El dramaturgo y director argentino, Mariano Tenconi Blanco, definió a su última obra, Madre ficción, que se presenta actualmente en el teatro Metropolitan Sura, como su trabajo más autobiográfico. Más allá de eso, las marcas características de su dramaturgia están más que presentes en esta nueva propuesta del autor de La vida extraordinaria y Las cautivas, entre muchos otros espectáculos que pasaron por la cartelera porteña: la intertextualidad, el desborde de la palabra, lo discursivo.

El título Madre ficción resume en una conjugación perfecta el sentido de la obra y abre muchos significados que deberá completar el espectador. Es que la obra cuenta la historia de un escritor, Carlos Butti (Diego Velázquez), al que en el año 1993 le encargan escribir una pieza teatral para la Comedia Nacional de Montevideo, que se va a presentar en el Teatro Solís de esa ciudad. Bloqueado creativamente y sin rumbo fijo en relación a lo que quiere contar, en un momento se ilumina: qué mejor que escribir sobre su madre uruguaya (Valeria Lois) y su abuela Rosa, también oriunda del país vecino. Así que Carlos irá desgranando la vida de esas dos mujeres que huyeron de Uruguay hacia la Argentina. Esas dos madres que llegaron a la maternidad en circunstancias muy distintas, pero lucharon por sus hijxs de igual forma. 

La realidad de la historia materna se convertirá en ficción, pero a la vez el espectador verá la ficción del escritor buscando su inspiración mientras le pasan cosas, como por ejemplo, enamorarse y empezar una relación con Jennifer (Camila Peralta), una militante de izquierda. Y, finalmente, será testigo de la obra materializada cuando se estrena en la capital uruguaya. La ficción dentro de la ficción, dentro de la ficción, como una suerte de esas puestas en abismo de los cuadros del Barroco.

Dicho esto, no es necesario aclarar que la metateatralidad está presente todo el tiempo. Es una obra absolutamente metateatral en la que también se plantea para qué sirve la ficción, para qué sirve el teatro. Carlos y Jennifer lo ponen abiertamente en discusión en varias oportunidades. Por otro lado, como ya dijimos, la intertextualidad es una característica primordial e insoslayable. La estructuración en forma de diario íntimo de Carlos remite a los espectadores más avezados a Manuel Puig y también a Mario Levrero que, en La novela luminosa, escribe sobre un escritor que debe entregar su novela, pero como está bloqueado redacta un diario sobre la imposibilidad de escribir esa novela. Además, remite al mismo Tenconi Blanco, que usó ese recurso en La vida extraordinaria.

Las citas a Idea Vilariño, a Delmira Agustina, China Zorrilla y Osvaldo Laport, entre otros, también juegan con la intertextualidad, lo mismo que la construcción de la historia de amor entre Carlos y Jennifer: es imposible no pensar en las comedias románticas noventosas por la forma en la que está construida. Lo mismo sucede en el monólogo de Rosa (Camila Peralta): hay algo de lo gauchesco tanto en el relato como en la construcción del habla del personaje.

De este modo, la historia transcurre entre el humor y el drama. Por eso es destacable el impecable trabajo de los cuatro actores. Además de los mencionados, Marcos Ferrante interpreta al padre del escritor y a varios personajes secundarios que aparecen en distintos momentos, como el mozo, el hermano o el mismo Laport. Los músicos Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova acompañan con música en vivo y, en algunos momentos, interactúan con los personajes. Por último, la escenografía en desniveles parte desde una propuesta no realista y son los actores los que construyen los lugares por los que la trama transita.

En definitiva, Madre ficción es una propuesta de calidad en el teatro comercial, quizá porque usa todos los recursos que son habituales en el teatro independiente o en el oficial. No apela a espectadores pasivos buscando evadirse durante las casi dos horas que dura el espectáculo. Por el contrario, divierte, emociona e invita a pensar en cuántas ficciones hay en una vida, para qué hacer teatro, cómo se construye la inspiración… En fin, a cada persona del público se le despertarán distintas preguntas y en eso está la riqueza de la propuesta.

Madre ficción se presenta los jueves a las 22 hs. en el Teatro Metropolitan Sura (Av. Corrientes 1343 – CABA).

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco
Elenco: Diego Velázquez, Camila Peralta, Marcos Ferrante y Valeria Lois
Músicos en escena: Ian Shifres y Gonzalo Pérez Terranova
Música original: Ian Shifres
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Vestuario: Mariana Seropian sobre un diseño original de Cecilia Bello y Johanna Bresque
Iluminación: Matías Sendón
Coreografía: Jazmín Titiunik
Producción: Carolina Castro
Producción general: Comedia Nacional de Montevideo y Compañía Teatro Futuro

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La acción se sitúa en un tiempo indeterminado, en una nación que ha sufrido la invasión por parte de un país vecino. En ese contexto, dos monjas dan asilo a un joven militante político perseguido por el ejército.

