Hablar con Andrés Buhar no fue una entrevista en el sentido clásico, sino algo más cercano a una conversación abierta. No hubo un orden rígido de preguntas y respuestas, sino una charla que se fue desplegando con naturalidad, casi como una obra en proceso. Las ideas aparecían, se conectaban entre sí y abrían nuevos caminos. Como suele pasar cuando se habla de arte, una palabra llevaba a otra, una reflexión a una imagen, y de ahí a una pregunta más amplia. La conversación avanzaba sin necesidad de cerrarse, dejando la sensación de que siempre había algo más por pensar, un loop posible, infinito.

Hablar de arte, inevitablemente, es filosofar. No desde un lugar solemne, sino como algo bastante natural: preguntarse por lo que creamos, por lo que consumimos y por el sentido de todo eso. La charla con Buhar se movía ahí, entre lo concreto y lo abstracto, sin forzar nada. Al final, todo volvía a lo mismo: la experiencia real, lo que nos pasa. Y quizá esa sea la única pregunta que importa, aunque mejor no abrirla demasiado, porque podría no terminar nunca.

Entre anécdotas, ideas y proyectos, aparecía esa reflexión constante sobre el lugar del arte hoy, su necesidad y su capacidad de abrir espacios; físicos y simbólicos, para pensar y sentir, quizá, de otra manera.

Cuando escuché por primera vez sobre Arthaus sentí esa mezcla rara de sorpresa y entusiasmo: eso que solemos admirar cuando viajamos y vemos en otras ciudades del mundo, pero que ahora existe acá, en pleno microcentro porteño. No es solo un lugar que alberga arte, sino un espacio donde el arte se vive como experiencia. Una propuesta singular en Buenos Aires, difícil de comparar.

Buhar cuenta que la idea tomó forma en plena pandemia: ese paréntesis global que detuvo el ritmo de todo, también abrió un tiempo inesperado para imaginar. “No hay que sobrepensar”, dice. Y la frase resuena porque va a contramano de esa parálisis que a veces generan las ideas cuando se quedan girando en la cabeza. La clave, sugiere, es hacer: accionar, bajar lo imaginado a tierra. Arthaus nació, en parte, de un impulso creativo: la necesidad de transformar la pausa en movimiento. Incluso reflexiona que, sin aquel contexto extraordinario, quizás el proyecto no existiría tal como lo conocemos hoy.

Y de pronto resuena la frase de David Thoreau: «Si has construido castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué perderse; ahí es donde deben estar. Ahora coloca las bases debajo de ellos».

La conversación se movía como el arte mismo: una palabra llevaba a un recuerdo, una imagen abría otra reflexión. Pensar el arte hoy, en estos tiempos cada vez más líquidos, como anticipó Zygmunt Bauman, implica preguntarse por su lugar: qué dice, cómo circula y de qué manera sigue dialogando con nuestra experiencia cotidiana.

Los números dicen que cada vez menos gente va al cine. Y la pregunta se extiende: ¿qué pasa con las exhibiciones de arte? En ese contexto, espacios como Arthaus proponen otra lógica. No se trata solo de programar música, teatro o cine, sino de experiencias que invitan a habitar el arte de otra manera: ver una película desde una terraza, por ejemplo, sentado en una reposera, dejando que la obra dialogue con el entorno. Más que competir con las pantallas, la apuesta parece ser recuperar el encuentro y convertirlo en experiencia.

Hay algo casi mágico en el lugar, y no es casual. Cuando el arte se vive de cerca aparece esa sensación de descubrimiento, como si cada detalle abriera una nueva lectura. En la charla surgieron referencias que iban de obras icónicas a colectivos como Mondongo, ligado a una experiencia personal de Buhar: una obra que, más allá de cualquier valor, lo emociona. En ese gesto se entiende que para él el arte es un vínculo vivo: algo que te toca, te acompaña.

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos.” Marcel Proust

Hablar con él fue confirmar que Arthaus no es solo un espacio cultural: es una forma de pensar cómo queremos habitar el arte hoy. En su discurso aparece una convicción clara: el arte tiene que seguir vivo, incomodar, exigir, convivir con nosotros como una presencia activa.

Volver a su infancia ayuda a entender el mapa: la empresa era herencia; la música, refugio y una forma temprana de libertad (qué es la libertad es otra conversación). Hoy esas dos dimensiones conviven. Compone cuando puede, sin romantizar el proceso, sabiendo que crear también es administrar el tiempo. También rescata la vitalidad cultural argentina, capaz de producir con intensidad incluso en contextos adversos.

La pasión aparece como motor, pero no basta por sí sola. Andrés Buhar no habla de suerte ni de recetas; más que entusiasmo, transmite seguridad: dice lo que piensa con la claridad de quien sabe lo que defiende, sin pretender que sea la verdad absoluta.

Buhar sonríe ante la idea de planificación extrema. Arthaus nació hace pocos años y emociona. Dice que, en realidad, no lo pensó demasiado. Hoy reconoce que está contento de que el proyecto funcione, pero su mirada nunca se queda en lo que ya logró. No hubo una certeza previa de éxito ni un cálculo: más bien una decisión de avanzar. “No pensé mucho. A veces me preguntan si imaginé que iba a ser así… y la verdad es que no. Me gusta que funcione, claro, pero ya estoy pensando en lo que sigue, en qué sumar, en cómo expandir. Nunca me detuve demasiado en si iba a salir bien. Simplemente lo hice.”

¿Cómo cambia nuestra forma de entender el arte hoy, en un contexto atravesado por redes y transformaciones constantes?

A.B: El arte es un concepto work in progress. El arte no es algo fijo sino un concepto en permanente transformación: se construye, se discute y se redefine con el tiempo. Lo que hoy consideramos arte quizás años atrás no lo hubiera sido, porque nuestra mirada cambia, y justamente ahí radica su potencia. El arte trabaja sobre cómo vemos el mundo y cómo nos vemos a nosotros mismos. Frente a la pregunta clásica de para qué sirve, marca una diferencia con los saberes técnicos: mientras la ingeniería o la arquitectura resuelven problemas concretos, el arte opera en otro plano.

La banana

La obra creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, consiste en una banana real pegada a una pared con cinta plateada acompañada de un certificado de autenticidad que permite reemplazar la fruta. Fue subastada en Nueva York por Sotheby’s por $6.2 millones de dólares. El empresario Justin Sun compró la obra y, poco después, se comió la banana en una conferencia de prensa.

Buhar la lee como un gesto cargado de ironía: una fruta común, casi un chiste, que se pudre rápido, atada con cinta de la manera más precaria posible y agrega: “Todo ahí contradice la idea clásica de obra duradera, hecha de bronce o mármol para la eternidad. En cambio, esto existe sabiendo que va a desaparecer. La tensión crece cuando esa pieza efímera se subasta por millones: ¿qué se está comprando realmente? ¿El objeto, la idea, la experiencia? Ahí aparece el juego del arte conceptual, que no busca solo ser contemplado sino activar una pregunta. Más que ofrecer una respuesta, la obra funciona como disparador: nos obliga a revisar qué entendemos por valor, por materialidad y por experiencia”.

Cómo logra una obra generar reflexión y abrir debate sin buscar solo provocar? Recuerdo la obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana”.

A.B: La obra de León Ferrari en su momento generó debate; hacía tiempo que no se hablaba tanto de un artista por lo que había hecho. Y eso también es parte del juego, buscar la provocación, o decidir no hacerlo. Porque la provocación no es una sola cosa: es un territorio amplio. A veces provocar por provocar no conduce a nada; otras, aparece una obra que sí logra abrir algo y generar sentido. Por eso es difícil generalizar fuera de contexto, y más aún sin saber qué puede pasar mañana. En ese marco, muchas veces lo más interesante no es solo la obra en sí, sino el debate que despierta. Para mí, lo verdaderamente complejo no es la provocación… es la indiferencia.

¿Qué implica hoy hablar de arte ‘elitista’ y arte ‘popular’?

A.B.: Hablar de elitismo y de lo popular implica reconocer que no todos partimos del mismo lugar. Cada persona enfrenta realidades, tiempos y urgencias distintas, y eso condiciona el espacio que tiene para acercarse al arte o simplemente disfrutarlo. Comprender algo, o tener el tiempo para hacerlo, también depende de qué necesidades básicas estén resueltas en la vida cotidiana.

Por eso me cuesta cierta idea de meritocracia que supone que todos competimos en igualdad de condiciones. No es lo mismo el valor del dinero ni del tiempo cuando está en juego lo básico que cuando eso ya está garantizado. Si yo tengo 10.000 pesos y de eso depende que hoy pueda comer, ese dinero vale todo: vale la vida. En cambio, si esa necesidad está cubierta, la misma plata puede convertirse en un gusto o un viaje. Ahí se ve claramente cómo cambian las prioridades. Lo mismo pasa con el tiempo y la tranquilidad: no todos disponemos del mismo margen para parar, disfrutar o simplemente darnos un respiro.

¿Cómo impactan la inteligencia artificial y la aceleración tecnológica en nuestra forma de pensar y percibir el mundo?

A.B.: No me preocupa la herramienta en sí, sino la velocidad con la que todo ocurre. Ese ritmo constante puede erosionar nuestra capacidad de procesar lo que vivimos, y ahí es donde la subjetividad empieza a diluirse. El arte es un lugar para frenar, pensar y recuperar una mirada propia.

A veces lo comparo con el choque entre sociedades que se encontraban con transformaciones tan abruptas que no había tiempo para asimilarlas ni construir un marco simbólico para entenderlas. Algo parecido pasa hoy con nuestra percepción del tiempo. En el siglo XX, avances como el auto o el avión cambiaron la experiencia de la velocidad, pero había un período de adaptación. Hoy todo parece acelerarse sin pausa: contenidos que cambian cada segundos, plataformas diseñadas para sostener una atención fragmentada, incluso películas pensadas sabiendo que el espectador mira el celular. Todo eso modifica nuestra relación con el tiempo y plantea una pregunta de fondo: ¿cuál es nuestro tiempo interno frente a esta aceleración constante?

Hace un siglo el trabajo era también físico: caminar, levantar, construir, cosechar… el cuerpo gastaba energía de forma natural. Cuando ese esfuerzo desapareció, aparecieron los gimnasios para compensarlo. Entonces me pregunto si no necesitamos algo parecido para la mente: una especie de gimnasio intelectual, porque cada vez ejercitamos menos el pensamiento. Y ahí hay un desafío real.

¿Cómo se construye una mirada propia frente a una obra en un contexto dominado por algoritmos y opiniones externas?

A.B: Reconocer qué te pasa frente a una obra es, en el fondo, un ejercicio de mirada crítica y de afirmación personal. No alcanza con decir “me gusta” o “no me gusta”: Se trata de entender desde qué lugar miramos. Esa diversidad de posiciones es valiosa porque amplía la percepción y no debería vivirse como confrontación. El conflicto aparece cuando la lógica de las redes reduce esa pluralidad a likes, algoritmos y nichos que refuerzan certezas en lugar de abrir preguntas. Recuperar espacios donde la diferencia pueda convivir sin agresión, y donde la experiencia sea más intercambio que consumo, se vuelve entonces una forma de preservar una mirada propia.

Buhar no da un consejo explícito, pero sugiere no quedarse paralizado por la búsqueda de genialidad o la validación externa. Recomienda partir de algo que despierte interés y explorarlo, observando qué te provoca en el proceso. Crear, insiste, es un misterio que se sostiene en la curiosidad y la autenticidad: no se trata de perseguir resultados, sino de encontrar un vínculo verdadero con lo que uno hace y dejar que eso marque el camino.

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Andrés Buhar and Arthaus: How to inhabit art today

by Valeria Massimino

Talking with Andrés Buhar didn’t feel like a traditional interview so much as an open-ended conversation. There was no rigid sequence of questions and answers, but a dialogue that unfolded naturally, almost like a work in progress. Ideas surfaced, connected, and opened new paths. As often happens when discussing art, one word led to another, one reflection to an image, and from there to a broader question. The conversation moved forward without needing closure, leaving the sense that there was always more to think about,  a possible, endless loop.

To talk about art is, inevitably, to philosophize. Not from a solemn place, but as something quite natural: questioning what we create, what we consume, and the meaning behind it all. The exchange with Buhar moved in that space, between the concrete and the abstract, without forcing anything. In the end, everything circled back to the same point: lived experience, what actually happens to us. And perhaps that is the only question that matters, though it’s better not to open it too far, because it might never end. Between anecdotes, ideas, and projects, a constant reflection emerged about the place of art today, its necessity and its ability to open spaces, both physical and symbolic, for thinking and feeling in new ways.

When I first heard about Arthaus, I felt that unusual mix of surprise and excitement: the kind of thing we admire when traveling and seeing cultural spaces in other cities,  except this one exists here, in downtown Buenos Aires. It’s not simply a venue that houses art, but a space where art is experienced. A singular proposal in the city, difficult to compare.

