Hablar con Andrés Buhar no fue una entrevista en el sentido clásico, sino algo más cercano a una conversación abierta. No hubo un orden rígido de preguntas y respuestas, sino una charla que se fue desplegando con naturalidad, casi como una obra en proceso. Las ideas aparecían, se conectaban entre sí y abrían nuevos caminos. Como suele pasar cuando se habla de arte, una palabra llevaba a otra, una reflexión a una imagen, y de ahí a una pregunta más amplia. La conversación avanzaba sin necesidad de cerrarse, dejando la sensación de que siempre había algo más por pensar, un loop posible, infinito.

Hablar de arte, inevitablemente, es filosofar. No desde un lugar solemne, sino como algo bastante natural: preguntarse por lo que creamos, por lo que consumimos y por el sentido de todo eso. La charla con Buhar se movía ahí, entre lo concreto y lo abstracto, sin forzar nada. Al final, todo volvía a lo mismo: la experiencia real, lo que nos pasa. Y quizá esa sea la única pregunta que importa, aunque mejor no abrirla demasiado, porque podría no terminar nunca.

Entre anécdotas, ideas y proyectos, aparecía esa reflexión constante sobre el lugar del arte hoy, su necesidad y su capacidad de abrir espacios; físicos y simbólicos, para pensar y sentir, quizá, de otra manera.

Cuando escuché por primera vez sobre Arthaus sentí esa mezcla rara de sorpresa y entusiasmo: eso que solemos admirar cuando viajamos y vemos en otras ciudades del mundo, pero que ahora existe acá, en pleno microcentro porteño. No es solo un lugar que alberga arte, sino un espacio donde el arte se vive como experiencia. Una propuesta singular en Buenos Aires, difícil de comparar.

Buhar cuenta que la idea tomó forma en plena pandemia: ese paréntesis global que detuvo el ritmo de todo, también abrió un tiempo inesperado para imaginar. “No hay que sobrepensar”, dice. Y la frase resuena porque va a contramano de esa parálisis que a veces generan las ideas cuando se quedan girando en la cabeza. La clave, sugiere, es hacer: accionar, bajar lo imaginado a tierra. Arthaus nació, en parte, de un impulso creativo: la necesidad de transformar la pausa en movimiento. Incluso reflexiona que, sin aquel contexto extraordinario, quizás el proyecto no existiría tal como lo conocemos hoy.

Y de pronto resuena la frase de David Thoreau: «Si has construido castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué perderse; ahí es donde deben estar. Ahora coloca las bases debajo de ellos».

La conversación se movía como el arte mismo: una palabra llevaba a un recuerdo, una imagen abría otra reflexión. Pensar el arte hoy, en estos tiempos cada vez más líquidos, como anticipó Zygmunt Bauman, implica preguntarse por su lugar: qué dice, cómo circula y de qué manera sigue dialogando con nuestra experiencia cotidiana.

Los números dicen que cada vez menos gente va al cine. Y la pregunta se extiende: ¿qué pasa con las exhibiciones de arte? En ese contexto, espacios como Arthaus proponen otra lógica. No se trata solo de programar música, teatro o cine, sino de experiencias que invitan a habitar el arte de otra manera: ver una película desde una terraza, por ejemplo, sentado en una reposera, dejando que la obra dialogue con el entorno. Más que competir con las pantallas, la apuesta parece ser recuperar el encuentro y convertirlo en experiencia.

Hay algo casi mágico en el lugar, y no es casual. Cuando el arte se vive de cerca aparece esa sensación de descubrimiento, como si cada detalle abriera una nueva lectura. En la charla surgieron referencias que iban de obras icónicas a colectivos como Mondongo, ligado a una experiencia personal de Buhar: una obra que, más allá de cualquier valor, lo emociona. En ese gesto se entiende que para él el arte es un vínculo vivo: algo que te toca, te acompaña.

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos.” Marcel Proust

Hablar con él fue confirmar que Arthaus no es solo un espacio cultural: es una forma de pensar cómo queremos habitar el arte hoy. En su discurso aparece una convicción clara: el arte tiene que seguir vivo, incomodar, exigir, convivir con nosotros como una presencia activa.

Volver a su infancia ayuda a entender el mapa: la empresa era herencia; la música, refugio y una forma temprana de libertad (qué es la libertad es otra conversación). Hoy esas dos dimensiones conviven. Compone cuando puede, sin romantizar el proceso, sabiendo que crear también es administrar el tiempo. También rescata la vitalidad cultural argentina, capaz de producir con intensidad incluso en contextos adversos.

La pasión aparece como motor, pero no basta por sí sola. Andrés Buhar no habla de suerte ni de recetas; más que entusiasmo, transmite seguridad: dice lo que piensa con la claridad de quien sabe lo que defiende, sin pretender que sea la verdad absoluta.

Buhar sonríe ante la idea de planificación extrema. Arthaus nació hace pocos años y emociona. Dice que, en realidad, no lo pensó demasiado. Hoy reconoce que está contento de que el proyecto funcione, pero su mirada nunca se queda en lo que ya logró. No hubo una certeza previa de éxito ni un cálculo: más bien una decisión de avanzar. “No pensé mucho. A veces me preguntan si imaginé que iba a ser así… y la verdad es que no. Me gusta que funcione, claro, pero ya estoy pensando en lo que sigue, en qué sumar, en cómo expandir. Nunca me detuve demasiado en si iba a salir bien. Simplemente lo hice.”

¿Cómo cambia nuestra forma de entender el arte hoy, en un contexto atravesado por redes y transformaciones constantes?

A.B: El arte es un concepto work in progress. El arte no es algo fijo sino un concepto en permanente transformación: se construye, se discute y se redefine con el tiempo. Lo que hoy consideramos arte quizás años atrás no lo hubiera sido, porque nuestra mirada cambia, y justamente ahí radica su potencia. El arte trabaja sobre cómo vemos el mundo y cómo nos vemos a nosotros mismos. Frente a la pregunta clásica de para qué sirve, marca una diferencia con los saberes técnicos: mientras la ingeniería o la arquitectura resuelven problemas concretos, el arte opera en otro plano.

La banana

La obra creada por el artista italiano Maurizio Cattelan, consiste en una banana real pegada a una pared con cinta plateada acompañada de un certificado de autenticidad que permite reemplazar la fruta. Fue subastada en Nueva York por Sotheby’s por $6.2 millones de dólares. El empresario Justin Sun compró la obra y, poco después, se comió la banana en una conferencia de prensa.