Juan Carlos Gené nos propone un texto dramático provocador, que desnuda la relación de la Iglesia con las fuerzas militares y políticas. Siguiendo la línea que inaugura Antígona, será la fortaleza de las mujeres la que enfrente el poder de los opresores.

Viernes a las 22:30 hs. – Teatro El Popular – Chile 2080 – CABA
Instagram: @golpesamipuerta
Entrada general: $ 12.000 

Ficha técnica

Elenco: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro – Diseño de luces: Federico Flotta – Diseño gráfico: Debora Longobardi y Nayla Perujo – Diseño de imagen: Nayla Perujo – Fotografía: Gabo Rugiero – Prensa: Guadalupe Farina – Asistente de dirección: Armando Serrato Martínez Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

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La nueva película de Celine Song llega contándonos una historia un tanto tediosa, un tanto frívola pero que en una vista general sobre sus cosas buenas y sus cosas malas peca de aburrida. Es decir, Song intenta volver a hablar de desamor, pero nos encontramos con una película que al intentar replicar una temática y atribuirse un estilo nos encontramos con una directora carente de capacidad narrativa, que arrastra la historia de forma aburrida y carente de encanto.

“Amores materialistas “nos cuenta la historia de Lucy (Dakota Johnson) una mujer de unos 35 años que nunca terminó la universidad, que abandono la actuación y está llena de deudas, que vive de manera muy tilinga en una Nueva York inalcanzable para alguien de clase baja. La protagonista es una exitosa una “casamentera” que trabaja para una agencia que se dedica a encontrarles a sus clientes y clientas la pareja correcta para casarse, si en pleno 2025 con el auge de las plataformas de citas esta película nos habla de gente que quiere casarse. La película inicia justamente cuando se celebra el noveno matrimonio concretado bajo el servicio de Lucy.

Paradójicamente al mismo tiempo que Lucy se ocupa obsesivamente de conseguirles candidatos a sus clientes Lucy no tiene pareja (“estoy soltera, soy célibe y voy a morir sola”, admite irónicamente, pero sin gracia). La suerte de Lucy cambia en esta fiesta ya que conoce a Harry (Pedro Pascal), un tipo que trabaja en de las finanzas que vive en un departamento valuado en 12 millones de dólares y mide 1, 82 mts ( si esto es importante para la trama que sostiene que los hombres bajos por más millonarios apuestos y buena persona que sean cotizan bajo y no valen la pena) ; en la fiesta se reencuentra con su ex con;  John (Chris Evans), un actor que no logra despegar y que se encuentra trabajando como camarero.

Se plantea así el típico triángulo entre la protagonista y dos candidatos opuestos entre sí: el bróker seductor muy seguro de sí mismo y el actor sensible y conflictuado que vive en un departamento compartido con personas de una conducta e higiene más que dudosa, o sea son pobres y sucios. En este triple romance la protagonista se siente atraída por ambos galanes, pero siempre prefiriendo al que tiene más dinero, porque esa es la causa de su ruptura con John, él es pobre y ella no puede tolerar estar con alguien que no tiene dinero. 

 Song no se contenta con crear una clásica comedia romántica, lo cual no logra de ninguna manera porque la película carece de humor y encanto; tampoco se conforma con crear una suerte de critica a la elite neoyorquina al estilo Sex and the City sino que intenta de forma fallida exponer la hipocresía y la doble moral propias de estos juegos en los que una persona puede ser evaluada por lo que tiene más que por su calidad humana; trata de exponer esta suerte de proxenetismo en los que se juega con las personas como si fueran mercancía.

La película en su segunda parte juega   de forma frívola y carente de profundidad con un caso de violencia machista contra una clienta que de alguna manera lleva a Lucy a replantearse sus valores y su rol dentro de este círculo pero que en definitiva no deja de ser una anécdota que termina enterrada por la trama.

Si bien en Vidas pasadas Celine Song tiene como guionista y directora demuestra que puede ser una artista provocadora en Amores materialistas nos trae una película carente de humor, encanto o ritmo a diferencia de lo que fue su predecesora.  Celine Song da con su segunda película un paso en falso que demuestra que hacer una buena película no significa tener un estilo y que a veces el prestigio se regala como si nada. Con la misma facilidad que se les niega a directores experimentados que han tenido uno o dos pasos en falso dentro de una extensa carrera. 