Buhar explains that the idea took shape during the pandemic , that global pause that halted everything and unexpectedly opened time to imagine. “Don’t overthink it,” he says. The phrase resonates because it runs counter to the paralysis that ideas sometimes produce when they keep spinning in our heads. The key, he suggests, is to act,  to bring imagination down to earth. Arthaus was born, in part, from that creative urgency: the need to transform pause into movement. He even reflects that without that extraordinary context, the project might not exist as we know it today.

Suddenly, a line by Henry David Thoreau echoes the spirit of that moment:
“If you have built castles in the air, your work need not be lost; that is where they should be. Now put the foundations under them.”

The conversation moved like art itself: one word led to a memory, an image opened another reflection. Thinking about art today,  in these increasingly liquid times, as anticipated by Zygmunt Bauman, means asking where it stands: what it says, how it circulates, and how it continues to dialogue with everyday experience.

The numbers suggest fewer people are going to movie theaters. The question expands: what about art exhibitions? In that context, spaces like Arthaus propose another logic. It’s not only about programming music, theater, or film, but about creating experiences that invite people to inhabit art differently, watching a movie from a rooftop terrace, for instance, sitting in a lounge chair, letting the work converse with its surroundings. Rather than competing with screens, the aim seems to be recovering shared presence and turning it into experience.

There’s something almost magical about the place, and it isn’t accidental. When art is lived up close, a sense of discovery appears, as if each detail opens a new reading. During the conversation, references ranged from iconic works to collectives like Mondongo, connected to a personal experience of Buhar’s: a piece he acquired that moves him beyond any market value. In that gesture, it becomes clear that for him art is a living bond, something that touches you and stays with you.

A line by Marcel Proust captures that idea:
“The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes.”

Talking with him confirmed that Arthaus is not just a cultural venue,  it’s a way of thinking about how we want to inhabit art today. His discourse carries a clear conviction: art must remain alive, capable of unsettling, demanding, and coexisting with us as an active presence.

Looking back at his childhood helps map that trajectory: business was inheritance; music was refuge and an early form of freedom (what freedom means is another conversation). Today, those dimensions coexist. He composes when he can, without romanticizing the process, aware that creating also means managing time. He also highlights Argentina’s cultural vitality, its capacity to produce intensely even under adverse conditions. Passion appears as an engine, but not enough on its own. Buhar doesn’t talk about luck or formulas; more than enthusiasm, he conveys assurance,  speaking with the clarity of someone who knows what he stands for without presenting it as absolute truth.

He smiles at the idea of extreme planning. Arthaus is only a few years old and already emotional for him. He admits he didn’t overcalculate. Today he’s happy the project works, but his gaze never lingers on what’s already achieved. There was no certainty of success, just a decision to move forward. “I didn’t think too much. Sometimes people ask if I imagined it would be like this… honestly, I didn’t. I’m glad it works, of course, but I’m already thinking about what comes next,  what to add, how to expand. I never stopped to wonder if it would turn out well. I just did it.”

How does our understanding of art change today, in a context shaped by networks and constant transformation?

A.B.: Art is a work in progress. It isn’t fixed; it’s continuously built, debated, and redefined over time. What we consider art today might not have been recognized as such years ago, because our gaze evolves, and that’s precisely its strength. Art works on how we see the world and ourselves. Faced with the classic question of usefulness, it differs from technical disciplines: while engineering or architecture solve concrete problems, art operates on another plane.

The banana

The work created by Maurizio Cattelan consists of a real banana taped to a wall with silver duct tape, accompanied by a certificate of authenticity allowing the fruit to be replaced. It was auctioned in New York by Sotheby’s for $6.2 million. Entrepreneur Justin Sun purchased the piece and later ate the banana at a press conference.

Buhar reads it as an ironic gesture: an ordinary fruit (almost a joke) that rots quickly, attached in the most precarious way. “Everything contradicts the classical idea of a durable artwork meant to last forever. This exists knowing it will disappear. The tension grows when something ephemeral sells for millions: what are you really buying,  the object, the idea, the experience? That’s where conceptual art activates a question. Rather than offering answers, it pushes us to rethink value, materiality, and experience.”

How can an artwork provoke reflection and debate without simply seeking provocation?  Thinking of León Ferrari’s La civilización occidental y cristiana

A.B.: Ferrari’s work sparked enormous debate; it had been a long time since an artist generated that level of discussion. Provocation is part of the game, whether you seek it or not, but it isn’t a single thing. Sometimes provocation leads nowhere; other times it opens meaning. Context matters. Often what’s most interesting isn’t the piece alone, but the conversation it creates. For me, the real challenge isn’t provocation, it’s indifference.

What does it mean today to talk about “elitist” versus “popular” art?

A.B.: It means recognizing we don’t all start from the same place. People face different realities, urgencies, and time constraints, which shape their access to art. Understanding something, or having time for it, depends on basic needs being met. That’s why meritocracy can be misleading. Money and time don’t hold the same meaning when survival is at stake. If I have money that determines whether I eat, that’s life itself. If that need is covered, the same amount becomes leisure. The same applies to time: not everyone has the same margin to pause and enjoy.

How do artificial intelligence and technological acceleration impact our thinking?

A.B.: The tool doesn’t worry me, the speed does. Constant acceleration erodes our ability to process experience, and subjectivity begins to blur. Art becomes a space to slow down and recover perspective. It reminds me of historical moments when societies encountered abrupt change without time to assimilate it. Today, content cycles in seconds, platforms fragment attention, even films assume viewers check their phones. It alters our relationship with time and raises a question: what happens to our inner tempo? A century ago, physical labor naturally exercised the body; now we use gyms. Perhaps we need intellectual gyms,  because we’re exercising thought less and less.

How do we build an independent gaze in an algorithm-driven culture?

A.B.: Recognizing what happens to you in front of an artwork is an act of critical awareness. It’s not enough to say “I like it” or “I don’t.” You need to understand where your perspective comes from. Diversity of viewpoints expands perception. The problem arises when networks reduce that plurality to likes and niches reinforcing certainty. Preserving spaces where difference can coexist, where experience is exchange rather than consumption,  is essential to maintaining a personal gaze.

Buhar doesn’t give a strict formula, but suggests not freezing in pursuit of genius or external validation. Start with something that sparks interest and explore what it awakens. Creation, he insists, is sustained by curiosity and authenticity. It’s less about chasing results than building a real relationship with what you do, and letting that guide the path.

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El Eternauta nos sorprendió a todos esta semana con sus efectos visuales que están a la altura de otras superproducciones de Hollywood , es por eso que hoy hablamos con uno de los técnicos involucrados, Bruno Scopazzo que integró uno de los equipos locales de VFX.

Bruno Scoppazzo : Cuando me enteré que Stagnaro iba a dirigir la serie pensé que iba a estar increíble.
También pensé que la iba a ver desde el sillón. Pero eso cambió cuando me convocó Ignacio Pol
de Control Studio, después de ver mi desempeño en VFX y Unreal Engine, el software que se iba a
utilizar en la serie. Me encontré en el mejor lugar en el que podía estar, fascinado por formar
parte de un dream team de técnicos con muchas ganas de compartir conocimiento y trabajar en
equipo.

Bruscopa, ¿es tu nombre artístico?

Bruscopa hoy es mi nombre artístico. En principio fue mi usuario de Instagram (no es más que las primeras letras de mi nombre y apellido juntadas), y era mi cuenta personal, subiendo fotos y situaciones como cualquier cuenta habitual. Con el tiempo, el contenido que fui subiendo empezó a mutar hacia videos creativos, algunas cosas técnicas, curiosidades de los efectos visuales, experimentos que tenía ganas de hacer, algunos chistes y canciones. De alguna manera terminó siendo mi alter ego profesional.

Los VFX en la cultura Popular

¿Podemos decir que el artista se hace o se nace? ¿Hay una historia personal previa al
cine y los VFX?

Bruno: Me parece que el hacerse está muy vinculado a los estímulos que uno va teniendo. Es
imposible hablar de esto sin mencionar las películas que considero que lo van formando a uno:
Volver al Futuro, Roger Rabbit, Jurassic Park, Terminator 2, Space Jam, Star Wars Episodio 1 y (me pongo de pie) Matrix. Todas aparecieron mientras cursaba la primaria y, definitivamente, los efectos visuales iban marcando inconscientemente un camino en cuanto a lo que me interesaba consumir.

Siempre me interesó el arte visual. Desde muy pibito hacía cómics en cuadernos rayados, en la secundaria hacía stop motion con legos y cortos con amigos usando una webcam de pésima calidad, donde ya empezaba a experimentar con la edición digital de fotogramas. Terminé la secundaria haciendo un video emotivo para el acto de fin de año. Hoy puede no parecer tan complejo, pero en ese momento nadie generaba ni consumía contenido. En ese contexto, continuar mis estudios en Diseño de Imagen y Sonido en la UBA fue el paso más claro. Eso que nos contás es muy filosófico. Jean-Paul Sartre decía: “Cada hombre es lo que hace con lo que hicieron de él” Vos venís de una generación audiovisual, donde la TV reinaba y el cine era un lujo. Hoy todo eso cambió con las nuevas tecnologías.

Foto: Bruno Scoppazzo

Del eternauta a Unreal Engine

¿Cómo te sentiste al ser parte de la postproducción de El Eternauta? ¿Habías leído
previamente la historieta?

Bruno: Sí, claro. Tengo una edición del ‘93 medio hecha bolsa, pero le tengo mucho cariño.
Recuerdo haberla leído en los primeros años de la secundaria y compartirla con compañeros
que se habían identificado con la localía de la aventura. Eso era una de las cosas más interesantes: que todo pasaba a dos cuadras de tu casa. Era uno de los objetivos de Bruno Stagnaro. También disfruté mucho Okupas, que pude ver en su emisión original en Canal 7. Cuando me enteré que Stagnaro iba a dirigir la serie pensé que iba a estar increíble. También pensé que la iba a ver desde el sillón. Pero eso cambió cuando me convocó Ignacio Pol de Control Studio, después de ver mi desempeño en VFX y Unreal Engine, el software que se iba a utilizar en la serie. Me encontré en el mejor lugar en el que podía estar, fascinado por formar parte de esto.

Mencionás a Unreal Engine. ¿Lo empezaste a usar por laburo o por hobby? ¿Y qué
trabajo tuviste que realizar en la serie?

Bruno: En mi caso, laburo y hobby tienen un límite muy borroso. Podría decirse que fue por
curiosidad. Ya usaba herramientas de CGI desde mediados de los 2000, pero Unreal está en
otra categoría. Se destaca por su capacidad de generar imágenes fotorealistas en tiempo real,
algo que antes requería horas de procesamiento por fotograma. Esta capacidad permitió el surgimiento de la “producción virtual”, que utiliza entornos virtuales en el set. En El Eternauta se
usó esta tecnología en algunas secuencias, generando los entornos en Unreal que corrían en
tiempo real en pantallas LED gigantes. La cámara del set actuaba como el «joystick», y el entorno acompañaba su movimiento, generando la ilusión de integración entre el mundo real y el virtual. Mi rol fue vestir esos entornos: agregar detalles como grafitis, semáforos, carteles rotos, etc.

Fotogrametría

Entiendo que hubo escaneo virtual y pasado a otro programa luego, tuvieron que
modelar de cero las estructuras de las fachadas?

Bruno: este proceso se llama fotogrametría y creo que establecimos un record con los
kilómetros escaneados y la cantidad de geometría que pusimos a andar en unreal. Ese escaneo
3D de las fachadas en algunas ocasiones pasaban a modelado 3D para emprolijarse o a veces
remodelarse de cero, tomándolas como referencia. ese proceso se hizo con Reality Capture, con
el equipo liderado por Daniel Cappelletti.

EL PLANO 31 600

¿Es ahí donde entra el famoso plano 31 600?

Bruno: El plano EE_101_031_0600, más conocido entre los técnicos como el “31 600” es un plano
místico que tuvo su historia en el proceso de Post Producción. Simplemente se usó para definir
el entorno de las casas del barrio de la casa de Favalli, lo que hizo que tenga muchas versiones
hasta que finalmente fue aprobado. Fue un chiste interno de la oficina, siempre que alguno
recibía ese plano cantábamos la canción de la 31 600. Hoy la historia del plano y la canción la
pueden escuchar en mi Instagram @bruscopa el propio Bruno Stagnaro dijo que era como un
registro documental del proceso de post, y escribió los dos renglones que figuran como prólogo
en el video de la 31 600.

En la canción que se transformó en tendencia viral, se habla por un lado desde la
experiencia, pero por el otro se hace relación al proceso de Post llevado a cabo en
parte, hasta su aprobación final y el formateo de discos, (algo quizás común para los
que trabajan en Post) que al personificarlo en una canción, le abriste una ventana al
espectador. Dentro de esa canción se mencionó a Blender, que relación tenes con el
Soft y para que se usó en la producción?