Buhar la lee como un gesto cargado de ironía: una fruta común, casi un chiste, que se pudre rápido, atada con cinta de la manera más precaria posible y agrega: “Todo ahí contradice la idea clásica de obra duradera, hecha de bronce o mármol para la eternidad. En cambio, esto existe sabiendo que va a desaparecer. La tensión crece cuando esa pieza efímera se subasta por millones: ¿qué se está comprando realmente? ¿El objeto, la idea, la experiencia? Ahí aparece el juego del arte conceptual, que no busca solo ser contemplado sino activar una pregunta. Más que ofrecer una respuesta, la obra funciona como disparador: nos obliga a revisar qué entendemos por valor, por materialidad y por experiencia”.

Cómo logra una obra generar reflexión y abrir debate sin buscar solo provocar? Recuerdo la obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana”.

A.B: La obra de León Ferrari en su momento generó debate; hacía tiempo que no se hablaba tanto de un artista por lo que había hecho. Y eso también es parte del juego, buscar la provocación, o decidir no hacerlo. Porque la provocación no es una sola cosa: es un territorio amplio. A veces provocar por provocar no conduce a nada; otras, aparece una obra que sí logra abrir algo y generar sentido. Por eso es difícil generalizar fuera de contexto, y más aún sin saber qué puede pasar mañana. En ese marco, muchas veces lo más interesante no es solo la obra en sí, sino el debate que despierta. Para mí, lo verdaderamente complejo no es la provocación… es la indiferencia.

¿Qué implica hoy hablar de arte ‘elitista’ y arte ‘popular’?

A.B.: Hablar de elitismo y de lo popular implica reconocer que no todos partimos del mismo lugar. Cada persona enfrenta realidades, tiempos y urgencias distintas, y eso condiciona el espacio que tiene para acercarse al arte o simplemente disfrutarlo. Comprender algo, o tener el tiempo para hacerlo, también depende de qué necesidades básicas estén resueltas en la vida cotidiana.

Por eso me cuesta cierta idea de meritocracia que supone que todos competimos en igualdad de condiciones. No es lo mismo el valor del dinero ni del tiempo cuando está en juego lo básico que cuando eso ya está garantizado. Si yo tengo 10.000 pesos y de eso depende que hoy pueda comer, ese dinero vale todo: vale la vida. En cambio, si esa necesidad está cubierta, la misma plata puede convertirse en un gusto o un viaje. Ahí se ve claramente cómo cambian las prioridades. Lo mismo pasa con el tiempo y la tranquilidad: no todos disponemos del mismo margen para parar, disfrutar o simplemente darnos un respiro.

¿Cómo impactan la inteligencia artificial y la aceleración tecnológica en nuestra forma de pensar y percibir el mundo?

A.B.: No me preocupa la herramienta en sí, sino la velocidad con la que todo ocurre. Ese ritmo constante puede erosionar nuestra capacidad de procesar lo que vivimos, y ahí es donde la subjetividad empieza a diluirse. El arte es un lugar para frenar, pensar y recuperar una mirada propia.

A veces lo comparo con el choque entre sociedades que se encontraban con transformaciones tan abruptas que no había tiempo para asimilarlas ni construir un marco simbólico para entenderlas. Algo parecido pasa hoy con nuestra percepción del tiempo. En el siglo XX, avances como el auto o el avión cambiaron la experiencia de la velocidad, pero había un período de adaptación. Hoy todo parece acelerarse sin pausa: contenidos que cambian cada segundos, plataformas diseñadas para sostener una atención fragmentada, incluso películas pensadas sabiendo que el espectador mira el celular. Todo eso modifica nuestra relación con el tiempo y plantea una pregunta de fondo: ¿cuál es nuestro tiempo interno frente a esta aceleración constante?

Hace un siglo el trabajo era también físico: caminar, levantar, construir, cosechar… el cuerpo gastaba energía de forma natural. Cuando ese esfuerzo desapareció, aparecieron los gimnasios para compensarlo. Entonces me pregunto si no necesitamos algo parecido para la mente: una especie de gimnasio intelectual, porque cada vez ejercitamos menos el pensamiento. Y ahí hay un desafío real.

¿Cómo se construye una mirada propia frente a una obra en un contexto dominado por algoritmos y opiniones externas?

A.B: Reconocer qué te pasa frente a una obra es, en el fondo, un ejercicio de mirada crítica y de afirmación personal. No alcanza con decir “me gusta” o “no me gusta”: Se trata de entender desde qué lugar miramos. Esa diversidad de posiciones es valiosa porque amplía la percepción y no debería vivirse como confrontación. El conflicto aparece cuando la lógica de las redes reduce esa pluralidad a likes, algoritmos y nichos que refuerzan certezas en lugar de abrir preguntas. Recuperar espacios donde la diferencia pueda convivir sin agresión, y donde la experiencia sea más intercambio que consumo, se vuelve entonces una forma de preservar una mirada propia.

Buhar no da un consejo explícito, pero sugiere no quedarse paralizado por la búsqueda de genialidad o la validación externa. Recomienda partir de algo que despierte interés y explorarlo, observando qué te provoca en el proceso. Crear, insiste, es un misterio que se sostiene en la curiosidad y la autenticidad: no se trata de perseguir resultados, sino de encontrar un vínculo verdadero con lo que uno hace y dejar que eso marque el camino.

Web: arthaus.ar
IG: arthauscentral

 English

Andrés Buhar and Arthaus: How to inhabit art today

by Valeria Massimino

Talking with Andrés Buhar didn’t feel like a traditional interview so much as an open-ended conversation. There was no rigid sequence of questions and answers, but a dialogue that unfolded naturally, almost like a work in progress. Ideas surfaced, connected, and opened new paths. As often happens when discussing art, one word led to another, one reflection to an image, and from there to a broader question. The conversation moved forward without needing closure, leaving the sense that there was always more to think about,  a possible, endless loop.

To talk about art is, inevitably, to philosophize. Not from a solemn place, but as something quite natural: questioning what we create, what we consume, and the meaning behind it all. The exchange with Buhar moved in that space, between the concrete and the abstract, without forcing anything. In the end, everything circled back to the same point: lived experience, what actually happens to us. And perhaps that is the only question that matters, though it’s better not to open it too far, because it might never end. Between anecdotes, ideas, and projects, a constant reflection emerged about the place of art today, its necessity and its ability to open spaces, both physical and symbolic, for thinking and feeling in new ways.

