argentino hoy? 

La actualidad del cine es muy bueno, desde mediados de los ´90, es extraordinario. Hay una cantidad y diversidad de producción,  sobre todo de óperas primas, que no tiene otro país del mundo, es fabulosa la riqueza artística de nuestro cine. Causa asombro esa diversidad de propuestas. No todas esas películas pasan por el INCAA. Pero el INCAA es clave en asegurar la persistencia de nuestro cine, sin la ayuda del Estado el cine argentino no sobreviviría, y eso pasa en otros lugares del mundo que no tienen un mercado grande como para tener su propio cine apoyado en un mercado. El cine nuestro es una actividad cultural que hay que preservar como parte de nuestra identidad.

También hay un montón de películas que se hacen por fuera del INCAA y que merecen también apoyo. Ese apoyo tiene que estar, me parece que hay que ajustar ahí una cosa fundamental, esto viene de la Ley del ’57, que es el haber previsto que fuese la propia actividad cinematográfica la que financia a la producción propia  mediante un pequeño impuesto a la exhibición. Antes sólo se le cobraba a las salas de cine, porque la exhibición estaba allí. Luego a la TV abierta y por cable, cuando pasaban una peli, y los alquileres de VHS, DVD, etc. Y con la misma lógica y el mismo modo, es que ahora habría que gravar las plataformas, donde hoy en día se están viendo las películas. Seguir esa lógica y renovar el fondo de fomento del INCAA, sino va a terminar desapareciendo, y vamos a quedarnos sin cine autóctono.

Contanos lo que sentiste cuando proyectaste por primera vez el footage perdido de Metropolis.

Sentí mucha alegría, fue el fin de una larga búsqueda. Yo tenía la hipótesis de que podría ser la versión completa de la película desde el año ’88. Tardé 20 años en tener acceso a la copia. Y sentí felicidad por ver la película tal como era. Siempre la ame, verla completa me resultó mucho mejor.

¿En otros países la filmoteca Nacional está tan descuidada?

En otros países hay cinematecas nacionales y más de una, incluso. En México tienen la de UNAM y la Nacional, además hay varias regionales. También hay en Brasil. España tiene en cada región autónoma, es lo más normal, casi siempre son estatales o mixtas. Ningún privado puede financiar el enorme esfuerzo que requiere diseñar políticas de preservación, restauración y de conservación audiovisual. El problema acá es que no hay ninguna cinemateca nacional, hay algunos depósitos con películas adentro, eso no es una cinemateca (ríe). Hay en manos privadas y públicas, pero no hay entidad que cuide, difunda o brinde acceso. Las películas están a su suerte, a lo que les pase químicamente, que en general es la destrucción… Esos depósitos no tiene condiciones de climatización para que duren un poco más, o lo que deban durar. Es un desastre la situación.

Contanos sobre los ciclos que estás haciendo en el CCK.

Los ciclos son gratuitos, con una función los viernes y dos los sábados. Son ciclos temáticos por mes. Se elige un tema, y las voy programando, todo se puede ver en la web del CCK. Por supuesto todo en fílmico. En el CCK solo de 16mm para abajo, no hay 35mm. 

Ping Pong

Una película?
‘El maquinista de La General’ (The General, 1926. Buster Keaton, Clyde Bruckman)

Un libro?
‘El Lugar’ de Mario Letrero

Si pudieras retroceder en el tiempo, a qué hecho histórico irías?
Al rodaje de ‘El maquinista de La General’

Un disco?
‘Es una nube, no hay duda’ (Vox Dei, 1973)

Una serie?
Better Call Saul (2015-2022)

Una mujer?
Brigitte Helm.

Un miedo?
El deterioro mental.

Un/a político/a?
Cristina Fernandez de Kirchner

Ves Netflix?
Si, pero poco.

Lugar ideal para vacacionar?
El sur argentino.

A qué peli le cambiarías el final?
A varias…

Creés en Dios?
Eso es muy personal.

Una META?
La cinemateca nacional.

La entrada ENTREVISTA: Fernando Martín Peña ‘Si desaparece el INCAA nos quedamos sin cine autóctono’ se publicó primero en REVISTA META.

Con motivo del estreno de «La última fiesta», hablamos con Alan Sabbagh, un actor que se adapta a la perfección a cualquier papel. Divertido, sereno y distinto. Anécdotas del rodaje y futuros desafíos.