Bruno: En realidad las versiones eran de los fondos que luego pasan al sector de composición,
básicamente integrar el fondo con el material grabado, el proceso habitual que usábamos antes
del uso de las pantallas en set. Simplemente el chiste fue que habían planos que parecen ser más complejos que eran aprobados y terminados más rápidamente que este que parece ser bastante simple. Es una de las curiosidades que ocurren en postproducción. Los ajustes de los que habla la canción están ficcionados y exagerados, las capturas de pantalla donde se ven los feedbacks de Bruno Stagnaro están escritos por mi, ya que en principio iba a ser un video para que nos divirtamos los técnicos. por ejemplo uno de las devoluciones era «cambiar algo en blender» uno de los programas que usaban los modeladores 3D para hacer y cambiar los Assets que después poníamos en Unreal, Blender se menciona porque algunos modeladores 3D como Hernan Carreras o Bruno Chiroleu, lo usaban para modificar assets que luego integrábamos en Unreal. Claramente los feedbacks eran mucho mas precisos que eso. El chiste final de la canción es que en un momento (spoiler) finalmente aprueban el plano y ya no tenemos que abrir mas esa escena, al punto en que terminamos nuestro trabajo y desinstalamos los programas y formateamos los discos por que ya no tenemos que abrir mas ese proyecto de Unreal.

VIRTUAL PRODUCTION

Mencionaste el uso de pantallas en sets. ¿El plano 31 600 fue realizado sin estas
pantallas?

Bruno: Exactamente, no quiero ponerme muy técnico pero hoy existen dos maneras de tener un
personaje real en un fondo virtual, uno es la Virtual Production (con las pantallas) esto también
se conoce como «In Camera VFX» osea que los Efectos Visuales que históricamente se hicieron
en postproducción, ahora se graban en cámara, ósea en vivo en el momento que están grabando, ya que ese fondo se diseñó ANTES de grabar y podemos grabar con ese fondo corriendo en la pantalla.

La otra forma es la forma tradicional, posiblemente vean imágenes de backstage de películas
donde vean la performance de actores enfrente de fondos pintados de verde o azul, que luego
ese color se vuelve «transparente» en el proceso de postproducción y se coloca ahí cualquier
fondo generado por computadora. De esta manera ya no importa que el fondo corra en tiempo
real como un videojuego. En el eternauta hay algunas secuencias grabadas con pantallas de led
y otras que fueron hechas con este método más tradicional. muchas veces depende de tener
esos fondos diseñados al momento de grabar. no es que ese proceso deja de existir, solo hay
que hacerlo antes. Muchas veces no se llega y hay que «ARREGLARLO EN POST»

UNA PRODUCCIÓN SIN IA

Lo más reciente en tecnología de VFX entonces es el virtual Production, pero en la
canción del plano 31 600, se usó La IA y para referirme a ese punto, hay quienes
mencionan que hoy estamos en un punto de inflexión donde el debate es IA si o IA
no, pero en tanto a la producción, crees que la IA es fundamental para el trabajo de
VFX o está reemplazando puestos laborales?

Bruno: La IA no se usó en la serie, esto lo aclaro por las dudas, yo personalmente estoy usando
herramientas que usan IA en el contenido que subo a mis redes. Son dos cosas diferentes mi
trabajo profesional en la serie de Netflix, y el contenido que subo a mi Instagram.
Cómo ves el trabajo que se realizó en la serie y la llegada del fenómeno de la IA, que por un lado está ayudando y por el otro está dejando afuera a mucha gente. El proceso de la serie arrancó hace bastante tiempo, cuando a la IA generativa le faltaba bastante cocción… A medida que íbamos avanzando y veíamos las cosas de las que era capaz la inteligencia artificial íbamos bromeando con que esta iba a ser la última serie hecha por humanos. Hoy no podría decir a ciencia cierta que va a pasar con ese recurso, parece indicar que vamos camino a un futuro donde cada persona podría llegar a la casa y pedirle a su TV la serie que quiere ver y esta se podría ir generando en el momento sin recursos humanos involucrados directamente. en el medio aparecerán los híbridos en donde algunas cosas las resolveremos los humanos y otras las IAs hoy la IA no es fundamental para el trabajo en VFX y todavía no es precisamente maleable para llegar a determinados resultados, y ni hablar de que hoy no pasaría un control de calidad, una serie de Netflix requiere cierto manejo de archivos de video digitales de mucha información, resolución, espacios de color, y cosas muy especificas que hoy por hoy no pueden generar los motores de IA… Aunque es posible que con el tiempo, los humanos se acostumbren a una calidad de imagen más baja y todo termine en algún lugar del medio donde ir al cine a ver una película hecha por humanos va a tener otro valor… no se, es algo que parece ciencia ficción a veces, y a veces no tanto.

Haciendo una analogía con la historieta, ¿se puede decir que el trabajo en equipo
“salvó” el proyecto, y venció de alguna forma a la IA?

Bruno: Más que vencer a la IA, el trabajo en equipo venció al individual. Este proyecto no se
podría haber hecho sin equipo. No hablo solo del grupo que se armó en Monte Castro, sino
también de proveedores de VFX nacionales e internacionales. Yo simplemente participé desde
dentro de K&S y Control Studio, pero participaron varios estudios nacionales e internacionales
con los que nos complementamos, cada uno con su equipo para completar la obra.

Para concluir, ¿sentís que esta serie abre una puerta a nuevas producciones con
estas tecnologías?

Bruno: Creo que hablo por muchos cuando digo que sentimos orgullo. Para mí fue un privilegio,
especialmente por el grupo humano que conocí y que hoy son amigos. Por ahora, la única
puerta que espero que se abra es la de la temporada 2. Mientras tanto, seguiré aportando mi
conocimiento donde me necesiten. Cada plano de El Eternauta tiene su nombre y su historia. Esta es la historia del 31 600. Su nombre completo es EE_101_031_0600 La nomenclatura de cada plano, es un codigo que nos ubica en serie, temporada, capitulo,escena y plano. Este es el codigo del plano 6 de la escena 31 del capitulo 1. Famoso plano en laetapa de post produccion por tener bastantes versiones. Con el tiempo le fuimos tomando cariño y lo llamamos simplemente 31 600.

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Kevin Cummins no es simplemente un fotógrafo. Es —ante todo— un contador de historias. Sus imágenes no solo capturan; trascienden. Respiran al ritmo de las bandas que marcaron época. Desde Joy Division hasta Oasis, Cummins estuvo ahí, en primera fila, registrando momentos fundacionales del rock británico. Su archivo es mucho más que una colección: es memoria viva. Cada una de sus fotos es un fragmento irrepetible de historia, un latido que sigue resonando.

¿Sabía Kevin, en ese instante, lo que estaba logrando? Algo me dice que sí. Que detrás de cada disparo había una intuición, una certeza silenciosa: esas imágenes no eran solo para ese momento. Eran infinitas. Eran (son) eternas.

Podría hablar sobre la importancia de la fotografía, pero no voy a dar un sermón. Todos sabemos cómo este arte tan esencial suele ser subestimado en una era donde todo es instantáneo y efímero. Mejor dejo que hable Julio Cortázar, el inmortal escritor (y amante de la fotografía), tan lúdico, que comprendía la magia del acto de mirar: «Entre muchas maneras de combatir la nada, una de ellas es la fotografía.»

Las imágenes de Kevin Cummins tienen eso: alma. Son testimonio. Kevin no solo ama la música: ama el fútbol, ama la cultura. Es curioso, es pasional. Y siempre —siempre— lleva la cámara como una extensión de sí mismo. Con una sensibilidad afilada, casi quirúrgica, su obra no solo documenta: revela.

Adora Buenos Aires y siempre espera con ansias su regreso. En su brazo lleva a Maradona tatuado, un símbolo de su pasión por el fútbol. Hablar con él es un verdadero placer. Es sabio sin necesidad de ostentarlo, observa y escucha antes de responder. No teme detenerse en lo simple, porque sabe que en lo sencillo está la belleza. Y se nota, se siente, que ama profundamente lo que hace.

Kevin contempla. Kevin no se apresura. Kevin dispara. Porque Kevin tiene algo único, algo que escasea cada vez más: mira el mundo con respeto y con una necesidad insaciable de seguir descubriéndolo.

A raíz de su nuevo libro, Oasis: The Masterplan. Photographs by Kevin Cummins, Featuring Noel Gallagher, Kevin reflexiona en esta entrevista exclusiva sobre su proceso creativo, la fotografía en la era de la inteligencia artificial, la cultura de la imagen, su pasión por el fútbol y, por supuesto, su relación inquebrantable con los Gallagher.

“No creo que la cámara importe demasiado”

Los fotógrafos estamos cansados de que nos pregunten con qué cámara trabajamos. Como si el equipo fuera responsable del talento. Kevin lo explica con claridad británica:

“Es como preguntarme qué tipo de bolígrafo uso para firmar mi nombre. Uso la mejor cámara que puedo permitirme y que se sienta natural al tacto. Tiene que ser como una extensión de tu cuerpo, tan familiar como tu mano. Y sobre las fotos con celular: lo uso más como una libreta de apuntes. Incluso he publicado fotos tomadas con mi iPhone, pero no documento cada segundo de mi vida. ¿Qué les pasa? ¿De verdad creen que alguien quiere ver una película autobiográfica de 24 horas? Con lo digital, podrías fotografiar tu vida entera en una sola tarjeta de memoria… pero eso no significa que debas hacerlo. ¡Edítense!”

¿Recuerdas la primera vez que fotografiaste a Oasis? ¿Cómo era el ambiente? ¿Y tenías alguna intuición, incluso en ese momento, de lo grandes que llegarían a ser?

A comienzos de 1994, antes de que Oasis se convirtiera en la banda más grande del Reino Unido, su sello discográfico, Creation Records, me encargó una sesión fotográfica. Querían que los retratara en distintos lugares y usando diferentes técnicas de iluminación en estudio, para definir qué estilo visual les convenía más. En febrero volé a Ámsterdam para una primera sesión. Supuestamente iban a estar allí como teloneros de The Verve, pero solo Noel se presentó. Asumí que los demás estaban aún de fiesta desde la noche anterior, pero Noel me contó que los habían arrestado en el ferry rumbo a Holanda por pelear con hinchas del Chelsea (y no del West Ham, como se dijo erróneamente), y que los habían mandado de vuelta a Inglaterra. Él decía que se lo perdió todo porque se había ido a dormir temprano. Le saqué una foto a Noel junto al cartel del concierto, para demostrar que yo había estado allí y para usarla como imagen de nota en el NME. Finalmente, unas semanas más tarde hicimos una sesión en un estudio de fotos en el este de Londres, y después en las calles de Soho y el West End.

En septiembre de 1994, durante su primera gira por Japón y Estados Unidos, muchos fans de Oasis llevaban camisetas del City con el logo de Brother. Muchos ni sabían que era una marca de electrónica. Algunos incluso me preguntaron si era un símbolo de hermandad.

Mientras tanto, la sesión con las camisetas del City se convirtió en una de mis más conocidas y todavía aparece en portadas de revistas en todo el mundo. El NME la usó recién el 2 de enero de 2010 para un especial retrospectivo de la banda.

He trabajado con Oasis —y también con Noel y Liam en sus carreras solistas— durante más de 30 años, fotografiándolos para revistas de música, Esquire, una campaña de camisetas del City, varias veces para Adidas SPZL, y también para la portada del disco Council Skies de Noel con High-Flying Birds.

Es una relación profesional que disfruto muchísimo, y estoy muy orgulloso de este cuerpo de trabajo.

Tu trabajo suele capturar el alma de los músicos que fotografías ¿Cómo abordas el retrato de artistas —especialmente en un género tan cargado emocionalmente y tan mitificado como la música? ¿Te resulta difícil permanecer “invisible” para capturar esa intimidad real?

Lo que necesito es que la cámara sea invisible. Cuando el sujeto responde a mí y no al dispositivo, sé que la relación es la adecuada.

Hablemos de fútbol. Con Guardiola quizás pensando en irse, ¿estamos realmente ante el fin de una era? ¿Cómo ves la evolución del fútbol en el futuro —no solo a nivel táctico, sino en términos de identidad y narrativa?

Si supiera cómo va a evolucionar el fútbol, ¡sería el próximo entrenador del Manchester City! (Risas) Bueno, Pep todavía no se ha ido. De hecho, ha sido nuestro técnico por más tiempo que en cualquier otro club. En Inglaterra —como en otros lugares— la gente se identifica fuertemente con sus clubes de fútbol, y eso no siempre es sano, ya que dificulta la objetividad. Los hinchas de otros equipos discuten sin parar sobre el City. Deberían concentrarse en sus propios clubes y dejarnos disfrutar viendo al nuestro.

En una era de IA e imágenes sintéticas, ¿qué hace que una fotografía siga siendo «real»? ¿Te preocupa, te intriga o incluso te inspira la presencia de la IA en el mundo visual?

Me preocupa el futuro de la fotografía real. Pero tal vez simplemente tengamos que aceptar que la fotografía auténtica tendrá una fecha de finalización por confirmar. Hay un enorme cuerpo de trabajo genuino para disfrutar. Luego, dejemos que los ladrones y plagiadores se apoderen del campo con la IA, y veremos cuánto disfrutan las personas de eso.