When I first heard about Arthaus, I felt that unusual mix of surprise and excitement: the kind of thing we admire when traveling and seeing cultural spaces in other cities,  except this one exists here, in downtown Buenos Aires. It’s not simply a venue that houses art, but a space where art is experienced. A singular proposal in the city, difficult to compare.

Buhar explains that the idea took shape during the pandemic , that global pause that halted everything and unexpectedly opened time to imagine. “Don’t overthink it,” he says. The phrase resonates because it runs counter to the paralysis that ideas sometimes produce when they keep spinning in our heads. The key, he suggests, is to act,  to bring imagination down to earth. Arthaus was born, in part, from that creative urgency: the need to transform pause into movement. He even reflects that without that extraordinary context, the project might not exist as we know it today.

Suddenly, a line by Henry David Thoreau echoes the spirit of that moment:
“If you have built castles in the air, your work need not be lost; that is where they should be. Now put the foundations under them.”

The conversation moved like art itself: one word led to a memory, an image opened another reflection. Thinking about art today,  in these increasingly liquid times, as anticipated by Zygmunt Bauman, means asking where it stands: what it says, how it circulates, and how it continues to dialogue with everyday experience.

The numbers suggest fewer people are going to movie theaters. The question expands: what about art exhibitions? In that context, spaces like Arthaus propose another logic. It’s not only about programming music, theater, or film, but about creating experiences that invite people to inhabit art differently, watching a movie from a rooftop terrace, for instance, sitting in a lounge chair, letting the work converse with its surroundings. Rather than competing with screens, the aim seems to be recovering shared presence and turning it into experience.

There’s something almost magical about the place, and it isn’t accidental. When art is lived up close, a sense of discovery appears, as if each detail opens a new reading. During the conversation, references ranged from iconic works to collectives like Mondongo, connected to a personal experience of Buhar’s: a piece he acquired that moves him beyond any market value. In that gesture, it becomes clear that for him art is a living bond, something that touches you and stays with you.

A line by Marcel Proust captures that idea:
“The real voyage of discovery consists not in seeking new landscapes, but in having new eyes.”

Talking with him confirmed that Arthaus is not just a cultural venue,  it’s a way of thinking about how we want to inhabit art today. His discourse carries a clear conviction: art must remain alive, capable of unsettling, demanding, and coexisting with us as an active presence.

Looking back at his childhood helps map that trajectory: business was inheritance; music was refuge and an early form of freedom (what freedom means is another conversation). Today, those dimensions coexist. He composes when he can, without romanticizing the process, aware that creating also means managing time. He also highlights Argentina’s cultural vitality, its capacity to produce intensely even under adverse conditions. Passion appears as an engine, but not enough on its own. Buhar doesn’t talk about luck or formulas; more than enthusiasm, he conveys assurance,  speaking with the clarity of someone who knows what he stands for without presenting it as absolute truth.

He smiles at the idea of extreme planning. Arthaus is only a few years old and already emotional for him. He admits he didn’t overcalculate. Today he’s happy the project works, but his gaze never lingers on what’s already achieved. There was no certainty of success, just a decision to move forward. “I didn’t think too much. Sometimes people ask if I imagined it would be like this… honestly, I didn’t. I’m glad it works, of course, but I’m already thinking about what comes next,  what to add, how to expand. I never stopped to wonder if it would turn out well. I just did it.”

How does our understanding of art change today, in a context shaped by networks and constant transformation?

A.B.: Art is a work in progress. It isn’t fixed; it’s continuously built, debated, and redefined over time. What we consider art today might not have been recognized as such years ago, because our gaze evolves, and that’s precisely its strength. Art works on how we see the world and ourselves. Faced with the classic question of usefulness, it differs from technical disciplines: while engineering or architecture solve concrete problems, art operates on another plane.

The banana

The work created by Maurizio Cattelan consists of a real banana taped to a wall with silver duct tape, accompanied by a certificate of authenticity allowing the fruit to be replaced. It was auctioned in New York by Sotheby’s for $6.2 million. Entrepreneur Justin Sun purchased the piece and later ate the banana at a press conference.

Buhar reads it as an ironic gesture: an ordinary fruit (almost a joke) that rots quickly, attached in the most precarious way. “Everything contradicts the classical idea of a durable artwork meant to last forever. This exists knowing it will disappear. The tension grows when something ephemeral sells for millions: what are you really buying,  the object, the idea, the experience? That’s where conceptual art activates a question. Rather than offering answers, it pushes us to rethink value, materiality, and experience.”

How can an artwork provoke reflection and debate without simply seeking provocation?  Thinking of León Ferrari’s La civilización occidental y cristiana

A.B.: Ferrari’s work sparked enormous debate; it had been a long time since an artist generated that level of discussion. Provocation is part of the game, whether you seek it or not, but it isn’t a single thing. Sometimes provocation leads nowhere; other times it opens meaning. Context matters. Often what’s most interesting isn’t the piece alone, but the conversation it creates. For me, the real challenge isn’t provocation, it’s indifference.

What does it mean today to talk about “elitist” versus “popular” art?

A.B.: It means recognizing we don’t all start from the same place. People face different realities, urgencies, and time constraints, which shape their access to art. Understanding something, or having time for it, depends on basic needs being met. That’s why meritocracy can be misleading. Money and time don’t hold the same meaning when survival is at stake. If I have money that determines whether I eat, that’s life itself. If that need is covered, the same amount becomes leisure. The same applies to time: not everyone has the same margin to pause and enjoy.

How do artificial intelligence and technological acceleration impact our thinking?

A.B.: The tool doesn’t worry me, the speed does. Constant acceleration erodes our ability to process experience, and subjectivity begins to blur. Art becomes a space to slow down and recover perspective. It reminds me of historical moments when societies encountered abrupt change without time to assimilate it. Today, content cycles in seconds, platforms fragment attention, even films assume viewers check their phones. It alters our relationship with time and raises a question: what happens to our inner tempo? A century ago, physical labor naturally exercised the body; now we use gyms. Perhaps we need intellectual gyms,  because we’re exercising thought less and less.

How do we build an independent gaze in an algorithm-driven culture?

A.B.: Recognizing what happens to you in front of an artwork is an act of critical awareness. It’s not enough to say “I like it” or “I don’t.” You need to understand where your perspective comes from. Diversity of viewpoints expands perception. The problem arises when networks reduce that plurality to likes and niches reinforcing certainty. Preserving spaces where difference can coexist, where experience is exchange rather than consumption,  is essential to maintaining a personal gaze.