Sería muy cruel hablar de la actuación de Johnson, sobre todo si se la compara con los trabajos de Pascal y Evans, quienes levantan la vara cada vez que aparecen en cámara generando un enorme contraste con su, poco talentosa y carismática, compañera.

 La segunda película de la prestigiosa directora Celine Song es fallida y pretenciosa, pero comete el peor de los pecados: ser aburrida.

Lo mejor de la pelicula es su soundtrack que incluye canciones de Japanese Breakfast, Cat Power, St. Vincent, Stan Getz con Bill Evans, Neil Diamond, The Ronettes, Johnny Thunders, Françoise Hardy, Harry Nilsson y The Velvet Underground, entre otros, pero todos sabemos que cuando llegamos a hablar de Este item para poder decir algo Bueno de una pelicula estamos rascando el fondo de la olla.

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nace la idea de este libro?

Siempre me gustó escribir, además de dibujar, claro. Llevo escribiendo en mis diarios desde los doce años y mis días en el zoológico también quedaron plasmados.
Solamente tenía que revivirlos y darle forma a la historia. La idea surgió un poco antes de la pandemia; venía escribiendo y trabajando el texto con una correctora desde hacía más de un año.
La cuarentena, el encierro forzado y la nostalgia de aquellos días al aire libre potenciaron la idea de querer publicarlo.
Por alguna razón, viniendo de una rama artística completamente diferente, el destino me había llevado a trabajar en un zoológico y sentía que esa historia tenía que contarla.
También noté que no existía ninguna novela pasional dentro de un zoológico, y estaba contenta que la mía iba a ser la primera.

¿Qué porcentaje es real en tu novela?

Yo diría que es un 10% de ficción y 90% de realidad. Es todo lo que yo viví, contado en primera persona, aunque algunas cosas parezca difícil de creer.

Amás a los animales desde pequeña ¿Cómo fue trabajar en el zoológico?

Amo a los animales desde chiquita, desde que tengo memoria. Me la pasaba observando a los insectos que llegaban a mi balcón y viendo las fotografías de animales salvajes de las National Geographic.
Mi mamá nos llevaba al zoológico a mi y a mis hermanos cada vez que podía porque nos quedaba muy cerca. Yo disfrutaba mucho de esos paseos con tantos animales y en ese momento no estaba mal visto.

El cómo fue, lo cuento en mi libro con lujo de detalles, pero si tuviera que resumirlo en una oración: » Una experiencia única e irrepetible rodeada de animales salvajes.»

Sé que los Zoos no están bien vistos por el público. Lo mismo pasa con la religión. Determinadas ilusiones sobre la libertad les afectan a ambos. «Vida de Pi» (2001), Yann Martel.

¿Tiene sentido un zoo en la ciudad de Buenos Aires?

Siento que me faltan herramientas y conocimientos para responder esa pregunta. La historia del zoológico de Buenos Aires, es fascinante. Sabemos que data del 1888 y cuenta con un patrimonio cultural que realmente es muy rico.
Antes no estaba mal visto, era un paseo placentero y familiar. Hoy en día no podría decir si están bien o mal aunque por supuesto a ningún ser vivo le gusta estar en una jaula.

Sos una joven escritora ¿Es difícil publicar un libro? ¿Cómo hace un escritor que recién comienza?

Lo difícil es escribirlo. Pero difícil en un buen sentido, a modo de desafío. El esfuerzo que demanda es directamente proporcional a lo que viene después.
Si uno cuenta con el dinero, autopublicar es sencillo. También está la opción de recorrer editoriales con el manuscrito.

En mi caso, en plena pandemia y con el mundo en pausa, sentí que no quería esperar y destiné unos ahorros para publicarlo.

Conocía el proceso porque una amiga había publicado unos años atrás su primer novela. Fue hacer un llamado a Editorial Dunken, pagar la primera cuota y luego la segunda.
Después, solo restaba esperarlo.

Una vez publicado hay que hacer promoción y tratar de que llegue a la mayor cantidad de gente posible.

Personalmente me lo tomo con calma y subo cada vez que lo amerita, alguna foto al instagram de Safari. Generalmente son fotos de animales que amablemente me prestan ex compañer@s y amig@s. Celebro cada vez que se vende uno.

¿Se lee como hace algunos años atrás? ¿La gente tiene tiempo de leer?

Afortunadamente existen las y los booktokers. Jóvenes que se dedican a leer y a reseñar libros en las redes sociales.