¿Hay alguna banda o artista actual que realmente disfrutes, no solo visualmente, sino también por su música? ¿Y hay alguien a quien aún no hayas fotografiado pero te gustaría hacerlo?

Me gusta Hurrah For the Riff Raff. Me encantaría fotografiarlos. También me gustaría fotografiar a Bob Dylan —a quien nunca he retratado— y a Taylor Swift, porque es un fenómeno.

Con los debates actuales sobre tarifas de fotografía y derechos de imagen, ¿cómo ves el futuro de la industria? ¿Por qué deberíamos luchar para proteger nuestro trabajo y legado?

Siempre debes conservar los derechos de autor. Hay mucha gente que intenta robar tu trabajo, pero al menos TÚ eres el dueño.

Acabas de lanzar tu nuevo libro sobre Oasis ¿Qué tipo de reacciones has recibido? ¿Ha cumplido tus expectativas respecto a la respuesta de los fans y la crítica?

Sí, hasta ahora ha sido increíblemente popular. Se ha traducido al coreano, japonés, francés e italiano. También hay una versión norteamericana y, obviamente, una británica. Las ediciones británica y americana están disponibles en todo el mundo. Esperábamos que un editor español lo comprara, pero, lamentablemente, no fue así.

¿Tienes alguna anécdota inolvidable detrás de escena durante alguna de tus sesiones con Oasis? ¿Algo inesperado o memorable que haya ocurrido mientras capturabas esos momentos icónicos?

Los Gallagher son grandes hinchas del Manchester City, como yo, y tenía muchas ganas de fotografiarlos con las camisetas del City para el NME. Un mes después hicimos esas fotos dentro y fuera del estudio. Fue una sesión que me sigue encantando, pensada para la portada y nota principal. Mi editor en ese momento —fan del Southampton— decidió no usarla en tapa porque no quería que el diario se asociara con “perdedores».  Eso envejeció bien, ¿no?

Curiosidades que nos comparte Kevin:

Todo en el libro fue tomado en película. Las diferencias de color se deben a los procesos de revelado y a condiciones dudosas de almacenamiento.

La foto grupal de las páginas 20-21 está dañada porque era un clip test (un pedazo corto de película para probar exposición). Es la única foto a color que sobrevive de esa sesión, por eso decidí incluirla. Retocar el daño en la esquina superior derecha con Photoshop la habría vuelto menos auténtica, así que la dejé como estaba.

La sesión de las páginas 50 a 59 fue tomada en Flitcroft Street, cerca de Charing Cross Road en Londres, como guiño a Garry Flitcroft, que en ese entonces jugaba en el mediocampo del City.

Toda la ropa que usa la banda es suya, salvo las dos camisetas del City, que eran mías, y una camisa de mezclilla azul de Armani que Liam usa en las páginas 223 a 227. Yo la llevaba puesta y se la presté para que él y Noel tuvieran colores similares.

La foto de apertura del libro, donde se me ve fotografiando a Liam, fue tomada en París en el año 2000. Quería algo distinto para la imagen del autor, y me pareció apropiada.

Mucha gente me ha dicho que empezó a seguir a la banda gracias a esa sesión con las camisetas del City, y porque se vestían como sus amigos. Eso generaba una conexión inmediata. Se los veía cercanos, accesibles.

También fue la primera banda con la que mi hija, Ella, se identificó. Tenía ocho años en 1994. Me dijo recientemente porqué aún es su banda favorita:

“Ser hincha del City en la primaria en Manchester era difícil. En 1994 no éramos muy buenos, en 1996, peor. Me cargaban todo el tiempo. Siempre digo que eso te forma carácter: tenías que ser resiliente y tener sentido del humor. Crecí rodeada de música y bandas que quizás una nena de 8 años no conocía. No era ‘cool’ que te gustaran bandas diferentes, bandas que no fueran de chicos lindos. Y de repente apareció una banda a la que no le importaba nada, que era de a la vuelta de casa, y que además ¡era del City! Y estaban orgullosos de eso. Iban a ser ‘la banda más grande del planeta’. Después los conocí y empecé a pasar tiempo con ellos junto a mi papá. Me hicieron sentir cool y que estaba bien ser distinta y que no importaba un carajo lo que pensaran. El show de Oasis en Maine Road fue un sueño cumplido. Todos querían estar ahí. Y de alguna forma, todo cambió.”

Cambió para fans como Ella, y también para la banda.

Oasis The Masterplan: https://linktr.ee/oasismasterplan
X: https://x.com/kcmanc

Sergio Agüero & Kevin Cummins

*English version

KEVIN CUMMINS: HIS NEW BOOK ABOUT OASIS

By Valeria Massimino

Kevin Cummins is not just a photographer. Above all, he is a storyteller. His images don’t just capture moments; they transcend them. They breathe to the rhythm of the bands that defined an era. From Joy Division to Oasis, Cummins was there, front and center, documenting the formative moments of British rock. His archive is more than just a collection: it is a living memory. Each of his photos is an irreplaceable fragment of history, a heartbeat that continues to resonate.

Did Kevin know, at that moment, what he was achieving? Something tells me he did. That behind every shot, there was an intuition, a silent certainty: those images were not just for that moment. They were infinite. They are (they will always be) eternal.

I could talk about the importance of photography, but I won’t give a sermon. We all know how this essential art is often underestimated in an era where everything is instantaneous and ephemeral. I’d rather let Julio Cortázar, the immortal writer (and photography enthusiast), speak, so playful and insightful, who understood the magic of the act of looking: “Among many ways to combat nothingness, one of them is photography.”

Kevin Cummins’ images have that: soul. They are testimony. Kevin doesn’t just love music: he loves football, he loves culture. He’s curious, he’s passionate. And he always—always—carries the camera as an extension of himself. With a sharp, almost surgical sensitivity, his work doesn’t just document: it reveals.

He adores Buenos Aires and always looks forward to his return. On his arm, he has Maradona tattooed, a symbol of his love for football. Talking to him is a true pleasure. He is wise without needing to flaunt it, he observes and listens before responding. He’s not afraid to stop at simplicity, because he knows that in simplicity, there is beauty. And it shows—it feels—that he deeply loves what he does.

Kevin contemplates. Kevin doesn’t rush. Kevin shoots. Because Kevin has something unique, something that is becoming rarer by the day: he views the world with respect and an insatiable need to keep discovering it.

Following the release of his new book Oasis: The Masterplan. Photographs by Kevin Cummins, Featuring Noel Gallagher, Kevin reflects in this exclusive interview about his creative process, photography in the age of artificial intelligence, the culture of images, his passion for football, and, of course, his unbreakable bond with the Gallaghers.

“I don’t think the camera matters that much”

Photographers are tired of being asked about the camera they use. As if the equipment is responsible for the talent. Kevin explains this with British clarity:

“It’s like asking me what type of pen I use to sign my name. I use the best camera I can afford that feels natural to the touch. It has to be an extension of your body, as familiar as your hand. And about cell phone photos: I use it more like a notebook. I’ve even posted photos taken with my iPhone, but I don’t document every second of my life. What’s wrong with people? Do they really think anyone wants to watch a 24-hour autobiographical movie? With digital, you could photograph your entire life on one memory card… but that doesn’t mean you should. Edit yourselves!”

Do you remember the first time you photographed Oasis? What was the atmosphere like? And did you have any intuition, even then, about how big they would become?

In early 1994, before Oasis became the biggest band in the UK, their record label, Creation Records, asked me to do a photo shoot. They wanted me to photograph them in different places, using various studio lighting techniques, to define what visual style suited them best. In February, I flew to Amsterdam for a first session. They were supposed to be there opening for The Verve, but only Noel showed up. I assumed the others were still partying from the night before, but Noel told me they had been arrested on the ferry to Holland for fighting with Chelsea fans (not West Ham, as was wrongly reported) and had been sent back to England. He said he missed it all because he went to bed early. I took a picture of Noel by the concert poster to prove I had been there and to use it as a note image for NME. A few weeks later, we did a session in a photo studio in East London, and then on the streets of Soho and the West End.

In September 1994, during their first tour of Japan and the United States, many Oasis fans were wearing City shirts with the Brother logo. Many didn’t even know it was an electronics brand. Some even asked me if it was a symbol of brotherhood.

Meanwhile, the session with the City shirts became one of my most famous, still appearing on magazine covers worldwide. NME even used it on January 2, 2010, for a retrospective special on the band.

I’ve worked with Oasis—and also with Noel and Liam on their solo careers— for over 30 years, photographing them for music magazines, Esquire, a City t-shirt campaign, several times for Adidas SPZL, and also for the cover of Noel’s Council Skies with High-Flying Birds.

It’s a professional relationship I truly enjoy, and I’m very proud of this body of work.

Your work often captures the soul of the musicians you photograph. How do you approach the portrait of artists—especially in such an emotionally charged and mythicized genre like music? Do you find it difficult to stay “invisible” to capture that real intimacy?

What I need is for the camera to be invisible. When the subject responds to me and not to the device, I know the relationship is right.

Let’s talk about football. With Guardiola possibly thinking of leaving, are we really seeing the end of an era? How do you see the evolution of football in the future—not just tactically, but in terms of identity and narrative?

If I knew how football would evolve, I’d be the next manager of Manchester City! (laughs) Well, Pep hasn’t left yet. In fact, he’s been our manager longer than at any other club. In England—just like elsewhere—people strongly identify with their football clubs, and that’s not always healthy, as it makes it difficult to be objective. Fans of other teams constantly argue about City. They should focus on their own clubs and let us enjoy watching ours.

In an era of AI and synthetic images, what makes a photograph still “real”? Are you worried, intrigued, or even inspired by the presence of AI in the visual world?

I’m worried about the future of real photography. But perhaps we just have to accept that authentic photography will have an expiration date, to be confirmed. There’s a huge body of genuine work to enjoy. Then, let the thieves and plagiarists take over with AI, and we’ll see how much people enjoy that.

Is there any current band or artist you really enjoy, not only visually but also for their music? And is there anyone you haven’t photographed yet but would love to?

I like Hurrah For the Riff Raff. I’d love to photograph them. I’d also like to photograph Bob Dylan—who I’ve never photographed—and Taylor Swift, because she’s a phenomenon.

With the current debates about photography rates and image rights, how do you see the future of the industry? Why should we fight to protect our work and legacy?

You should always retain copyright. A lot of people try to steal your work, but at least YOU own it.

You’ve just released your new book about Oasis. What kind of reactions have you received? Has it met your expectations in terms of fan and critical response?

Yes, it’s been incredibly popular so far. It’s been translated into Korean, Japanese, French, and Italian. There’s also an American version and, of course, a British one. The British and American editions are available worldwide. We expected a Spanish publisher to buy it, but unfortunately, that didn’t happen.

Do you have any unforgettable behind-the-scenes anecdotes during your sessions with Oasis? Anything unexpected or particularly memorable that happened while capturing those iconic moments?

The Gallaghers are big Manchester City fans, just like me, and I was really excited to photograph them with City shirts for NME. A month later, we did those photos inside and outside the studio. It was a session I still love, designed for the cover and the main story. My editor at the time—a Southampton fan—decided not to use it on the cover because he didn’t want the paper to be associated with “losers.” That aged well, didn’t it?

Curiosities shared by Kevin:

Everything in the book was shot on film. The color differences are due to the development process and questionable storage conditions.

The group photo on pages 20–21 is damaged because it was a clip test (a short piece of film used to test exposure). It’s the only surviving color photo from that session, which is why I decided to include it. Retouching the damage in the top right corner with Photoshop would have made it feel less authentic, so I left it as it was.

The session on pages 50 to 59 was shot on Flitcroft Street, near Charing Cross Road in London, as a nod to Garry Flitcroft, who was playing midfield for City at the time.

All the clothes the band wears are their own, except for the two City shirts, which were mine, and a blue denim Armani shirt that Liam wears on pages 223 to 227. I was wearing it and lent it to him so he and Noel would have similar colors.

The opening photo of the book, where you see me photographing Liam, was taken in Paris in 2000. I wanted something different for the author photo, and that felt right.

A lot of people have told me they started following the band because of that City shirt session, and because they dressed like their friends. It created an immediate connection. They seemed approachable, relatable.

It was also the first band my daughter, Ella, identified with. She was eight years old in 1994. She recently told me why they’re still her favorite band:

“Being a City fan in primary school in Manchester was tough. In 1994 we weren’t very good; in 1996, even worse. I got teased all the time. I always say it builds character—you had to be resilient and have a sense of humor. I grew up surrounded by music and bands an eight-year-old probably wouldn’t know. It wasn’t ‘cool’ to like different bands, bands that weren’t boy bands. And then suddenly there was this band that didn’t care about anything, that was from down the street, and they were City fans! And they were proud of it. They were going to be ‘the biggest band in the world.’ Then I met them and started spending time with them through my dad. They made me feel cool, like it was okay to be different, like it didn’t matter what anyone thought. The Oasis show at Maine Road was a dream come true. Everyone wanted to be there. And somehow, everything changed.”