Buhar doesn’t give a strict formula, but suggests not freezing in pursuit of genius or external validation. Start with something that sparks interest and explore what it awakens. Creation, he insists, is sustained by curiosity and authenticity. It’s less about chasing results than building a real relationship with what you do, and letting that guide the path.

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La entrada Andrés Buhar y Arthaus: cómo habitar el arte hoy. se publicó primero en REVISTA META.

La nueva película de Celine Song llega contándonos una historia un tanto tediosa, un tanto frívola pero que en una vista general sobre sus cosas buenas y sus cosas malas peca de aburrida. Es decir, Song intenta volver a hablar de desamor, pero nos encontramos con una película que al intentar replicar una temática y atribuirse un estilo nos encontramos con una directora carente de capacidad narrativa, que arrastra la historia de forma aburrida y carente de encanto.

“Amores materialistas “nos cuenta la historia de Lucy (Dakota Johnson) una mujer de unos 35 años que nunca terminó la universidad, que abandono la actuación y está llena de deudas, que vive de manera muy tilinga en una Nueva York inalcanzable para alguien de clase baja. La protagonista es una exitosa una “casamentera” que trabaja para una agencia que se dedica a encontrarles a sus clientes y clientas la pareja correcta para casarse, si en pleno 2025 con el auge de las plataformas de citas esta película nos habla de gente que quiere casarse. La película inicia justamente cuando se celebra el noveno matrimonio concretado bajo el servicio de Lucy.

Paradójicamente al mismo tiempo que Lucy se ocupa obsesivamente de conseguirles candidatos a sus clientes Lucy no tiene pareja (“estoy soltera, soy célibe y voy a morir sola”, admite irónicamente, pero sin gracia). La suerte de Lucy cambia en esta fiesta ya que conoce a Harry (Pedro Pascal), un tipo que trabaja en de las finanzas que vive en un departamento valuado en 12 millones de dólares y mide 1, 82 mts ( si esto es importante para la trama que sostiene que los hombres bajos por más millonarios apuestos y buena persona que sean cotizan bajo y no valen la pena) ; en la fiesta se reencuentra con su ex con;  John (Chris Evans), un actor que no logra despegar y que se encuentra trabajando como camarero.

Se plantea así el típico triángulo entre la protagonista y dos candidatos opuestos entre sí: el bróker seductor muy seguro de sí mismo y el actor sensible y conflictuado que vive en un departamento compartido con personas de una conducta e higiene más que dudosa, o sea son pobres y sucios. En este triple romance la protagonista se siente atraída por ambos galanes, pero siempre prefiriendo al que tiene más dinero, porque esa es la causa de su ruptura con John, él es pobre y ella no puede tolerar estar con alguien que no tiene dinero. 

 Song no se contenta con crear una clásica comedia romántica, lo cual no logra de ninguna manera porque la película carece de humor y encanto; tampoco se conforma con crear una suerte de critica a la elite neoyorquina al estilo Sex and the City sino que intenta de forma fallida exponer la hipocresía y la doble moral propias de estos juegos en los que una persona puede ser evaluada por lo que tiene más que por su calidad humana; trata de exponer esta suerte de proxenetismo en los que se juega con las personas como si fueran mercancía.

La película en su segunda parte juega   de forma frívola y carente de profundidad con un caso de violencia machista contra una clienta que de alguna manera lleva a Lucy a replantearse sus valores y su rol dentro de este círculo pero que en definitiva no deja de ser una anécdota que termina enterrada por la trama.

Si bien en Vidas pasadas Celine Song tiene como guionista y directora demuestra que puede ser una artista provocadora en Amores materialistas nos trae una película carente de humor, encanto o ritmo a diferencia de lo que fue su predecesora.  Celine Song da con su segunda película un paso en falso que demuestra que hacer una buena película no significa tener un estilo y que a veces el prestigio se regala como si nada. Con la misma facilidad que se les niega a directores experimentados que han tenido uno o dos pasos en falso dentro de una extensa carrera. 

Sería muy cruel hablar de la actuación de Johnson, sobre todo si se la compara con los trabajos de Pascal y Evans, quienes levantan la vara cada vez que aparecen en cámara generando un enorme contraste con su, poco talentosa y carismática, compañera.

 La segunda película de la prestigiosa directora Celine Song es fallida y pretenciosa, pero comete el peor de los pecados: ser aburrida.

Lo mejor de la pelicula es su soundtrack que incluye canciones de Japanese Breakfast, Cat Power, St. Vincent, Stan Getz con Bill Evans, Neil Diamond, The Ronettes, Johnny Thunders, Françoise Hardy, Harry Nilsson y The Velvet Underground, entre otros, pero todos sabemos que cuando llegamos a hablar de Este item para poder decir algo Bueno de una pelicula estamos rascando el fondo de la olla.

La entrada CINE: Reseña de «AMORES MATERIALISTAS» se publicó primero en REVISTA META.

Hablamos con el equipo de Cinemark para conocer su visión sobre el futuro del séptimo arte, palpando los cambios a nivel mundial.

Martin Alvarez Morales, Gerente General de Cinemark Hoyts Argentina, comparte su perspectiva sobre cómo el cine continúa emocionando a pesar de las nuevas formas de consumo y las plataformas emergentes.

Entrevista: Valeria Massimino

Hace un tiempo se viene hablando de la «muerte del cine» debido a las plataformas de streaming…  

Lejos estamos de eso, muy por el contrario, sentimos que la industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites. Prueba de esto son las extraordinarias cifras que se alcanzaron durante el año pasado en el cual llegamos a niveles de asistencia similares a los de la prepandemia. 

También por un fenómeno como fue Barbie, que despertó una fiebre rosa a lo largo del mundo entero: generando un comportamiento sumamente disruptivo y espontaneo de la audiencia que impulsó la asistencia masiva del público al cine, en familia, en grupos todos vestidos de rosa; confirmando que el cine sigue siendo un espacio de encuentro, de disfrute y de diversión para todos. 

En el cine es en el único lugar donde hay una sola pantalla y en la que los espectadores ponen su atención, de esta manera se logra una experiencia única que no puede replicarse en otro lado ya que e una casa hay varias pantallas prendidas ( la tv, celulares o tablets que conviven mientras se mira una película) las interrupciones típicas de un llamado telefónico o la recepción de un mensaje, suena le timbre el perro etc, etc son tantas las distracciones que imposibilitan una experiencia como la de ver una película en el cine) 

Directores, guionistas, actores, productores alcanzan la popularidad gracias a la industria cinematográfica, que ofrece una vidriera inigualable para el arte. El cine traspasa fronteras y llega como ningún otro medio a las masas. 