Esa es una linda manera de hacer promoción. Hay mucha gente que sigue leyendo a pesar de todo el entretenimiento virtual que nos distrae hoy en día.

Pueden comprar ‘SAFARI’ AQUI

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Los viernes a las 20:30 hs el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556. CABA) ofrece en su programación un unipersonal grotesco que cautiva desde el inicio y que no suelta al espectador hasta su bellísimo final. Se trata de V.H.S. 

Nicolas Capristo, quien también es el protagonista de esta pieza, escribió esta dramaturgia que destaca por su fluidez y su sorpresa constante. La historia nos sumerge en la vida de una persona que disfruta de consumir películas en formato vhs y de coleccionarlas. Su pasado y sus traumas dejaron heridas que el relato nos irá mostrando mientras va vinculando todo lo que le acontece con sus héroes de ficción. Como una Alicia cayendo por el agujero, la narración se hace carne y en un viaje casi lisérgico iremos descubriendo lo que hace que el personaje viva en las condiciones en las que lo hace. El texto es muy llevadero, contiene ingeniosos procedimientos y su estructura está muy bien ocultada, lo que hace que cada momento despierte la sorpresa y se transite desde el asombro. 

La puesta en escena es muy bella, plagada de guiños y simbolismos, y dialoga a la perfección con toda la propuesta integral estética, siendo éste uno de los puntos fuertes del espectáculo: lo visual. El trabajo sobre la plástica de los objetos, utilería y escenografía es impecable y emociona cuando la interpretación de Capristo se encarna junto a ellos. La performance del actor es especial y cálida. Maneja muy bien los tiempos escénicos y se entrega en formas y expresiones físicas y vocales que elevan la calidad del acontecimiento teatral. Logra componer un personaje alegre y trágico, lleno de marcas dolorosas que se compra al espectador desde la ternura absoluta. Esta creación despierta en el público una empatía que es necesaria para llegar al fondo de la temática que aborda. 

A pesar de que algunos momentos puedan resultar un poco largos, la dirección de Tomás Soko se las ingenia para que esto no se vea reflejado en el ritmo general de la obra, que tiene la particularidad de atrapar desde el primer artilugio escénico hasta el último. Esto lo logra empleando recursos lumínicos, sonoros, y abstractos que construyen climas verdaderamente inquietantes. 

Hay que destacar una labor maravillosa que es la de la composición musical de Malena Caporaletti. Realmente impresionante ese trabajo que es la otra dramaturgia indispensable que completa la pieza. 

Los prejuicios que el espectador medio pueda tener sobre los unipersonales con este espectáculo quedan anulados. Es una obra por demás divertida, tierna, emocionante, muy bien interpretada y que regala bellísimos momentos que son fotografías mentales que uno se llevará para siempre. 

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Un vodevil musical en un escenario del circuito teatral alternativo es una propuesta intrigante. Uno imagina musicales “de cámara” más pequeños, apelando a lo intimista, o jugando con el despojo. Pero es una grata sorpresa saber que los domingos a las 20 hs en El Galpón de Guevara se lleva a cabo un musical de esos que uno esperaría ver en calle corrientes. Y no tiene nada que envidiarle a esas propuestas, por el contrario, tiene mucho que enseñarles. 

La dramaturgia, creación colectiva, está a cargo del mismo elenco de actores y actrices: Belén Amadio, Julieta Molina, Renato Pinto, Agustina Quaglia, Joaquín Scotta, Clara Suárez y Micaela Vargas. La misma, a través de un perfecto equilibrio entre texto y canciones, nos cuenta la historia de un consorcio integrado por infaltables personalidades variopintas que van desde la inocencia, el sometimiento hasta la corrupción y la perversión. Verónica, que intenta salir de un engaño amoroso, es acorralada por este consorcio con el fin de que desaloje rápidamente la propiedad. Para poder salir ilesa de esa situación se le ocurre la idea de asumir la identidad de su ex y engañar a todos sus vecinos. Como podremos imaginar, y bien fiel a la comedia de puertas del vodevil, todo deviene en equívocos, situaciones hilarantes y confusiones varias. 

Los personajes están muy bien definidos, arquetipos que coquetean con el estereotipo pero que, por fortuna, no terminan de serlo. Las interpretaciones son excelentes. Cada uno con un juego claro, y algo a destacar con énfasis es que el pasaje entre voz hablada y cantada es perfecto, orgánico y atinado. El verosímil de lo musical está muy bien sustentado en convenciones precisas y claras. Los personajes no abandonan su composición a la hora de cantar, y lo hacen sin dejar de actuar. Lamentablemente esto no ocurre muy frecuentemente en la escena musical y pocas veces es resuelto con éxito. En esta propuesta se nota la dirección actoral de Rubén Viani, y es uno de los puntos fuertes de la pieza. 