It changed for fans like Ella—and it changed for the band too.

Oasis The Masterplan: https://linktr.ee/oasismasterplan
X: https://x.com/kcmanc

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La cineasta Kelsey Taylor reinventa el clásico de Caperucita Roja en To Kill a Wolf, una inquietante fábula moderna que explora el abuso y la manipulación desde la mirada de una adolescente. La película, que ya pasó por prestigiosos festivales como Edimburgo, Austin y Mill Valley, se proyectó en el Santa Barbara International Film Festival dentro de la categoría «Festival Circuit Favorites». Con un elenco destacado y la producción de Joseph Restaino (PIG) y Georgina Campbell (Barbarian), esta propuesta de Oregon-noir sigue consolidándose como una de las más interesantes del circuito independiente.

En exclusiva, hablamos con Kelsey Taylor sobre su ópera prima, el proceso creativo y los desafíos de llevar esta historia a la pantalla.

Entrevista: Valeria Massimino

¿Qué te inspiró a contar esta historia en particular? ¿Cómo surgió la idea de To Kill a Wolf? ¿Está basada en hechos reales o experiencias personales?

Siempre me han atraído las adaptaciones y me fascinan los cuentos de hadas, el folclore y la mitología. Me gusta analizar el mensaje simple de estas historias, mirar más allá de la moraleja en blanco y negro y descubrir la verdad compleja detrás de frases como «no te salgas del camino». Al explorar el significado más profundo de ese mensaje, el abuso sexual se presentó como un camino natural a seguir, considerando que es uno de los problemas más comunes que enfrentan las jóvenes. Aunque la película no está basada directamente en hechos reales, me inspiré en experiencias personales y relatos de personas que han sufrido abuso y manipulación. Espero seguir explorando los desequilibrios de poder y el abuso en futuros proyectos.

La película aborda el abuso, un tema que a menudo está vinculado a la dinámica familiar. ¿Por qué decidiste explorar este tema en tu historia?

No puedo evitar ver cómo el trauma generacional, en diferentes niveles, se transmite de una generación a otra. Nuestros padres nos cuentan historias que nos moldean desde la infancia, y gran parte de lo que somos proviene de ellos. Muchos de nosotros nos sentimos atrapados en ciclos que se nos impusieron desde niños. Las familias son complicadas. Sé que seguiré explorando los conflictos familiares durante toda mi carrera.

¿Crees que el cine tiene el poder de visibilizar estos temas difíciles y generar un cambio real?

El cine tiene una capacidad increíble para atraer la atención y generar un cambio real a través de su impacto en la audiencia. Eso es precisamente lo que me atrajo al mundo del cine. Las historias compartidas moldean nuestra cultura. Aunque los documentales son llamados más directos a la acción, creo que las películas narrativas tienen el mismo poder. Mi objetivo es que cada película que haga ayude a las personas a empatizar con los demás y a cambiar su manera de actuar, aunque sea una persona a la vez.

En tu opinión, ¿la sociedad le presta suficiente atención al problema del abuso o sigue siendo un tema ignorado?

Creo que se ha prestado atención a casos de alto perfil en los que personas con mucho poder han sido expuestas, gracias a que la sociedad está más atenta a las denuncias de abuso. Sin embargo, muy poco ha cambiado para las víctimas cuyos abusadores no atraen la atención mediática o que no tienen los recursos, ni económicos ni emocionales, para enfrentar el crimen cometido contra ellas. Es difícil cuando las consecuencias de hablar parecen peores que las de quedarse en silencio. La mayoría elige callar. Me ha impactado la cantidad de historias de abuso que he escuchado de los espectadores después de ver la película—relatos que nunca antes se sintieron cómodos compartiendo.

¿Crees que este tipo de abuso se discute abiertamente en tu país y en el mundo, o sigue siendo un tema tabú?

Sigue siendo un tema muy tabú. Las víctimas suelen culparse a sí mismas, y parte del objetivo de esta película es mostrarles que no están solas y que los abusadores pueden ser personas con una doble cara. En el entorno familiar, en particular, es un tema difícil de abordar. Nadie quiere pensar que algo así está ocurriendo en su hogar.

Un guion de desarrollo pausado que construye tensión y malestar progresivamente—¿cómo abordaste la narración y el ritmo para lograr ese efecto?

Siempre he tenido la misión, como guionista y directora, de respetar la inteligencia del público. La gente es perspicaz y le gusta resolver acertijos, así que creo que lo mejor es no dar demasiada información y permitir que los espectadores «descifren» la historia por sí mismos. También soy una firme creyente en la construcción de tensión, tanto en el terror como en la comedia. La anticipación es donde se generan las emociones más intensas… Tenemos varias escenas que incomodan al público, y creo que esto se debe a que nos negamos a apartar la cámara de una actuación, obligando a la audiencia a confrontar esa incomodidad.

¿Cómo fue la recepción de la película en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara?

Lamentablemente, no pude asistir al festival, pero varios miembros de nuestro elenco y equipo estuvieron presentes, y me alegra que hayan podido experimentar la película con una audiencia, porque creo que así es como el cine se vive mejor. Es increíble sentir colectivamente la película con otras personas—escuchar las risas nerviosas, los suspiros de frustración cuando el villano teje su red. Estoy inmensamente agradecida con Santa Bárbara por incluirnos en la categoría de Favoritos del Festival, ya que esto nos da una mayor visibilidad ante el público. Hay muchísimas películas increíbles en un festival, y siempre me honra cuando alguien elige ver la nuestra.

¿Qué mensaje esperas que el público se lleve de la película?

Espero que la audiencia salga con una sensación de perdón. Hacia los demás y hacia sí mismos. Todos merecen una segunda oportunidad, y espero que, después del viaje que emprenden con estos personajes, tengan más empatía por quienes los rodean.

English version

«To Kill a Wolf»: A Dark Modern Tale at the Santa Barbara Film Festival

Filmmaker Kelsey Taylor reimagines the classic Little Red Riding Hood in To Kill a Wolf, a haunting modern fairytale that delves into themes of abuse and manipulation through the lens of a teenage girl. The film, which has already screened at prestigious festivals such as Edinburgh, Austin, and Mill Valley, was showcased at the Santa Barbara International Film Festival in the «Festival Circuit Favorites» category. With a strong cast and the backing of producers like Joseph Restaino (PIG) and Georgina Campbell (Barbarian), this Oregon-noir drama continues to make waves in the independent film circuit.

In an exclusive interview, we spoke with Kelsey Taylor about her directorial debut, the creative process, and the challenges of bringing this story to life.

Interview: Valeria Massimino

What inspired you to tell this particular story? How did the idea for To Kill a Wolf come
about? Was it based on real events or personal experiences?

I have always been drawn to adaptations and I love fairytales, folklore and
mythology. I love dissecting the simple messaging of these stories, looking behind
the black and white moral of the story, to the complex truth behind a message like,
“don’t stray from the path”. In exploring the more complicated truth behind that
message, sexual abuse seemed a natural path to go down considering it’s probably
one of the most common issues that plague young women. While the film is not
directly inspired by real events, I have drawn from both personal and anecdotal
experiences of those who have experienced grooming and abuse first hand and I
hope to continue exploring the idea of power imbalances and abuse in future
projects.

The film deals with abuse, a subject that is often linked to family dynamics. Why did you
choose to explore this theme in your story?

I can’t help but see how generational trauma, which is all relative, gets passed
down from one generation to the next. Our parents tell us the stories that shape us
as children and so much of who we are comes from them and so many of us feel
helpless to break free from cycles that were instilled in us as children. Families are
complicated. I’ll be unpacking family drama for the rest of my career.

Do you think cinema has the power to shed light on these difficult topics and create real
change?

Cinema has an incredible power to bring attention and enact real change through its
ability to compel audiences to action. That’s what initially drew me to filmmaking.
Shared stories shape our culture. Documentaries are more clear calls to action, but
I think narrative films have the same power and I hope that every film I make helps
people to empathize with others and change their behavior, even if only one person
at a time.

In your opinion, is society paying enough attention to the issue of abuse, or is it still
largely ignored?

I think a lot of attention has gone to high profile cases where people with a great
deal of power have been toppled thanks to society paying more attention to issues
of abuse. However, I think very little has changed when it comes to abusers who do
not attract media attention and victims who don’t have the resources, financially or
emotionally to do something about the crime committed against them. It’s hard
when the consequences for the victim speaking up appear to have more fallout than
staying quiet. Most choose to live in silence. I’ve been horrified by how many stories
of abuse I’ve heard from viewers after seeing the film— stories they’ve never felt
comfortable sharing before.

Do you think this kind of abuse is talked about openly in your country and worldwide, or
is it still a taboo subject?

I think this kind of abuse is very much a taboo subject. I think victims often blame
themselves and that’s part of the goal of this film— is to show those people that
they are not alone and that the villains that prey upon such victims can be very two
faced. I think especially within families this is a difficult subject to broach. No one
wants to think it’s happening in their home.

A slow-burning script that gradually builds tension and unease—how did you approach
the storytelling and pacing to achieve this effect?

I’ve always made it a mission as a writer and director to respect audiences’
intelligence. People are keen viewers and puzzle solvers and I think it’s always best
to not give too much information away so that they’re actively engaged in “solving”
the film. I’m also a big believer in building tension, both in horror and comedy
work. Anticipation is where all the intense feelings happen… We have a number of
scenes that make people squirm and I think that’s because we refuse to cut away
from a performance and audiences are forced to sit with that discomfort.

How was the film received at the Santa Barbara International Film Festival?

I unfortunately was unable to attend the festival, but a number of our cast and crew
were able to attend and I’m delighted that they could view the film with an
audience as I think that’s how cinema is best experienced. It’s incredible to
collectively FEEL the film with the other people— to see where people chuckle, to
hear the sighs of frustration while the villain spins his web. I’m incredibly thankful
to Santa Barbara for including us in the Festival Favorites category as I feel like this
gives an extra boost to enticing audiences. There’s so many incredible films to see
at a festival— I’m always honored when someone chooses to see ours.

What message do you hope audiences take away from the film?

I hope that audiences walk away with a sense of forgiveness. For others, for
themselves. Everyone deserves a second chance and I hope that after the journey
an audience has gone on with these characters, they have more sympathy for those
around them.

La entrada Entrevista con Kelsey Taylor, directora de ‘To Kill a Wolf’ se publicó primero en REVISTA META.

Como es (sana) costumbre, tuvimos el placer de hablar con Sean Baker, un cineasta independiente que, desde los cinco años, sabía exactamente lo que quería ser: director de cine. Es una figura única, con una mentalidad distinta y un admirable compromiso con el arte de contar historias, siempre enfocándose en aquellas que merecen mayor visibilidad. Su ingenio, creatividad y maestría hacen que su obra sea realmente inolvidable. Baker no solo escribe, dirige y edita, sino que además crea un mundo propio en cada una de sus películas, algo que pocos cineastas logran con tanta autenticidad.

También nos compartió cómo es trabajar junto a su esposa y productora, Samantha Quan, con quien forma un equipo perfectamente sincronizado. Desde los inicios de su carrera, Baker demostró una visión única: tomaba cualquier cámara que tuviera a mano y salía a filmar, como hizo con Take Out, su primer largometraje, que fue realizado con un presupuesto de 3.000 dólares y que rápidamente destacó por un estilo distintivo.

Entrevista: Valeria Massimino
Foto: 2024 Cannes Film Festival

“Soy un cineasta independiente, pero vivo en Hollywood, lo cual es algo irónico. Estoy aquí por amor al cine, rodeado de increíbles salas de proyección y artistas que comparten esa misma pasión”, nos cuenta Baker, enfatizando su independencia, su amor por el cine y su deliberado distanciamiento del lado más comercial de la industria.

Su último proyecto, Anora, es notable: una película divertida, con un final desgarrador que deja al público reflexionando mucho después de que los créditos terminan. Sean Baker está, sin duda, en ascenso, y aunque esperamos que pronto reciba llamadas de toda la industria, confiamos en que se mantendrá fiel a su esencia, continuando con esa mirada auténtica y única que lo caracteriza.

Los finales suelen ser la parte más crucial de una película. ¿Sabías que este final hipnótico e inolvidable sería así desde el inicio del proceso creativo?

Sí, considero que los finales son la parte más importante de la narración cinematográfica. Normalmente necesito definir el final antes de comenzar a escribir un guion, y ese fue el caso de Anora. Este final en particular fue diseñado para ser abierto a interpretaciones, pero fue algo muy deliberado. Requirió un esfuerzo significativo por parte del elenco y el equipo, ya que técnicamente fue un desafío. Estoy realmente satisfecho con el resultado. Creo que tuvo el impacto deseado, especialmente porque la gente lo está comentando y haciendo preguntas al respecto, y ese era exactamente nuestro objetivo.

¿Cuál es tu opinión sobre la llamada «Generación Z»? ¿Crees que realmente les importa algo o esto es un mito?