Esto, sumado al trabajo constante de la industria por incorporar nuevas herramientas que brindan al espectador una experiencia cada vez más vívida: Servicios premium, 4D, XD, DBOX, etc. hacen del cine un espectáculo inmersivo. Ya no se ve y se siente, el espectador se sumerge directamente en las historias. 

Por todo esto, la apuesta es cada vez mayor, porque creemos en un futuro auspicioso para el cine, abundantes propuestas cada vez más atractivas y con un público entusiasta que vive las historias mostramos. 

El cine con salas 4D y pantallas gigantes. ¿Es un intento de revitalizar la experiencia en sala? ¿Cómo fue la aceptación? 

Si hay algo que caracteriza a la industria cinematográfica es la búsqueda de innovación: contenidos disruptivos, tecnologías de vanguardia y transformación constante en pos de brindar a un espectador cada vez más exigente, un producto con el más alto estándar de calidad. El público viene a nuestros complejos a buscar un plus, aquello que no consigue replicar en el living de su hogar: una experiencia cada vez más vívida. 

Esa es la razón por la que hemos venido sumando, a lo largo del tiempo y con mucho éxito, salas que cuentan con comodidades e innovaciones tecnológicas que permiten a la audiencia disfrutar de un espectáculo sensorial único, haciendo de nuestros complejos espacios donde se comparten experiencias cada vez más inmersivas. 

Hasta ahora la recepción del público ha sido espectacular y esto se evidencia en los altísimos niveles de ocupación que tienen este tipo de salas a lo largo del año, muy por encima del promedio. 

¿Cuál es el criterio a la hora de elegir qué tantas funciones en argentina, por ejemplo, sean dobladas? ¿Es algo que la gente pide? ¿Hicieron sondeos? (como periodista todo el tiempo me comentan lo molesto que es… y muchas veces no hay otra opción y mucha gente prefiere no verla si está doblada) 

El criterio está determinado por la demanda de nuestros clientes en cada una de las plazas en las que operamos cines en ARG. Desde ya que se realizan sondeos constantemente y tenemos en cuenta el público objetivo de cada una de las películas que estrenamos. 

¿Cómo es el trabajo con la distribuidora? ¿Por qué hay algunas películas que no llegan a estrenarse en cine en Latinoamérica? 

Aunar esfuerzos y sinergizar nuestro trabajo con las distribuidoras es clave en nuestra industria, sin el apoyo mutuo todo sería mucho más difícil. En Argentina se estrenan semanalmente las mismas películas que en el resto de los países de la región. 

¿Aún hay lugar para el cine independiente? 

Sí, definitivamente aún hay lugar para el cine independiente, ya que sigue siendo una parte importante y valiosa de la industria cinematográfica, todos los meses se estrenan varias películas independientes locales y extranjeras. 

Adicionalmente, en nuestra experiencia, los festivales de cine independiente y/o temáticos funcionan muy bien y ofrecen oportunidades para que las películas independientes lleguen a un público más amplio y encuentren reconocimiento. Es una forma más, que brindamos para que todos tengan un lugar dentro del cine. 

¿Cómo la gente va a ver «cine» en cinco años? ¿Será en salas? como ahora? otro tipo de salas? ¿Nuevas experiencias? 

La gente seguirá yendo al cine como ahora, y cada vez más, de la mano de una oferta cada vez mayor de nuevos formatos y tecnologías innovadoras para un disfrute inmersivo de las películas. 

¿Siempre los estrenos más esperados son los «tanques» de Hollywood? (pese algunas críticas de algunos directores/as de cine) 

Si bien los estrenos de Hollywood suelen generar gran expectativa y atracción mediática, esto no significa que sean los únicos productos relevantes para nosotros. El cine internacional, el cine independiente y los contenidos alternativos generan un gran interés entre el público. Consideramos que el público se ha vuelto más diverso en los últimos años y exige contenidos que cumplan con sus expectativas. Para nosotros fomentar esa diversidad se ha vuelto clave para dar respuesta a esta nueva forma de consumo.

*English

The evolution of cinema brings about changes in the way we experience movies, reflecting both cultural and economic transformations. However, cinema remains a fundamental part of our society.

We spoke with the team at Cinemark to understand their vision for the future of the seventh art, sensing changes on a global scale.

Martin Alvarez Morales, General Manager of Cinemark Hoyts Argentina, shares his perspective on how cinema continues to excite despite new forms of consumption and emerging platforms.

Interview: Valeria Massimino

For some time now, there has been talk of the «death of cinema» due to streaming platforms…

We are far from that; on the contrary, we feel that the film industry is surpassing its own limits. Evidence of this is the extraordinary figures reached during the past year, where we reached attendance levels similar to those before the pandemic.

Also, phenomena like Barbie, which sparked a pink fever worldwide, generating a highly disruptive and spontaneous audience behavior that propelled massive attendance to the cinema, with families and groups all dressed in pink, confirming that cinema remains a space for gathering, enjoyment, and fun for everyone.

In the cinema, there is only one screen, and viewers focus their attention on it, thus achieving a unique experience that cannot be replicated elsewhere. At home, there are multiple screens (TV, smartphones, or tablets) that coexist while watching a movie, with typical interruptions like phone calls, receiving messages, doorbells, etc. These distractions make it impossible to have an experience like watching a movie in the cinema.

Directors, screenwriters, actors, producers gain popularity thanks to the film industry, which offers an unparalleled showcase for art. Cinema transcends borders and reaches the masses like no other medium.

This, combined with the constant work of the industry to incorporate new tools that provide viewers with an increasingly vivid experience: premium services, 4D, XD, DBOX, etc., makes cinema an immersive spectacle. Viewers don’t just see and hear; they are immersed directly into the stories.

For all these reasons, the investment in cinema is increasing because we believe in a promising future for cinema, with abundant proposals becoming increasingly attractive and with an enthusiastic audience experiencing the stories we show.

Cinemas with 4D rooms and giant screens. Is it an attempt to revitalize the theater experience? How was the acceptance?

If there’s one thing that characterizes the film industry, it’s the search for innovation: disruptive content, cutting-edge technologies, and constant transformation to provide an increasingly demanding audience with a product of the highest quality. The audience comes to our complexes seeking something extra, something they can’t replicate in their living rooms: an increasingly vivid experience.

That’s why we’ve been adding, over time and with great success, rooms with comforts and technological innovations that allow the audience to enjoy a unique sensory spectacle, making our complexes spaces where increasingly immersive experiences are shared.