Entrevista: Valeria Massimino

Un poco de tu historia… ¿Recordás alguna anécdota cuando eras chico, que iba a marcar tu futuro como actor?

Más bien recuerdo momentos, películas, actores, cosas que me fueron dando la pasión por interesarme en este mundo. Nunca supe que iba a ser actor, de hecho un recuerdo familiar, en primer grado, fue que no pude salir al escenario, me asuste y me fui.

¿Cómo es el trabajo actoral de pasar de un personaje tan complejo como es el El Rey del Once, a uno más «unidimensional» como es el de La última fiesta?

No lo sé. Supongo que algo de magia del contexto suma mucho. Yo no me planteo mucho antes de arrancar. Tengo en claro donde va el personaje, cómo es, y a partir de ahí empezar a construir. Es cierto que en El Rey del Once, todo iba por dentro, tenía que hablar con la cara más que con la voz. Y Dante, en La última fiesta es todo para afuera. Hubo algo en el trabajo de la expresión en El Rey… que fue muy puntilloso.

¿Alguna anécdota durante el rodaje de La última fiesta? Algo que te haya llamado la atención?

El modo de dirigirnos entre los dos directores, si bien no fue una novedad para mi, ya había trabajado con dos directores, fue muy fluído. Era algo que no sabía como iba a funcionar, porque en este caso no los conocía en el campo trabajando. El rodaje fue muy amable y divertido, más allá de las condiciones climáticas de filmar una fiesta en verano, en pleno invierno. Eso si fue un poco molesto.

¿Hubo algo de improvisación?

Hubo si algunas escenas donde acomodamos un poco más la letra y nos salia más fluído. Algún remate, pero en general fuimos bastante fieles al guión.

Estás viendo un cambio en la comedia argentina, con matices más parecidos a las comedias norteamericanas ¿Es eso positivo?

Absolutamente. Está buenísimo tener un sello bien argentino en las comedias, pero no veo nada de malo en tomar estructuras o métodos que funcionan en Estados Unidos, por ejemplo, que hacen comedias increíbles. A lo mejor fue algo natural evolutivo de nuestros directores y guionistas, y un periodista se le ocurrió decir que estamos en una etapa de nueva comedia americana. Pero en definitiva, me parece bárbaro probar géneros y subgéneros nuevos.

Juan José Campanella dice que consumimos Mad Men… las series de Netflix, y luego cuando se hace algo de ese estilo en nuestro país, no siempre el rating acompaña…¿que opinás?

Me encanta, y tiene absolutamente razón. Pasa que, también, cada vez menos gente se sienta a ver tele, cuando no se respetan horarios ni contenidos, incluso. Uno quiere ver lo que quiere ver, cuando quiere y cuando tiene la paciencia y la tranquilidad de ver Mad Men. Somos una generación que no quiere más ver las cosas cuando las decide un canal, con cortes publicitarios y con cambios narrativos atados al rating.

Contanos algo sobre tu próxima película: LA EMBOSCADA…

Es una comedia enigmática, con el tono que sabe impregnarle solo Daniel Hendler. Un empresario se quiere meter en política y reúne una serie de asesores para generar la campaña. Pero hay infiltrados que quieren barrer sus aspiraciones. Mucho orgullo de haber participado, con un rodaje muy feliz, muy lejos y en un pueblo desconocido hasta para los uruguayos.

¿Una comedia?
French Kiss (1995, L. Kasdan).

¿Una actriz?
Julianne Moore, Mercedes Moran.

¿Si pudieras retroceder en el tiempo a qué hecho histórico irias?
Al estreno de Taxi Driver en el cine.

¿Un programa de TV?
Fargo (2014-2016).

Por ahora, la película del año es….
Realmente no vi nada este año, por paternidad. Pero la ultima gran pelicula que vi fue Intensa Mente. (Inside Out, 2015, P. Docter y R. Del Carmen)

¿Lugar ideal para vacacionar?
Nieve Montaña.

¿Qué te da vergüenza?
Cantar, actuar fuera de contexto de trabajo.

¿Un dibujo animado de la infancia?
La pantera Rosa (Pink Panther, 1963)

¿Un director de cine?
Paul Thomas Anderson.

¿Un final de película?
Volver al futuro 2 (Back to the Future II, R. Zemeckis, 1989)

¿Crees en Dios?
Sí.

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Eva Halac presentó una fabulosa pieza teatral en el Centro Cultural de la Cooperación.