Sí, creo que les importa mucho más de lo que se les reconoce. He notado un deseo en la Generación Z de simplificar algunos de los aspectos complicados de la vida moderna. Por ejemplo, Mikey Madison no tiene redes sociales, y eso me parece admirable. Además, creo que esta generación ha crecido en una era particularmente difícil. La pandemia de COVID, combinada con el clima cultural y político de la última década, ha tenido un gran impacto en ellos, y quieren ver un cambio real.

¿Cómo es trabajar tan de cerca con tu esposa, Samantha Quan, quien además es una talentosa productora? ¿Cómo influye su presencia en el proceso creativo y sientes que aporta una dinámica única a tus películas?

Samantha y yo estamos muy sincronizados. Como productora, entiende lo que necesito y mis sensibilidades creativas. Junto con nuestro otro productor, Alex Coco, creo que formamos un trío fuerte (risas). Samantha también participa profundamente en el casting, por eso recibe créditos adicionales en este rubro en mis películas. En Anora, fue fundamental para seleccionar a los bailarines y a los personajes secundarios. Además, es una gran actriz y una excelente coach de actuación. En The Florida Project, trabajó como coach tanto de los niños como de las actrices que interpretaron a las madres, y su aporte fue invaluable.

¿Cómo manejas la crítica? ¿Te afecta o te motiva de alguna manera?

Bueno, mentiría si dijera que no me afectan las opiniones. Intento que no me influyan demasiado, pero soy humano, así que, por supuesto, lo hacen. Si algo, la crítica me empuja a mejorar. Al final, mientras sienta que hice la película que quería hacer, intento no preocuparme demasiado por las reseñas. Eso es todo lo que puedo decir al respecto.

¿Podremos verte en los Oscars pronto?

(Risas) ¿Cómo se supone que voy a saberlo? No lo sé. Parece que esta película ha sido muy bien recibida, pero lo que realmente me importa es que mis actores y mi equipo obtengan el reconocimiento que merecen. Si Mikey Madison o alguno de mis otros actores recibiera algo de la Academia, sería increíble.

Si no estuvieras haciendo películas, ¿dónde crees que canalizarías tu forma creativa de observar el mundo?

Oh, no lo sé. Nunca he conocido otra cosa que no sea hacer cine. Desde los cinco años he querido ser cineasta. Quizás haría algo como un podcast, pero no estoy seguro. Definitivamente no soy un artista: no puedo pintar, no sé dibujar, no toco ningún instrumento, y recién ahora estoy empezando a verme como un escritor. Así que, honestamente, no tengo idea.

¿Nueva York o Los Ángeles?

En este momento, mi corazón está con Los Ángeles, especialmente por los recientes incendios forestales. He vivido aquí durante 15 años y me he enamorado del lugar. No me gusta el lado más industrial de las cosas; de hecho, me mantengo bastante alejado de eso, para ser sincero. Soy un cineasta independiente, pero vivo en Hollywood, lo cual es algo irónico. Estoy aquí por amor al cine, rodeado de increíbles salas de proyección y artistas que comparten esa misma pasión. La calidad de vida aquí es maravillosa, aunque me solidarizo con quienes han sido afectados por los incendios. Tengo la suerte de vivir en West Hollywood, donde no nos hemos visto directamente afectados.

*English version

As usual, we had the pleasure of speaking with Sean Baker, an independent filmmaker who, since the age of five, knew exactly what he wanted to be: a film director. He’s a unique figure, someone with a distinct mindset and an admirable commitment to storytelling, always focusing on stories that deserve greater visibility. His ingenuity, creativity, and craftsmanship make his work truly captivating. Baker not only writes, directs, and edits but also creates a world of his own in each of his films—something few filmmakers achieve with such authenticity.

He also shared insights about working with his partner and producer Samantha Quan, with whom he collaborates in perfect harmony. From the beginning of his career, Baker demonstrated his unique vision: he would grab whatever camera he had and start filming, as he did with Take Out, his first feature film, which was made on a $3,000 budget yet immediately stood out due to his distinctive style and unmistakable voice.

“I’m an independent filmmaker, but I live in Hollywood, which is a bit ironic. I’m here for the love of cinema, and I’m surrounded by incredible movie theaters and fellow artists who share that passion,” Baker tells us, emphasizing his independence, his love for filmmaking, and his deliberate distance from the more commercial side of Hollywood.

His latest project, Anora, is remarkable: a fun film with a heartbreaking ending that leaves the audience thinking long after the credits roll. Sean Baker is undoubtedly on the rise, and while we expect he’ll soon be receiving calls from all over the industry, we trust he’ll remain true to his essence, continuing to enchant us with his authentic and singular perspective.

Endings are often the most crucial part of a film. Did you know this hypnotic, unforgettable ending from the beginning of the creative process?

Yes, I consider endings to be the most important part of cinematic storytelling. I usually need to figure out the ending before I start writing my screenplays, and that was the case with Anora. This particular ending was designed to be open to interpretation, but it was something very deliberate. It required significant effort from both the cast and crew because it was technically challenging. I’m really happy with how it turned out. I think it had the intended impact, especially since people are discussing it and asking questions about it—that was exactly our goal.

What’s your take on the so-called “Gen Z”? Do you think they care about anything, or is this a misconception?

Yes, I think they care about a lot more than they’re given credit for. I’ve noticed a desire among Gen Z to remove some of the complications of modern life. For example, Mikey Madison doesn’t have social media, which I find very admirable. I also believe this generation has grown up in a particularly challenging era. COVID, combined with the cultural and political climate of the last decade, has had a significant impact on them, and they want to see real change.

What is it like to work so closely with your wife, Samantha Quan, who is also such a talented producer? How does her presence shape the creative process, and do you feel it adds a unique dynamic to your films?

Samantha and I are very much in sync. As a producer, she understands what I need and my creative sensibilities. Along with our other producer, Alex Coco, I believe we form a strong trio (Laughs). Samantha is also deeply involved in casting, which is why she receives additional casting credits on my films. For Anora, she was instrumental in casting the dancers and supporting characters. Beyond that, she’s a wonderful actor and an excellent acting coach. On The Florida Project, she coached both the children and the actresses who played the mothers, and her contribution was invaluable.

How do you handle criticism—does it shape you or fuel you in any way?

Well, I’d be lying if I said I’m not affected by opinions. I try not to let them influence me too much, but I’m human, so of course they do. If anything, criticism pushes me to improve. Ultimately, as long as I feel confident that I made the film I wanted to make, I try not to worry too much about reviews. That’s really all I can say about that.

Can we expect to see you at the Oscars soon?

(Laughs) How am I supposed to know? I don’t know! There seems to be a lot of love for this film, but what really matters to me is that my actors and crew get the recognition they deserve. If Mikey Madison or any of my other actors received something from the Academy, that would be amazing.

If you weren’t making films, where do you think you would channel your creative way of observing the world?

Oh gosh, I don’t know. I’ve never known anything other than filmmaking. Since I was five years old, I’ve wanted to be a filmmaker. Maybe I’d do something like a podcast—I’m not sure. I’m definitely not an artist—I can’t paint, I can’t draw, I don’t play any instruments, and only now am I starting to see myself as a writer. So, honestly, I have no idea.

New York or Los Angeles?

Right now, my heart is with LA, especially given the recent wildfires. I’ve lived here for 15 years, and I’ve fallen in love with it. I don’t love the industry side of things—I keep myself quite removed from it, to be honest. I’m an independent filmmaker, but I live in Hollywood, which is a bit ironic. I’m here for the love of cinema, and I’m surrounded by incredible movie theaters and fellow artists who share that passion. The quality of life here is wonderful, though my heart goes out to those affected by the fires. I’m lucky to live in West Hollywood, where we haven’t been directly impacted.

La entrada ENTREVISTA: Sean Baker: ‘Soy independiente, pero vivo en Hollywood’ se publicó primero en REVISTA META.

Desde pequeño, ¿tenías claro que serías chef? Cuando te preguntaban: ¿qué vas a hacer cuando seas grande? ¿ya te veías en una cocina, creando platos?

Todo en mi vida estaba preparado para que fuera abogado, ese era el anhelo de mis padres. Sin embargo, decidí desde muy joven que esa vida predecible no era para mí. La cocina me es algo familiar, es algo que heredé y que me transmitieron con mucho amor. Es una profesión que elegí y que me eligió.

La Cabrera es un ícono de Palermo, un lugar donde siempre hay fila, sin importar el clima, día o situación económica. ¿Cómo fue el proceso para llegar a ese éxito y qué crees que distingue a La Cabrera para mantenerse siempre en la cima?

La Cabrera es una casa de carnes que respeta la tradición y la esencia de la familia argentina, rindiendo un orgulloso tributo a la cultura culinaria del Río de la Plata. Todo el recorrido que vivencian las personas, desde que llegan hasta que se van, está pensado para despertar sus sentidos, donde los aromas y sabores del lugar les hacen vivir una experiencia gastronómica única e inigualable.

Buenos Aires es una ciudad con una oferta gastronómica impresionante. ¿Cómo lográs que La Cabrera destaque y se mantenga como uno de los mejores restaurantes en una ciudad tan competitiva?

En Buenos Aires tenemos muchos competidores talentosos, y esa competencia nos impulsa a mejorar todo el tiempo. La innovación es fundamental para mantenernos al día con nuevas tendencias gastronómicas y seguir destacándonos como uno de los mejores restaurantes. Además hago cursos constantemente, como por ejemplo, de brasserie o de servicio al cliente.

Luego de la pandemia, muchos aspectos del sector gastronómico cambiaron. ¿Qué ajustes tuviste que hacer? 

Desde que La Cabrera abrió sus puertas hace más de dos décadas, enfrentamos muchos desafíos, y la pandemia fue uno de ellos. Estos desafíos nos impulsan a ser más creativos y a buscar soluciones innovadoras para seguir creciendo, pero apenas pudimos abrir la vereda, abrimos y se llenó.

La Cabrera tiene presencia en más de 20 países, un logro impresionante. ¿Cómo manejas la expansión internacional y cómo aseguras que la experiencia siga siendo auténtica en cada rincón del mundo?

Desde el primer restaurante en el barrio de Palermo, hemos crecido hasta contar con más de 28 locales en todo el mundo, incluyendo países como Chile, Colombia, España, Filipinas, México, Paraguay, Perú, y Estados Unidos. Cada local de La Cabrera mantiene la esencia y la tradición argentina, adaptándose a las características y preferencias de cada región sin perder su autenticidad. Consideramos que cada uno de ellos es un pedacito de Buenos Aires inserto en la geografía de otro país, una especie de embajada de La Cabrera Buenos Aires en Palermo. Por lo tanto, nos ocupamos de capacitar y rotar al personal para garantizar que siempre haya un gerente y un parrillero entrenados por nosotros que controlen que el restaurante funcione a la perfección.

Para mí, cuidar la marca es fundamental, y eso exige continuos viajes para supervisar que cada emprendimiento respete la calidad y los tiempos de servicio.

La carne es protagonista en La Cabrera. ¿Cuál es el secreto para seleccionar los

mejores proveedores y llevar a la mesa una carne tan excepcional?

Estoy convencido de que para hacer una cocina de calidad hay que conocer de dónde proviene el producto que vamos a utilizar. Ese es el primer y mayor secreto. Un cocinero debe cocinar con aquello que lo rodea, interiorizarse con la historia de su gente, de su tierra y de sus materias primas.

¿Cuál es la historia de la carne? ¿Cuáles son las mejores razas cárnicas? ¿Qué importancia tiene el tipo de alimentación que reciben los animales? 

Pensé que comenzar a investigar sobre estos temas era el primer paso para hacer de La Cabrera una parrilla diferente. Me conecté con productores, me interesé por la cría de los animales y conocí las instalaciones de distintos frigoríficos. Todo este aprendizaje me permitió saber qué tipo de carne quería servir en el restaurante. Así elegí los cortes que me parecieron más apropiados para integrar el menú de una casa de carnes de alta calidad.

Para los jóvenes que sueñan con convertirse en chefs y triunfar en el mundo de la gastronomía, ¿qué consejo les darías para destacarse y lograr el éxito en esta industria tan competitiva?

Viajar es una de las cosas que recomiendo siempre para complementar la formación. Trabajar bajo el mando de otros cocineros, hacer stages o pasantías de perfeccionamiento en restaurantes de distintos países permite tomar contacto con otras culturas, con otros ingredientes, con otros aromas y recetas. A su vez, considero que un cocinero es más completo cuando aprende a manejar una diversidad de técnicas. Especializarse en una sola de ellas, como puede ser la parrilla, no está mal, pero disminuye el abanico de recursos que debe reunir un jefe de cocina.

Los tres pilares que distinguen a La cabrera: menú, ambiente y servicio 

● Menú: nos destacamos por nuestras innovadoras técnicas de cocción, la calidad de nuestra materia prima y el arte que despliegan nuestros cocineros. La carne de La Cabrera está seleccionada cuidadosamente y proviene de los mejores cortes y razas, incluyendo Angus Red, Angus Black, Wagyu, Nebraska, Brangus, Hereford, así como también pollo, cerdo y pescado. Consideramos que una casa de carnes debe poder ofrecer distintos tipos de productos, no limitarse a una única variedad, como un modo de enriquecer la propuesta gastronómica y de satisfacer a diferentes tipos de paladares.