So far, the audience’s reception has been spectacular, evidenced by the very high occupancy levels of these types of rooms throughout the year, well above average.

What is the criterion when choosing how many dubbed screenings there will be in Argentina, for example? Is it something people ask for? Have you conducted surveys? (As a journalist, I’m constantly told how annoying it is… and often there’s no other option, and many people prefer not to watch it if it’s dubbed.)

The criterion is determined by the demand of our customers in each of the areas where we operate cinemas in Argentina. Surveys are constantly conducted, and we take into account the target audience for each of the movies we release.

What is the work like with the distributor? Why are there some movies that don’t get released in cinemas in Latin America?

Joining forces and synergizing our work with distributors is key in our industry; without mutual support, everything would be much more difficult. In Argentina, the same movies are released weekly as in the rest of the countries in the region.

Is there still room for independent cinema?

Yes, definitely, there is still room for independent cinema, as it remains an important and valuable part of the film industry. Several independent local and foreign films are released every month.

Additionally, in our experience, independent and/or thematic film festivals work very well and offer opportunities for independent films to reach a wider audience and find recognition. It’s another way we provide for everyone to have a place within cinema.

How will people watch «movies» in five years? Will it be in theaters? Like now? In other types of theaters? New experiences?

People will continue to go to the cinema as they do now, and increasingly so, with a growing offering of new formats and innovative technologies for immersive enjoyment of movies.

Are the most anticipated releases always the Hollywood «blockbusters»? (Despite some criticisms from some directors)

While Hollywood releases often generate great anticipation and media attraction, this does not mean they are the only relevant products for us. International cinema, independent cinema, and alternative content generate great interest among the public. We consider that the audience has become more diverse in recent years and demands content that meets their expectations. For us, fostering that diversity has become key to responding to this new form of consumption.

La entrada Martin Alvarez Morales de CINEMARK: «La industria cinematográfica está sobrepasando sus propios límites» se publicó primero en REVISTA META.

Un vodevil musical en un escenario del circuito teatral alternativo es una propuesta intrigante. Uno imagina musicales “de cámara” más pequeños, apelando a lo intimista, o jugando con el despojo. Pero es una grata sorpresa saber que los domingos a las 20 hs en El Galpón de Guevara se lleva a cabo un musical de esos que uno esperaría ver en calle corrientes. Y no tiene nada que envidiarle a esas propuestas, por el contrario, tiene mucho que enseñarles. 

La dramaturgia, creación colectiva, está a cargo del mismo elenco de actores y actrices: Belén Amadio, Julieta Molina, Renato Pinto, Agustina Quaglia, Joaquín Scotta, Clara Suárez y Micaela Vargas. La misma, a través de un perfecto equilibrio entre texto y canciones, nos cuenta la historia de un consorcio integrado por infaltables personalidades variopintas que van desde la inocencia, el sometimiento hasta la corrupción y la perversión. Verónica, que intenta salir de un engaño amoroso, es acorralada por este consorcio con el fin de que desaloje rápidamente la propiedad. Para poder salir ilesa de esa situación se le ocurre la idea de asumir la identidad de su ex y engañar a todos sus vecinos. Como podremos imaginar, y bien fiel a la comedia de puertas del vodevil, todo deviene en equívocos, situaciones hilarantes y confusiones varias. 

Los personajes están muy bien definidos, arquetipos que coquetean con el estereotipo pero que, por fortuna, no terminan de serlo. Las interpretaciones son excelentes. Cada uno con un juego claro, y algo a destacar con énfasis es que el pasaje entre voz hablada y cantada es perfecto, orgánico y atinado. El verosímil de lo musical está muy bien sustentado en convenciones precisas y claras. Los personajes no abandonan su composición a la hora de cantar, y lo hacen sin dejar de actuar. Lamentablemente esto no ocurre muy frecuentemente en la escena musical y pocas veces es resuelto con éxito. En esta propuesta se nota la dirección actoral de Rubén Viani, y es uno de los puntos fuertes de la pieza. 

Cada vez que uno piensa que la obra irá a caer en algún lugar común del género, sorprende y da un giro con identidad propia. La misma dramaturgia y letra de las canciones de encarga de desolemnizar y de darle una vuelta de tuerca a la insistente y caprichosa historia romántica de todo musical. Aquí el romance tampoco falta, pero se instala y desarrolla de manera ingeniosa y original. 

La puesta en escena es hermosa y dinámica. La iluminación acompaña muy bien cada momento. Los vestuarios están muy bien diseñados y producidos. La escenografía merece una mención aparte, porque es gran parte de la responsable de generar una gran espectacularidad sin ser excesivamente enorme. Dispositivos de puertas muy funcionales que colaboran en generar ritmo y dinamismo y un decorado que aporta mucho y enmarca la acción. La composición musical de Juan Pablo Schapira y Joaquín Scotta es excelente, muy entretenida, pegadiza y acorde a lo que ocurre escénicamente, no está alienada de la propuesta estética general como ocurre con otras producciones. 

En fin, una propuesta muy recomendable para pasar un momento más que agradable, potente, por demás divertida, que despierta carcajadas, que moviliza internamente y que tiene mucho que enseñarles a otras grandes producciones del llamado “circuito comercial”. 

La entrada TEATRO: Reseña de ‘ATTE. TUS VECINOS’ se publicó primero en REVISTA META.

Inspirada en la vida de Judy Garland nace esta obra que es biográfica, pero que bien podría ser la historia de tantas otras infancias obligadas a trabajar y/o a mantenerse en los estándares de una industria perversa.

Proyecto Garland está escrita por su protagonista Marina Munilla y por Gerardo Grillea, quien también se hace cargo de la dirección. El elenco se completa con Gastón Biagioni y Leonardo Murúa. Los domingos a las 20 h en NoAvestruz, Humboldt 1857.

La obra es un viaje etílico por esa tortuosa y desesperada travesía que va desde el nacimiento de una estrella hasta su ocaso. De manera fragmentada y desordenada, las piezas de la vida de Judy Garland van configurando un entramado de abusos, excesos, desamores y auxilios desoídos. Al principio, creeríamos estar ante un astro hollywoodense más cuya fábrica de hacer éxitos la empuja a la adicción, pero lentamente la obra nos irá revelando las máscaras que esconden a los verdaderos responsables de ese factor que arruinó su vida. 