Por Cristian A. Dominguez

La acción no declina desde su inicio y sorprende gratamente al espectador que debe agudizar sus sentidos ya que la autora y directa Halac realiza un doble juego de relatos paralelos. Mientras el director escribe en escena su dramaturgia, los demás actores recitan dicho texto. Un reparto de excelentes intérpretes donde cada uno brilla en un espacio escénico pequeño y sobrecargado de escenografía. Los cuidados detalles de muebles y utilitarios en la pieza trasladan al auditorio en un viaje a principio del siglo XX. Con un vestuario impecable que enfatiza el rol de los protagonistas. Complementado por un diseño de iluminación a la altura de los demás rubros. La música también tiene sus momentos en la voz de uno de los actores.  

La tragicomedia nos sumerge en la vida del escritor uruguayo Florencio Sanchez, quien tiene la exigente tarea de escribir bajo extrema influencia y en poco tiempo una obra de teatro para unos empresarios. De frágil carácter pero escritura brillante realiza su labor pese a estar enfermo y en banca rota. Se cuestiona su existencia y se siente marginado.  La obra llevo el título de “Los muertos” y fue estrenada en 1905. Ahora reescrita por Halac sorprende por sus diálogos y puesta.

Una pieza teatral atrapante desde el primer minuto, crece vertiginosamente hacia el final.  Sin dejar indiferente a los espectadores, ya que por la manera provocadora que está dirigida impacta emocionalmente al auditorio. Resulta así una cita obligada para los amantes del buen teatro.  

Dramaturgia y dirección: Eva Halac.
Elenco: Ariel Staltari (en el rol de Florencio Sánchez), Federico Lama, Emilia Paino y Cristina Dramisino.
Música original y canciones: Gustavo García Mendy.
Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh.
Iluminación: Miguel Solowej.
Prensa: OCTAVIA Comunicación www.octaviacultura.com
Asistencia de dirección: Erika Estiz y Jennifer Aguirre.
Producción ejecutiva: Demián Kaltman.

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Una intrigante obra en Abasto Social Club de Ramiro Guggiari.

Por Cristian A.Dominguez

Con un discurso reflexivo, inteligente y alta dosis de humor, el autor cuestiona el poder en las relaciones sociales, con elementos psicológicos, políticos y colectivos como la personalidad, lo fantástico, el poder y el erotismo. El grupo actoral es un gran acierto en la pieza, cada uno representa múltiples personajes en cada historia de manera precisa. Sobresale Sofía Guggiari por sus grandes cualidades en el humor y lo dramático. Y Felipe Grieben Saubidet por su efectividad y el uso de distintos recursos en sus interpretaciones. La escenografía cambiante, el variado vestuario y la música en vivo exaltan la puesta y crean un ambiente perfecto en todas las historias. Quizá lo endeble se da en la iluminación por momentos.

Se hacen presentes el impacto visual y la excelente dramaturgia en esta tragicomedia que arrasa con las emociones del auditorio. Son tres historias distintas en temática, tiempo y espacio pero que se mezclan con tópicos en común, lecturas paralelas de una misma cosa: el apetito y la sexualidad sin límites. Guggiari con gran talento, imaginación y oficio, tal vez los lleva en sus genes, ya que es nieto de “Tato” Pavlovsky, notable figura del teatro nacional y del psicoanálisis, ha creado un espectáculo que mezcla varias cualidades humanas: la pasión, el humor, el miedo y lo sensual. 

La Voluntad de los Monstruos moviliza al público por sus micro-historias, sus cinco actores, los quince personajes y las tres épocas diferentes que se representan. De esa manera se destaca en originalidad, dinámica dirección y convincente actuación. Una invitación a descubrir los deseos secretos de la naturaleza humana. Imperdible.

Autoría: Ramiro Guggiari
Actúan: Felipe Grieben Saubidet, Sofía Guggiari, Mariana Huss, Horacio Pucheta, Pablo Toporosi
Músicos: Baltazar Oliver, Anahí Parrilla Belfer
Vestuario: Ana Nieves Ventura
Iluminación: David Seiras
Realización escenográfica: Alberto M Sorianello
Música original: Baltazar Oliver
Asistencia de dirección: Julieta Martin
Prensa: Batahola
Producción: Batahola
Dirección musical: Baltazar Oliver
Dirección: Ramiro Guggiari

Funciones: Viernes – 23:00 hs – Hasta el 27/11/2015
ABASTO SOCIAL CLUB Yatay 666 Capital Federal.

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