A su vez, más allá de las ensaladas variadas y originales, servimos guarniciones especiales en cazuelitas que se convirtieron en un sello de la casa, acompañando a las carnes en cada mesa del salón.

Con los postres, intentamos hacer lo mismo que con los platos: que sean ricos, divertidos y que sorprendan.

● Ambiente: mezcla los estilos de un bistró francés, un bodegón típico de Buenos Aires y ambientación barroca. La música y la cálida recepción del personal completan el clima del restaurante. Un lugar único que combina innovación con un ambiente cálido y familiar.

● Servicio: distinguido, diferente y distendido. Los mozos y mozas que van y vienen, cantando las comandas, se integran naturalmente al movimiento del salón y se articulan con las charlas de los clientes en cada mesa. El equipo de trabajo es esencial para lograr un servicio de excelencia y la formación del personal es continua.

English version

Gastón Riveira: “Cooking is a profession I chose, and it chose me.”

Meta had the honor of visiting «La Cabrera,» one of the most iconic steak restaurants in Buenos Aires, located in the heart of Palermo Hollywood. This renowned spot attracts both locals and food lovers from all over the world. To delve deeper into this gastronomic adventure, we sat down with its founder, the prestigious chef Gastón Riveira.

“La Cabrera” has firmly established itself as a meat-lover’s paradise and a landmark in the culinary scene of Buenos Aires. With a proposal that respects Argentine family traditions while embracing a contemporary vision, Riveira has masterfully combined the finest cuts of meat—like Angus, Wagyu, and Hereford—with impeccable service. Every detail, from the atmosphere to the selection of ingredients, is designed to awaken the senses and offer an unforgettable experience. In this interview, Riveira shares the origins of La Cabrera and how it has evolved into a global culinary reference.

It’s not just about eating—it’s about living a complete experience. Every dish is crafted with such attention to detail that it captivates. From starters like the knife-cut fried beef empanada to the irresistible provoleta, a classic staple, everything at La Cabrera is designed to leave a lasting impression on every guest. In a warm and professional setting, we had the unique experience of savoring everything from their exquisite steaks to vegetarian options like pastas and traditional desserts that round out a gastronomic offering blending tradition and creativity, conquering even the most discerning palates.

Gastón Riveira on his journey:

Since childhood, did you know you wanted to be a chef? When people asked, «What do you want to be when you grow up?» did you already envision yourself in a kitchen, creating dishes?

Everything in my life pointed toward me becoming a lawyer—that was my parents’ dream for me. But at a young age, I realized that predictable life wasn’t for me. The kitchen felt familiar, something I inherited and was passed down with love. It’s a profession I chose, and it chose me.

«La Cabrera» is a Palermo icon, always with a line out the door, regardless of the weather or the economy. What do you think has been the key to achieving this level of success?

La Cabrera is a steakhouse that honors Argentine family traditions and pays proud tribute to the culinary culture of the Río de la Plata. Every moment, from when guests arrive until they leave, is crafted to awaken their senses, where the aromas and flavors create a unique and unmatched dining experience.

With Buenos Aires being such a competitive culinary city, how do you ensure that La Cabrera stands out and remains one of the top restaurants?

In Buenos Aires, we have many talented competitors, and that pushes us to constantly improve. Innovation is key to staying ahead of trends and continuing to stand out. I also take courses regularly, including in brasserie service and customer care.

After the pandemic, many aspects of the food industry changed. What adjustments did you make?

Since La Cabrera opened its doors more than two decades ago, we’ve faced many challenges, and the pandemic was just another one. These challenges push us to be more creative and seek innovative solutions, but as soon as we were able to open our outdoor seating, we did—and it was packed.

La Cabrera has expanded to over 20 countries, an impressive achievement. How do you manage this international growth and ensure the experience remains authentic across the globe?

From the first restaurant in Palermo, we’ve grown to more than 28 locations worldwide, including in countries like Chile, Colombia, Spain, the Philippines, Mexico, Paraguay, Peru, and the United States. Each La Cabrera location retains the essence of Buenos Aires, adapting to regional preferences without losing authenticity. We view each one as a small piece of Buenos Aires, like an embassy of La Cabrera. To maintain quality, we train and rotate staff, ensuring that every restaurant has a manager and grill master trained by us. For me, protecting the brand is crucial, which requires frequent travel to ensure that every establishment upholds our standards of quality and service.

The Three Pillars that Distinguish La Cabrera: Menu, Ambiance, and Service

Menu: We stand out with our innovative cooking techniques, the quality of our ingredients, and the artistry of our chefs. La Cabrera carefully selects its meat from the finest cuts and breeds, including Angus Red, Angus Black, Wagyu, Nebraska, Brangus, and Hereford, along with chicken, pork, and fish. We believe a steakhouse should offer a variety of products to enhance the dining experience and satisfy different palates.

Beyond our varied salads, we serve special side dishes in small casseroles, which have become a house signature, accompanying the meats on every table. With desserts, we aim to create the same impact as our dishes—delicious, fun, and surprising.

Ambiance: A blend of a French bistro, a typical Buenos Aires eatery, and baroque décor. The music and warm reception from the staff complete the restaurant’s atmosphere, creating a unique place that combines innovation with a cozy, family-friendly environment.

Service: Distinguished, different, and relaxed. The servers, moving swiftly and singing out orders, blend naturally with the buzz of the dining room, engaging with guests at each table. The team is essential to delivering excellent service, and continuous staff training is a priority.

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Dialogamos con Gabriel Lerman, co-director artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, quien asumió el cargo este año junto a Jorge Stamadianos. En una conversación íntima, Lerman abordó algunas de las críticas surgidas en redes sociales tras su nombramiento y nos brindó un adelanto exclusivo de la 39ª edición del festival, que celebrará el 70º aniversario de la institución.

Lerman comenzó refiriéndose a su reciente designación como co-director artístico: «Asumir este rol ha sido un desafío importante. Sabíamos que no sería fácil, pero aceptamos el reto porque creemos en el festival y en su relevancia para el cine argentino.»

Sobre las críticas y redes sociales

En relación con algunas críticas recibidas, Lerman fue claro: «Sabíamos que íbamos a encontrar mucha resistencia. Hoy, con las redes sociales, las personas opinan sin tomarse el trabajo de leer y sin investigar. Está todo al alcance de la mano, ¿quién soy yo? No es difícil, vayan a Google, pongan mi nombre…»

Es que, a veces, sorprende que se cuestione a los directores artísticos antes de ver resultados. Nunca antes se había pedido un CV con tanto escepticismo.

Los desafíos del festival

Este año, el festival enfrenta dificultades propias de la situación actual del país. Sin embargo, Lerman asegura que el equipo está trabajando arduamente: «Organizar un festival de esta magnitud con los recursos disponibles es todo un reto, pero estamos convencidos de que será un festival más grande y mejor que el del año pasado.»

Sobre la programación, adelantó: «Queremos que todas las personas se vayan satisfechas. La película de apertura será «Emilia Pérez», una producción francesa que promete arrasar en la temporada de premios. Además, estamos trayendo lo mejor del cine argentino, rindiendo homenaje a épocas doradas de nuestra industria.»

«Emilia Pérez» es una gran película, con una interpretación trans impactante de una actriz poco conocida fuera de México. Estoy seguro de que este film la convertirá en una estrella.

Apoyo del INCAA y el financiamiento

En cuanto al financiamiento del festival, Lerman explicó: «El INCAA nunca dejó de financiar el festival, y eso es algo que debemos celebrar. Este año el festival será más grande que el anterior, algo que pedimos cuando nos sumamos al equipo. No podemos seguir con la decadencia; el festival necesita recuperar su grandeza.»

Además, destacó la importancia de mantener todas las competencias del festival: «No vamos a reducir las competencias. Quien diga que el festival de Mar del Plata se achica no sabe lo que está diciendo. Tenemos el compromiso de mostrar lo mejor del cine, sin importar de qué lado del espectro ideológico venga la película. Lo que importa es su calidad artística.»

La esencia del cine

Lerman hizo hincapié en que este es un festival de cine, no político: «No somos de ningún bando. Somos directores artísticos que venimos a hacer un festival de cine. La única ideología que aplicamos es la libertad. Una película puede tener un mensaje político, pero sí la película es panfletaria, para un lado o para el otro, va en contra de su calidad artística. Alguien tiene que transmitir el mensaje de manera sutil, no es que la película no pueda tener una ideología. Un ejemplo de una gran película es ‘La Historia Oficial.’ 

El futuro del festival

Sobre las ediciones pasadas, Lerman comentó: «La última edición fue muy reducida. Hace 10 años, presentábamos 300 largometrajes; en 2023, solo 115.»

Finalmente, Lerman compartió su visión de futuro para el festival: «Esperamos que este sea solo el primer paso de un gran crecimiento y transformación».

Con una variada programación, invitados internacionales, sorpresas y un compromiso claro con el buen cine como meta, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se prepara para una nueva edición.

La entrada Gabriel Lerman: «Hay que entender que el Festival de Mar del Plata, es de cine, no un festival político» se publicó primero en REVISTA META.

A lo largo de la entrevista, Pirovano fue claro al desglosar su visión sobre a quién debe dirigirse el apoyo del Estado. “Si sos un cineasta exitoso y tu película la ven 3 millones de personas, no necesitás ayuda. Si sos un cineasta deficiente, que hace productos que a la gente no le gusta, también está mal ayudarte”, afirmó. Su enfoque apunta principalmente a los nuevos talentos: “Debemos ayudar a quien está empezando, que egresa y tiene que construirse una reputación. Mostrar sus capacidades lleva tiempo”. Este compromiso se traduce en la reactivación de los concursos, que estuvieron paralizados durante los últimos cuatro años.

Las cifras sobre la taquilla nacional también preocupan. En 2023, el cine argentino representó solo un 7% de la taquilla total, y si se excluyen éxitos puntuales como Elijo Creer y Muchachos, la participación baja a un 4%. “En 2024, las películas con apoyo del INCAA no llegaron al 2%”,reveló, enfatizando que la industria necesita reestructurarse para recuperar su atractivo frente al público local.

Pirovano no se limita a diagnosticar los problemas. También expone soluciones. Uno de los proyectos más ambiciosos es la restauración y digitalización de la Cinemateca Nacional, una tarea que considera vital para preservar el patrimonio audiovisual del país. “La Cinemateca se va a mejorar, va a llevar tiempo. Estaba todo en condiciones deplorables”, aseguró, reafirmando su compromiso con la preservación cultural.

Su crítica hacia los mecanismos de fomento anteriores es contundente: “Antes, si hacías una película, no importaba si alguien la veía, te llevabas el subsidio sin rendición de cuentas. Se entregaba la copia original y te daban 50 mil dólares.”

Esta falta de controles no solo llevó a la producción de películas sin audiencia, sino que también contribuyó a un sistema ineficiente. En cifras, Pirovano recordó que de las 236 películas estrenadas en 2023, 100 fueron vistas por menos de 1.000 personas.
Al abordar el contexto internacional, destacó la supremacía del cine estadounidense en taquilla: “Estados Unidos hizo 1.000 películas el año pasado, y Europa 2.400, pero el 70% de la taquilla europea fueron películas americanas. Acá, el 90% de la taquilla también”. Esta tendencia refleja el reto que enfrenta la cinematografía local frente a la dominancia global de las producciones norteamericanas.

También nos contó que series le gustaron a él este año, y las elegidas fueron, The Bear y The Marvelous Mrs. Maisel, las cuales disfrutó recientemente. Con su pragmatismo habitual, Pirovano concluyó con una reflexión sobre el papel del Estado en la industria: “Es muy importante entender que el Estado tiene que tener un rol fundamental en la detección y desarrollo de los talentos, y eso se ha descuidado mucho”. Si bien reconoce la importancia del apoyo gubernamental, también resalta que muchas de las grandes corrientes cinematográficas surgieron sin ayuda institucional, mencionando el neorrealismo italiano como ejemplo. 

Pirovano finaliza con una frase que invita a la reflexión: “con mucha plata podés esconder muchas cosas; cuando no tenés plata, tenés que tener una buena historia”.

La entrada Carlos Pirovano, Presidente del INCAA: «Cuando no tenés plata, tenés que tener una buena historia» se publicó primero en REVISTA META.

Hablamos con el equipo de Cinemark para conocer su visión sobre el futuro del séptimo arte, palpando los cambios a nivel mundial.

Martin Alvarez Morales, Gerente General de Cinemark Hoyts Argentina, comparte su perspectiva sobre cómo el cine continúa emocionando a pesar de las nuevas formas de consumo y las plataformas emergentes.

Entrevista: Valeria Massimino

Hace un tiempo se viene hablando de la «muerte del cine» debido a las plataformas de streaming…  

Lejos estamos de eso, muy por el contrario, sentimos que la industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites. Prueba de esto son las extraordinarias cifras que se alcanzaron durante el año pasado en el cual llegamos a niveles de asistencia similares a los de la prepandemia. 