Cada vez que uno piensa que la obra irá a caer en algún lugar común del género, sorprende y da un giro con identidad propia. La misma dramaturgia y letra de las canciones de encarga de desolemnizar y de darle una vuelta de tuerca a la insistente y caprichosa historia romántica de todo musical. Aquí el romance tampoco falta, pero se instala y desarrolla de manera ingeniosa y original. 

La puesta en escena es hermosa y dinámica. La iluminación acompaña muy bien cada momento. Los vestuarios están muy bien diseñados y producidos. La escenografía merece una mención aparte, porque es gran parte de la responsable de generar una gran espectacularidad sin ser excesivamente enorme. Dispositivos de puertas muy funcionales que colaboran en generar ritmo y dinamismo y un decorado que aporta mucho y enmarca la acción. La composición musical de Juan Pablo Schapira y Joaquín Scotta es excelente, muy entretenida, pegadiza y acorde a lo que ocurre escénicamente, no está alienada de la propuesta estética general como ocurre con otras producciones. 

En fin, una propuesta muy recomendable para pasar un momento más que agradable, potente, por demás divertida, que despierta carcajadas, que moviliza internamente y que tiene mucho que enseñarles a otras grandes producciones del llamado “circuito comercial”. 

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Inspirada en la vida de Judy Garland nace esta obra que es biográfica, pero que bien podría ser la historia de tantas otras infancias obligadas a trabajar y/o a mantenerse en los estándares de una industria perversa.

Proyecto Garland está escrita por su protagonista Marina Munilla y por Gerardo Grillea, quien también se hace cargo de la dirección. El elenco se completa con Gastón Biagioni y Leonardo Murúa. Los domingos a las 20 h en NoAvestruz, Humboldt 1857.

La obra es un viaje etílico por esa tortuosa y desesperada travesía que va desde el nacimiento de una estrella hasta su ocaso. De manera fragmentada y desordenada, las piezas de la vida de Judy Garland van configurando un entramado de abusos, excesos, desamores y auxilios desoídos. Al principio, creeríamos estar ante un astro hollywoodense más cuya fábrica de hacer éxitos la empuja a la adicción, pero lentamente la obra nos irá revelando las máscaras que esconden a los verdaderos responsables de ese factor que arruinó su vida. 

Con un ir y venir en saltos temporales, a través de voces que como fantasmas se hacen presentes en su ausencia, y con una logradísima puesta en escena, la obra nos acerca a la ansiedad, el ahogo, la multiplicidad de estímulos, y nos invita a un viaje de emociones que prioriza la experiencia sensorial por sobre la cognitiva. Razón por la cual puede ser una buena idea interiorizarse brevemente sobre la vida de Judy antes de ver el espectáculo para poder disfrutar más de esa hermosa historia presentada entre fragmentos. 

El espacio, cautivante y lúdico, promete que cada uno de estos fragmentos sea contado a través de propuestas que ponen énfasis en lo pictórico y estético, que sitúan a los personajes en situaciones a veces surrealistas, a veces descarnadas. Y la promesa se cumple, pues lo que vemos es un dinámico juego entre una imagen y otra. Hay canciones, hay coreografías, arte visual y sonoro, hay silencios y hay gritos. Todo está ideado para que prime el juego corporal y físico. Todo está contado y atravesado desde por y para el cuerpo. Y eso es algo que se agradece, en un circuito teatral cuya estética predominante es la del realismo de historias sucediendo en el living de una casa. 

Las interpretaciones son, sin embargo, las verdaderas protagonistas de este espectáculo. Es descomunal el trabajo de Marina Munilla como Judy. Su cuerpo, extrañado, afectado y emocionado se luce en cada una de las escenas. Sus capacidades físicas contribuyen a la verosimilitud del personaje, y la potencia y color de su voz cantada valen por sí misma la experiencia. Maneja al personaje como quiere, valiéndose de múltiples recursos, y puede ir y venir de un código a otro, como una verdadera malabarista de la actuación. El elenco masculino acompaña más que bien, aportando el contrapeso necesario para que la historia tenga un sentido y no sea un simple derroche de talento. 