Con un ir y venir en saltos temporales, a través de voces que como fantasmas se hacen presentes en su ausencia, y con una logradísima puesta en escena, la obra nos acerca a la ansiedad, el ahogo, la multiplicidad de estímulos, y nos invita a un viaje de emociones que prioriza la experiencia sensorial por sobre la cognitiva. Razón por la cual puede ser una buena idea interiorizarse brevemente sobre la vida de Judy antes de ver el espectáculo para poder disfrutar más de esa hermosa historia presentada entre fragmentos. 

El espacio, cautivante y lúdico, promete que cada uno de estos fragmentos sea contado a través de propuestas que ponen énfasis en lo pictórico y estético, que sitúan a los personajes en situaciones a veces surrealistas, a veces descarnadas. Y la promesa se cumple, pues lo que vemos es un dinámico juego entre una imagen y otra. Hay canciones, hay coreografías, arte visual y sonoro, hay silencios y hay gritos. Todo está ideado para que prime el juego corporal y físico. Todo está contado y atravesado desde por y para el cuerpo. Y eso es algo que se agradece, en un circuito teatral cuya estética predominante es la del realismo de historias sucediendo en el living de una casa. 

Las interpretaciones son, sin embargo, las verdaderas protagonistas de este espectáculo. Es descomunal el trabajo de Marina Munilla como Judy. Su cuerpo, extrañado, afectado y emocionado se luce en cada una de las escenas. Sus capacidades físicas contribuyen a la verosimilitud del personaje, y la potencia y color de su voz cantada valen por sí misma la experiencia. Maneja al personaje como quiere, valiéndose de múltiples recursos, y puede ir y venir de un código a otro, como una verdadera malabarista de la actuación. El elenco masculino acompaña más que bien, aportando el contrapeso necesario para que la historia tenga un sentido y no sea un simple derroche de talento. 

Es destacable el diseño de iluminación que logra climas e imágenes que perduran en la retina una vez desvanecidas. Por momentos, la luz abarca un poco de más y contribuye a cierta dispersión que desenfoca la atención, pero cada movimiento y desplazamiento está tan medido y cuidado que no logra ser un verdadero problema. De hecho, algunas imprecisiones que pudieran manifestarse, o situaciones confusas sobre los instantes finales que a lo mejor pierden cierta potencia, no entorpecen ni logran empañar el resultado integral. La obra es un todo maravilloso que invita a la indignación y posterior reflexión. Es muy difícil no empatizar con Garland y comprender la desdicha desde su inocencia. La emoción en los ojos de los espectadores así lo atestigua. 

Más que recomendable propuesta donde la calidad está garantizada por todas las aristas que componen al espectáculo. 

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Los domingos a las 20:30 hs en el Método Kairós (El Salvador 4530. CABA) podemos disfrutar de Las persianas tienen ojos una obra de Luis Formaiano con dirección de Patricio Azor. Está basada en hechos reales y nos invita a reflexionar sobre una realidad todavía vigente y la importancia de las luchas sociales y políticas que se libraron en las últimas décadas. 

La historia gira en torno a Tony, un joven que es empujado a expresar su homosexualidad y que decide hacerse cargo de su deseo y enfrentar a su familia y al resto de la sociedad. A priori, esta premisa podría dar cuenta de un relato ya contado o una historia ya vista, y esto es cierto. Pero lo que hace particular a esta pieza es la época en la que se sitúa. Y esto es en la década de los setentas. Como podemos imaginar, la orientación sexual de Tony enciende todas las alarmas, desprecios, prejuicios y discriminaciones de la familia. El viaje de este joven en su camino de libertad será arduo, agotador y humillante. El costo de su libertad tiene un alto precio, y Tony irá hasta el fondo de la cuestión. 

La obra comienza con una situación desconcertante que plantea claramente el código de toda la pieza (que oscilará entre el distanciamiento del relato, y la vivencia orgánica). Dicha elección es una inteligente maniobra dramatúrgica, porque ese despiste inicial va construyendo una expectación creciente que nos hará ir involucrándonos cada vez más profundo en la historia, al punto de que eventualmente ya será inevitable acompañar las peripecias de Tony con empatía. Y eso es lo que busca la obra, que podamos sentir una pizca del dolor que atraviesa una persona con una orientación sexual distinta a la heteronormada. 

El nudo del relato ahonda en el pasado vulnerable de los personajes, va y viene desde el futuro hacia el pasado y el presente. Desnuda la apatía de una familia, la ignorancia y el descuido que hubo hacia ese Tony niño. Su desenlace es satisfactorio y construye una angustia de la cual es difícil escapar sin lágrimas en los ojos. 

La puesta en escena es acertada, destacándose el trabajo escenográfico. Uno de esos aciertos es la de no recurrir al costumbrismo de época para contar la historia, alejarse de cierto realismo. Hay algunas imprecisiones o elecciones que generan algo de interferencia en el relato, por ejemplo, cambios de vestuario in situ que se construyen con bastante anticipación, lo cual puede distraer por momentos y hacer perder el hilo. Pero salvo estos detalles todo funciona correctamente y se desarrolla con ritmo y fluidez. 

Las interpretaciones están más que a la altura del desafío. Hay momentos realmente perturbadores y de arrolladora energía. Algunas estridencias generan duda, pero hacia el final todos se alinean en una forma sutil, emocional y natural, que cautiva al espectador y lo conduce a la emoción y al aplauso estallado y duradero. 

Una obra que marca su diferencia testimoniando lo doloroso que puede ser aún hoy el proceso de expresar la orientación sexual a una familia, pero que sobre todo, expone lo difícil que era hacerlo por aquellos tiempos, no muy lejanos, por cierto. Esto ayuda a la reivindicación de derechos adquiridos en los últimos años y a la valorización de la creciente transformación social. Generaciones más jóvenes, tal vez no tengan real magnitud de cómo se vivía la homosexualidad por ese entonces, dado que vivieron su adolescencia en la era post matrimonio igualitario, o tuvieron la fortuna de nacer en una familia deconstruida. 

En la ficción de Las persianas tienen ojos el tiempo oscila entre el presente y el pasado. Y al mismo dialogo invita la obra en la vida real: A reflexionar sobre esa época y nuestra actualidad. Una realidad de mucho conquistado, pero de mucho por hacer aún. Una realidad de mayor apertura definitivamente, pero insuficiente. Una realidad que permite que esas familias aún existan y hagan daño. Recomendable propuesta escénica. 

La entrada TEATRO: Reseña de ‘LAS PERSIANAS TIENEN OJOS’ se publicó primero en REVISTA META.