También por un fenómeno como fue Barbie, que despertó una fiebre rosa a lo largo del mundo entero: generando un comportamiento sumamente disruptivo y espontaneo de la audiencia que impulsó la asistencia masiva del público al cine, en familia, en grupos todos vestidos de rosa; confirmando que el cine sigue siendo un espacio de encuentro, de disfrute y de diversión para todos. 

En el cine es en el único lugar donde hay una sola pantalla y en la que los espectadores ponen su atención, de esta manera se logra una experiencia única que no puede replicarse en otro lado ya que e una casa hay varias pantallas prendidas ( la tv, celulares o tablets que conviven mientras se mira una película) las interrupciones típicas de un llamado telefónico o la recepción de un mensaje, suena le timbre el perro etc, etc son tantas las distracciones que imposibilitan una experiencia como la de ver una película en el cine) 

Directores, guionistas, actores, productores alcanzan la popularidad gracias a la industria cinematográfica, que ofrece una vidriera inigualable para el arte. El cine traspasa fronteras y llega como ningún otro medio a las masas. 

Esto, sumado al trabajo constante de la industria por incorporar nuevas herramientas que brindan al espectador una experiencia cada vez más vívida: Servicios premium, 4D, XD, DBOX, etc. hacen del cine un espectáculo inmersivo. Ya no se ve y se siente, el espectador se sumerge directamente en las historias. 

Por todo esto, la apuesta es cada vez mayor, porque creemos en un futuro auspicioso para el cine, abundantes propuestas cada vez más atractivas y con un público entusiasta que vive las historias mostramos. 

El cine con salas 4D y pantallas gigantes. ¿Es un intento de revitalizar la experiencia en sala? ¿Cómo fue la aceptación? 

Si hay algo que caracteriza a la industria cinematográfica es la búsqueda de innovación: contenidos disruptivos, tecnologías de vanguardia y transformación constante en pos de brindar a un espectador cada vez más exigente, un producto con el más alto estándar de calidad. El público viene a nuestros complejos a buscar un plus, aquello que no consigue replicar en el living de su hogar: una experiencia cada vez más vívida. 

Esa es la razón por la que hemos venido sumando, a lo largo del tiempo y con mucho éxito, salas que cuentan con comodidades e innovaciones tecnológicas que permiten a la audiencia disfrutar de un espectáculo sensorial único, haciendo de nuestros complejos espacios donde se comparten experiencias cada vez más inmersivas. 

Hasta ahora la recepción del público ha sido espectacular y esto se evidencia en los altísimos niveles de ocupación que tienen este tipo de salas a lo largo del año, muy por encima del promedio. 

¿Cuál es el criterio a la hora de elegir qué tantas funciones en argentina, por ejemplo, sean dobladas? ¿Es algo que la gente pide? ¿Hicieron sondeos? (como periodista todo el tiempo me comentan lo molesto que es… y muchas veces no hay otra opción y mucha gente prefiere no verla si está doblada) 

El criterio está determinado por la demanda de nuestros clientes en cada una de las plazas en las que operamos cines en ARG. Desde ya que se realizan sondeos constantemente y tenemos en cuenta el público objetivo de cada una de las películas que estrenamos. 

¿Cómo es el trabajo con la distribuidora? ¿Por qué hay algunas películas que no llegan a estrenarse en cine en Latinoamérica? 

Aunar esfuerzos y sinergizar nuestro trabajo con las distribuidoras es clave en nuestra industria, sin el apoyo mutuo todo sería mucho más difícil. En Argentina se estrenan semanalmente las mismas películas que en el resto de los países de la región. 

¿Aún hay lugar para el cine independiente? 

Sí, definitivamente aún hay lugar para el cine independiente, ya que sigue siendo una parte importante y valiosa de la industria cinematográfica, todos los meses se estrenan varias películas independientes locales y extranjeras. 

Adicionalmente, en nuestra experiencia, los festivales de cine independiente y/o temáticos funcionan muy bien y ofrecen oportunidades para que las películas independientes lleguen a un público más amplio y encuentren reconocimiento. Es una forma más, que brindamos para que todos tengan un lugar dentro del cine. 

¿Cómo la gente va a ver «cine» en cinco años? ¿Será en salas? como ahora? otro tipo de salas? ¿Nuevas experiencias? 

La gente seguirá yendo al cine como ahora, y cada vez más, de la mano de una oferta cada vez mayor de nuevos formatos y tecnologías innovadoras para un disfrute inmersivo de las películas. 

¿Siempre los estrenos más esperados son los «tanques» de Hollywood? (pese algunas críticas de algunos directores/as de cine) 

Si bien los estrenos de Hollywood suelen generar gran expectativa y atracción mediática, esto no significa que sean los únicos productos relevantes para nosotros. El cine internacional, el cine independiente y los contenidos alternativos generan un gran interés entre el público. Consideramos que el público se ha vuelto más diverso en los últimos años y exige contenidos que cumplan con sus expectativas. Para nosotros fomentar esa diversidad se ha vuelto clave para dar respuesta a esta nueva forma de consumo.

*English

The evolution of cinema brings about changes in the way we experience movies, reflecting both cultural and economic transformations. However, cinema remains a fundamental part of our society.

We spoke with the team at Cinemark to understand their vision for the future of the seventh art, sensing changes on a global scale.

Martin Alvarez Morales, General Manager of Cinemark Hoyts Argentina, shares his perspective on how cinema continues to excite despite new forms of consumption and emerging platforms.

Interview: Valeria Massimino

For some time now, there has been talk of the «death of cinema» due to streaming platforms…

We are far from that; on the contrary, we feel that the film industry is surpassing its own limits. Evidence of this is the extraordinary figures reached during the past year, where we reached attendance levels similar to those before the pandemic.

Also, phenomena like Barbie, which sparked a pink fever worldwide, generating a highly disruptive and spontaneous audience behavior that propelled massive attendance to the cinema, with families and groups all dressed in pink, confirming that cinema remains a space for gathering, enjoyment, and fun for everyone.

In the cinema, there is only one screen, and viewers focus their attention on it, thus achieving a unique experience that cannot be replicated elsewhere. At home, there are multiple screens (TV, smartphones, or tablets) that coexist while watching a movie, with typical interruptions like phone calls, receiving messages, doorbells, etc. These distractions make it impossible to have an experience like watching a movie in the cinema.

Directors, screenwriters, actors, producers gain popularity thanks to the film industry, which offers an unparalleled showcase for art. Cinema transcends borders and reaches the masses like no other medium.

This, combined with the constant work of the industry to incorporate new tools that provide viewers with an increasingly vivid experience: premium services, 4D, XD, DBOX, etc., makes cinema an immersive spectacle. Viewers don’t just see and hear; they are immersed directly into the stories.

For all these reasons, the investment in cinema is increasing because we believe in a promising future for cinema, with abundant proposals becoming increasingly attractive and with an enthusiastic audience experiencing the stories we show.

Cinemas with 4D rooms and giant screens. Is it an attempt to revitalize the theater experience? How was the acceptance?

If there’s one thing that characterizes the film industry, it’s the search for innovation: disruptive content, cutting-edge technologies, and constant transformation to provide an increasingly demanding audience with a product of the highest quality. The audience comes to our complexes seeking something extra, something they can’t replicate in their living rooms: an increasingly vivid experience.

That’s why we’ve been adding, over time and with great success, rooms with comforts and technological innovations that allow the audience to enjoy a unique sensory spectacle, making our complexes spaces where increasingly immersive experiences are shared.

So far, the audience’s reception has been spectacular, evidenced by the very high occupancy levels of these types of rooms throughout the year, well above average.

What is the criterion when choosing how many dubbed screenings there will be in Argentina, for example? Is it something people ask for? Have you conducted surveys? (As a journalist, I’m constantly told how annoying it is… and often there’s no other option, and many people prefer not to watch it if it’s dubbed.)

The criterion is determined by the demand of our customers in each of the areas where we operate cinemas in Argentina. Surveys are constantly conducted, and we take into account the target audience for each of the movies we release.

What is the work like with the distributor? Why are there some movies that don’t get released in cinemas in Latin America?

Joining forces and synergizing our work with distributors is key in our industry; without mutual support, everything would be much more difficult. In Argentina, the same movies are released weekly as in the rest of the countries in the region.

Is there still room for independent cinema?

Yes, definitely, there is still room for independent cinema, as it remains an important and valuable part of the film industry. Several independent local and foreign films are released every month.

Additionally, in our experience, independent and/or thematic film festivals work very well and offer opportunities for independent films to reach a wider audience and find recognition. It’s another way we provide for everyone to have a place within cinema.

How will people watch «movies» in five years? Will it be in theaters? Like now? In other types of theaters? New experiences?

People will continue to go to the cinema as they do now, and increasingly so, with a growing offering of new formats and innovative technologies for immersive enjoyment of movies.

Are the most anticipated releases always the Hollywood «blockbusters»? (Despite some criticisms from some directors)

While Hollywood releases often generate great anticipation and media attraction, this does not mean they are the only relevant products for us. International cinema, independent cinema, and alternative content generate great interest among the public. We consider that the audience has become more diverse in recent years and demands content that meets their expectations. For us, fostering that diversity has become key to responding to this new form of consumption.

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nace la idea de este libro?

Siempre me gustó escribir, además de dibujar, claro. Llevo escribiendo en mis diarios desde los doce años y mis días en el zoológico también quedaron plasmados.
Solamente tenía que revivirlos y darle forma a la historia. La idea surgió un poco antes de la pandemia; venía escribiendo y trabajando el texto con una correctora desde hacía más de un año.
La cuarentena, el encierro forzado y la nostalgia de aquellos días al aire libre potenciaron la idea de querer publicarlo.
Por alguna razón, viniendo de una rama artística completamente diferente, el destino me había llevado a trabajar en un zoológico y sentía que esa historia tenía que contarla.
También noté que no existía ninguna novela pasional dentro de un zoológico, y estaba contenta que la mía iba a ser la primera.

¿Qué porcentaje es real en tu novela?

Yo diría que es un 10% de ficción y 90% de realidad. Es todo lo que yo viví, contado en primera persona, aunque algunas cosas parezca difícil de creer.

Amás a los animales desde pequeña ¿Cómo fue trabajar en el zoológico?

Amo a los animales desde chiquita, desde que tengo memoria. Me la pasaba observando a los insectos que llegaban a mi balcón y viendo las fotografías de animales salvajes de las National Geographic.
Mi mamá nos llevaba al zoológico a mi y a mis hermanos cada vez que podía porque nos quedaba muy cerca. Yo disfrutaba mucho de esos paseos con tantos animales y en ese momento no estaba mal visto.

El cómo fue, lo cuento en mi libro con lujo de detalles, pero si tuviera que resumirlo en una oración: » Una experiencia única e irrepetible rodeada de animales salvajes.»

Sé que los Zoos no están bien vistos por el público. Lo mismo pasa con la religión. Determinadas ilusiones sobre la libertad les afectan a ambos. «Vida de Pi» (2001), Yann Martel.

¿Tiene sentido un zoo en la ciudad de Buenos Aires?

Siento que me faltan herramientas y conocimientos para responder esa pregunta. La historia del zoológico de Buenos Aires, es fascinante. Sabemos que data del 1888 y cuenta con un patrimonio cultural que realmente es muy rico.
Antes no estaba mal visto, era un paseo placentero y familiar. Hoy en día no podría decir si están bien o mal aunque por supuesto a ningún ser vivo le gusta estar en una jaula.

Sos una joven escritora ¿Es difícil publicar un libro? ¿Cómo hace un escritor que recién comienza?

Lo difícil es escribirlo. Pero difícil en un buen sentido, a modo de desafío. El esfuerzo que demanda es directamente proporcional a lo que viene después.
Si uno cuenta con el dinero, autopublicar es sencillo. También está la opción de recorrer editoriales con el manuscrito.

En mi caso, en plena pandemia y con el mundo en pausa, sentí que no quería esperar y destiné unos ahorros para publicarlo.

Conocía el proceso porque una amiga había publicado unos años atrás su primer novela. Fue hacer un llamado a Editorial Dunken, pagar la primera cuota y luego la segunda.
Después, solo restaba esperarlo.

Una vez publicado hay que hacer promoción y tratar de que llegue a la mayor cantidad de gente posible.

Personalmente me lo tomo con calma y subo cada vez que lo amerita, alguna foto al instagram de Safari. Generalmente son fotos de animales que amablemente me prestan ex compañer@s y amig@s. Celebro cada vez que se vende uno.

¿Se lee como hace algunos años atrás? ¿La gente tiene tiempo de leer?

Afortunadamente existen las y los booktokers. Jóvenes que se dedican a leer y a reseñar libros en las redes sociales.

Esa es una linda manera de hacer promoción. Hay mucha gente que sigue leyendo a pesar de todo el entretenimiento virtual que nos distrae hoy en día.

Pueden comprar ‘SAFARI’ AQUI

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