Es destacable el diseño de iluminación que logra climas e imágenes que perduran en la retina una vez desvanecidas. Por momentos, la luz abarca un poco de más y contribuye a cierta dispersión que desenfoca la atención, pero cada movimiento y desplazamiento está tan medido y cuidado que no logra ser un verdadero problema. De hecho, algunas imprecisiones que pudieran manifestarse, o situaciones confusas sobre los instantes finales que a lo mejor pierden cierta potencia, no entorpecen ni logran empañar el resultado integral. La obra es un todo maravilloso que invita a la indignación y posterior reflexión. Es muy difícil no empatizar con Garland y comprender la desdicha desde su inocencia. La emoción en los ojos de los espectadores así lo atestigua. 

Más que recomendable propuesta donde la calidad está garantizada por todas las aristas que componen al espectáculo. 

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Los domingos a las 20:30 hs en el Método Kairós (El Salvador 4530. CABA) podemos disfrutar de Las persianas tienen ojos una obra de Luis Formaiano con dirección de Patricio Azor. Está basada en hechos reales y nos invita a reflexionar sobre una realidad todavía vigente y la importancia de las luchas sociales y políticas que se libraron en las últimas décadas. 

La historia gira en torno a Tony, un joven que es empujado a expresar su homosexualidad y que decide hacerse cargo de su deseo y enfrentar a su familia y al resto de la sociedad. A priori, esta premisa podría dar cuenta de un relato ya contado o una historia ya vista, y esto es cierto. Pero lo que hace particular a esta pieza es la época en la que se sitúa. Y esto es en la década de los setentas. Como podemos imaginar, la orientación sexual de Tony enciende todas las alarmas, desprecios, prejuicios y discriminaciones de la familia. El viaje de este joven en su camino de libertad será arduo, agotador y humillante. El costo de su libertad tiene un alto precio, y Tony irá hasta el fondo de la cuestión. 

La obra comienza con una situación desconcertante que plantea claramente el código de toda la pieza (que oscilará entre el distanciamiento del relato, y la vivencia orgánica). Dicha elección es una inteligente maniobra dramatúrgica, porque ese despiste inicial va construyendo una expectación creciente que nos hará ir involucrándonos cada vez más profundo en la historia, al punto de que eventualmente ya será inevitable acompañar las peripecias de Tony con empatía. Y eso es lo que busca la obra, que podamos sentir una pizca del dolor que atraviesa una persona con una orientación sexual distinta a la heteronormada. 

El nudo del relato ahonda en el pasado vulnerable de los personajes, va y viene desde el futuro hacia el pasado y el presente. Desnuda la apatía de una familia, la ignorancia y el descuido que hubo hacia ese Tony niño. Su desenlace es satisfactorio y construye una angustia de la cual es difícil escapar sin lágrimas en los ojos. 

La puesta en escena es acertada, destacándose el trabajo escenográfico. Uno de esos aciertos es la de no recurrir al costumbrismo de época para contar la historia, alejarse de cierto realismo. Hay algunas imprecisiones o elecciones que generan algo de interferencia en el relato, por ejemplo, cambios de vestuario in situ que se construyen con bastante anticipación, lo cual puede distraer por momentos y hacer perder el hilo. Pero salvo estos detalles todo funciona correctamente y se desarrolla con ritmo y fluidez. 

Las interpretaciones están más que a la altura del desafío. Hay momentos realmente perturbadores y de arrolladora energía. Algunas estridencias generan duda, pero hacia el final todos se alinean en una forma sutil, emocional y natural, que cautiva al espectador y lo conduce a la emoción y al aplauso estallado y duradero. 

Una obra que marca su diferencia testimoniando lo doloroso que puede ser aún hoy el proceso de expresar la orientación sexual a una familia, pero que sobre todo, expone lo difícil que era hacerlo por aquellos tiempos, no muy lejanos, por cierto. Esto ayuda a la reivindicación de derechos adquiridos en los últimos años y a la valorización de la creciente transformación social. Generaciones más jóvenes, tal vez no tengan real magnitud de cómo se vivía la homosexualidad por ese entonces, dado que vivieron su adolescencia en la era post matrimonio igualitario, o tuvieron la fortuna de nacer en una familia deconstruida. 

En la ficción de Las persianas tienen ojos el tiempo oscila entre el presente y el pasado. Y al mismo dialogo invita la obra en la vida real: A reflexionar sobre esa época y nuestra actualidad. Una realidad de mucho conquistado, pero de mucho por hacer aún. Una realidad de mayor apertura definitivamente, pero insuficiente. Una realidad que permite que esas familias aún existan y hagan daño. Recomendable propuesta escénica. 

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En el teatro Picadilly Hernán Cuevas, a quien conocimos mejor en la irreverente serie “División Palermo”, estrenó Chongos bajo su autoría y dirección. El artista también protagoniza esta comedia que se permite coquetear con el drama sin perder el entretenimiento, pilar de su propuesta. 

Es el año 2003 y la televisión presenta el concurso de Mr. Chongo en el que el público (nosotros) debe decidir al ganador, de entre cinco finalistas masculinos de (obviamente) cuerpos hegemónicos que demostrarán sus talentos en diversas pruebas. Todo es show exhibicionista de cuerpos hasta que la crueldad televisiva comienza a mostrar sus garras, proponiendo casi arbitrariamente que los concursantes expongan sus talentos a pedido del público. Eso despierta las ansiedades de los personajes y su afán de competición se activa. La tv comienza a lograr lo que se propone: que todo se vuelva más problemático, dramático y desesperante para estos “chongos”. A partir de allí, no tardaremos en ver que todo es deshonesto, que la maquinaria televisa ejerce su opresión y su abuso y que el público en realidad posee muy pocas chances de manifestarse. 

A medida que el show avanza, iremos conociendo el mundo y los deseos de estos cinco personajes. Así como también descubriremos la segunda cara de su conductor. El dispositivo escénico es tan sencillo como efectivo, y en su creatividad y simplicidad gana elevación artística. La escenografía cumple, entonces, un rol fundamental para dejarnos espiar el detrás de cámara, como un velo que busca transparentarse para desnudar (palabra muy adecuada) a los protagonistas. 

Lo más destacable es la verosimilitud de todo lo que sucede. Bien podría la propuesta haber caído en peligrosos estereotipos, pero lo hace surfeando muy bien ese problema y entregando, en cambio, un planteo con mucha verdad por parte de sus intérpretes. Los momentos en los que las cosas se ponen más tensas se hacen con muy buena transición, es decir, todo fluye entre la comedia y los pequeños momentos intimistas más dramáticos. 

Dos escenas, que suceden en espacios alternativos a la acción principal en los extremos del escenario, se lucirían un poco más si no se ubicaran tan detrás. Lo mismo ocurre con el final de la pieza, donde queda la sensación de que algo no quedó del todo ajustado desde lo técnico y artístico y se diluye un poco el efecto buscado. No opaca esto, sin embargo, a la propuesta general que se sintetiza en su desenlace, que expone lo que comenzaba a asomar desde el inicio y que refuerza, una vez más, la interpelación que deberíamos hacerle a lo que sucede en la televisión. Sobre todo, en estos tiempos de subjetividad máxima, de posverdad y desinformación. Otra interpelación pendiente que le debemos a la televisión es la de cuestionar la hegemonía física que nos muestra, excluyendo así a otros cuerpos más reales, otras disidencias, y otras formas posibles de belleza.

Recomendable propuesta para divertirse desde el comienzo hasta el fin, y para disfrutar de su erotismo provocador. 

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nació la idea de este film?

La idea de Boca Chica vino de nuestra productora Sterlyn Ramírez de Selene Films. Luego, Marité Ugás y Mariana Rondón crearon una historia a su alrededor y, en última instancia, ayudé a dar forma a los detalles al final. 

Ella quería explorar porqué en las playas de la República Dominicana tan a menudo la gente se volvía idiota hacia las mujeres jóvenes que acompañaban a hombres mucho mayores y a menudo extranjeros.

Ella quería crear una historia que se contara a través de la voz de una niña en una de estas comunidades y darle esperanza y agencia para un futuro mejor. También había explorado algunos temas similares en el mundo del turismo sexual en un guión que había escrito llamado ‘El timbre de tu voz’.

Durante mucho tiempo me he centrado en contar historias centradas en mujeres jóvenes de color y específicamente me di cuenta de que estos temas estaban presentes después de trabajar en una fundación de niñas en Cabarete llamada ‘Mariposa Instituto’. 

Grabamos la película en poco menos de un mes. Todo se desarrolló muy rápidamente desde la idea hasta la producción, por lo que nos tomamos nuestro tiempo durante la postproducción para dar forma a la historia y esperar a la mejor casa de estreno del festival para ella.

¿Cómo fue el casting y el trabajo con las niñas? Scarlet Camilo hace una interpretación muy natural…

Scarlet Camilo es una verdadera estrella. Ella comenzó a bailar muy joven y nos capturó con sus ojos brillantes y talento para la danza y la canción.

Valerie Hernández Oloffson de VHO Casting salió con su equipo y casting en la calle. Scarlet era una estudiante en una de las escuelas de baile a las que fueron en busca de talento. Luego hicimos presentaciones de video y llamadas mezcladas en persona con entrevistas remotas conmigo, ya que fue durante COVID y estaba en Nueva York, y en persona, lecturas de química con ella y los actores que estábamos considerando para nuestro Raúl.

¿La realidad que plantea la película está basada en hechos reales? ¿Realmente no hay otra opción para las jóvenes que la prostitucion con turistas?

La realidad se basa en una elección que muchos hacen y en términos de niñas menores de edad que son atraídas o engañadas. No creo que la película muestre que esa sea la única opción, sino que hay ciclos tóxicos en la familia de Desi, nuestra protagonista, y en su comunidad de los que quiere liberarse.

Vemos en la película a jóvenes raperos, a su madre y a su tía dueña de un negocio de restaurantes y a una maestra de coro como otros roles de las mujeres en la comunidad. Sin embargo, el foco de nuestra historia son las chicas jóvenes que son explotadas a través de la existencia muy real del turismo sexual en la isla. Es algo que existe globalmente incluyendo a los Estados Unidos como trafficking.

Naciste en New York… ¿Cómo ves la situación en Estados Unidos hoy en día, con respecto a la inmigración, la discriminación, cómo incluso se volvió atrás con el aborto legal…?

Nací en NY y crecí en los Estados. Mis padres no nacieron aquí. Mi madre es dominicana y mi padre de guyana. Creo que es un momento aterrador en el que hay un cálculo real en términos de cómo el progreso que hemos hecho como país está dando la espalda a sí mismo a través de la reversión de Roe v Wade y ahora la Acción Afirmativa que está siendo revocada por la Corte Suprema. Tiene que haber una revisión sistemática. En los estados más liberales hay protecciones, por lo que algo como el aborto es legal. Pero en un país tan grande y joven, debemos ver que si algunos de nosotros sufrimos una eliminación de nuestros derechos todos lo hacemos.

Desde Latinoamérica siempre se mira a Estados Unidos de una forma aspiracional. Uno de los personajes de la peli, Fran, el hermano de la protagonista, se fue a vivir a New York, se lo ve en un pequeño cuarto. Una realidad de muchos inmigrantes.

Sí, mucha de mi familia de fuera de los Estados Unidos y los que vinieron aquí sintieron que este aspecto de la película tocaba un acorde personal.

Siempre recuerdo a mi mamá diciendo que cuando llegó aquí, a los 13 años, pensaba que las calles de NY estarían literalmente pavimentadas en oro. Hay muchas más oportunidades a menudo en los países de nuestro origen o descendencia. Para mí, por ejemplo, estaba luchando por el financiamiento y el espacio para contar historias de inmigrantes y dominicanos aquí. Tenía sentido encontrar a mi comunidad allí y me dieron la bienvenida para venir a bordo y realizar esta historia importante y matizada. Muestra que a veces debemos volver a realizar nuestros sueños y que la idea de algo no siempre es lo que parece. Diré que mis padres hicieron muchos sacrificios que me permitieron crecer y luego tuve el privilegio de contar una historia que importaba en el país de mis raíces. No doy por sentada la oportunidad.

¿Cómo recibió el público la película en el Festival de Cine de Tribeca?

Tribeca fue un gran estreno ya que New York es el hogar de muchos dominicanos y la película también está parcialmente ambientada en Nueva York. Nos alegramos de que la tierna actuación de Scarlet se destacara y los problemas explorados conectaran con la mayoría de las audiencias. Muchos dijeron que sintieron que la película era esperanzadora y manejaron temas serios de una manera elegante. Siempre espero que mis películas te dejen con un sentimiento y preguntas para explorar en lugar de respuestas. Creo que lo hemos logrado.

¿Qué recorrido sigue la película? 

Esperamos estrenar en la República Dominicana el próximo mes y luego continuar nuestro viaje mundial de festivales. Estamos buscando distribución global.

Ping Pong

Una película? ‘Mustang’ dir. Deniz Gamze Ergüven

Un disco? Demolición! de Los Saicos

Una mujer? Mi madre

Un/a director/a?  Céline Sciamma

Si pudieras retroceder en el tiempo a qué hecho histórico irias? Los 1960s

Un libro? Difficult Women de Roxane Gay

Un político? Alexandria Ocasio-Cortez

Lugar ideal para vacaciones? Donde no he estado

Qué te da miedo? Anquilosamiento

Creés en Dios? En algo más grande de nosotros en el universo 

Una Meta? Ok, dos porque soy una soñadora: correr los seis maratones mundiales más importantes y proyectar mis películas en los seis continentes

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