En el teatro Picadilly Hernán Cuevas, a quien conocimos mejor en la irreverente serie “División Palermo”, estrenó Chongos bajo su autoría y dirección. El artista también protagoniza esta comedia que se permite coquetear con el drama sin perder el entretenimiento, pilar de su propuesta. 

Es el año 2003 y la televisión presenta el concurso de Mr. Chongo en el que el público (nosotros) debe decidir al ganador, de entre cinco finalistas masculinos de (obviamente) cuerpos hegemónicos que demostrarán sus talentos en diversas pruebas. Todo es show exhibicionista de cuerpos hasta que la crueldad televisiva comienza a mostrar sus garras, proponiendo casi arbitrariamente que los concursantes expongan sus talentos a pedido del público. Eso despierta las ansiedades de los personajes y su afán de competición se activa. La tv comienza a lograr lo que se propone: que todo se vuelva más problemático, dramático y desesperante para estos “chongos”. A partir de allí, no tardaremos en ver que todo es deshonesto, que la maquinaria televisa ejerce su opresión y su abuso y que el público en realidad posee muy pocas chances de manifestarse. 

A medida que el show avanza, iremos conociendo el mundo y los deseos de estos cinco personajes. Así como también descubriremos la segunda cara de su conductor. El dispositivo escénico es tan sencillo como efectivo, y en su creatividad y simplicidad gana elevación artística. La escenografía cumple, entonces, un rol fundamental para dejarnos espiar el detrás de cámara, como un velo que busca transparentarse para desnudar (palabra muy adecuada) a los protagonistas. 

Lo más destacable es la verosimilitud de todo lo que sucede. Bien podría la propuesta haber caído en peligrosos estereotipos, pero lo hace surfeando muy bien ese problema y entregando, en cambio, un planteo con mucha verdad por parte de sus intérpretes. Los momentos en los que las cosas se ponen más tensas se hacen con muy buena transición, es decir, todo fluye entre la comedia y los pequeños momentos intimistas más dramáticos. 

Dos escenas, que suceden en espacios alternativos a la acción principal en los extremos del escenario, se lucirían un poco más si no se ubicaran tan detrás. Lo mismo ocurre con el final de la pieza, donde queda la sensación de que algo no quedó del todo ajustado desde lo técnico y artístico y se diluye un poco el efecto buscado. No opaca esto, sin embargo, a la propuesta general que se sintetiza en su desenlace, que expone lo que comenzaba a asomar desde el inicio y que refuerza, una vez más, la interpelación que deberíamos hacerle a lo que sucede en la televisión. Sobre todo, en estos tiempos de subjetividad máxima, de posverdad y desinformación. Otra interpelación pendiente que le debemos a la televisión es la de cuestionar la hegemonía física que nos muestra, excluyendo así a otros cuerpos más reales, otras disidencias, y otras formas posibles de belleza.

Recomendable propuesta para divertirse desde el comienzo hasta el fin, y para disfrutar de su erotismo provocador. 

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Greta Gerwig lo hizo otra vez, es decir tomo una tesis, la construyó, la argumento y la exhibió durante dos horas solo para poder, en los últimos párrafos de su ensayo contradecirse totalmente y dejar un mensaje confuso, cuya confusión contribuye a la defensa de aquello que está establecido. Esta película es una suerte de live action de la muñeca que ha influenciado durante décadas a millones de niñas y niños, diré niñes solo para enojar a aquellos que no verán esta película por sentir amenazada su forma de ver el mundo a pesar de que la película es para ellos, en la cual el personaje principal pasa por una suerte de crisis de la mediana edad que la lleva a replantearse su existencia.

En Barbie se nos cuenta la historia de una muñeca Barbie regular que vive en un mundo perfecto que de a poco comienza a tambalear en su perfección debido las dudas existenciales que comienzan a aflorar en la protagonista. Básicamente la historia comienza a hablarnos de la madurez del personaje, la cual no es admitida en ese mundo creado bajo una falsa idea de perfección. Barbie (Margot Robbie) rápidamente se da cuenta que sus nuevas dudas vienen de la persona que juega con ella en el mundo real, porque es un juguete, y por eso decide abandonar Barbieland y llegar al otro mundo en búsqueda de su humana y ayudarla a solucionar sus problemas emocionales, que al mismo tiempo son los propios. La llegada al mundo real crea nuevos conflictos para Barbie y para su compañero, Ken (Ryan Goslin), quien logra comprender el rol que se le ha designado en esa creación y de alguna manera entiende de una forma bastante errónea que él es un oprimido. Ken es el eje de la historia ya que al llegar al mundo real comprende que su rol en Barbieland es menor al mismo tiempo que descubre que pude cambiar esa situación asumiendo el control de su vida.

Los dos primeros actos de la película son sumamente entretenidos y la directora la da un gran ritmo al relato y a la construcción de las escenas. A pesar de encontrarnos en un mundo en el cual todos los personajes son homónimos, a excepción de Allan, el guion se encarga de dejarnos en claro la personalidad, el rol y el nivel de importancia de cada personaje, ya que no es lo mismo el J-Ken interpretado por Simu Liu que aquel que interpreta Kingsley Ben-Adir y eso es un punto a favor de los guionistas. Barbie en cada una de sus variedades muestra una personalidad única que en definitiva no es más que un rótulo pero que en si son el mismo personaje. En su inicio Barbie es una comedia que juega a ser ingenua pero que guarda dentro suyo una reflexión o más.

Barbie es una comedia bien construida, que mantiene su ritmo en sus dos primeros actos pero que a pesar de perder el ritmo en el tercer acto que contiene todo el peso dramático que recae en la muy buena actuación de Ryan Goslin, que eleva a la película hasta hacernos empatizar con su personaje, aunque sus motivaciones nos parezcan erróneas. Por otro lado, Margot Robbie nuevamente da la misma actuación que ya le vimos en ‘I, Tonya’ (Craig Gillespie, 2017) su interpretación de Harley Quinn ‘Birds of Frey’ (Cathy Yan, 2020) y en ‘Babylon’ (Damien Chazelle, 2022), pero de una forma más lavada, sin estridencias, pero haciéndonos saber que la actriz se encuentra en un lugar seguro, no estoy diciendo que Margot Robbie no entregue una buena actuación, sino que es algo que ya ha hecho antes y que está repitiendo en exceso.

En el aspecto técnico la película goza de una fotografía muy bien trabajada por Rodrigo Prieto quien logra construir sobre los contrastes sin desentonar; la edición de Nick Huy, quien ya trabajo con Gerwig en sus anteriores trabajos, no es un elemento a destacar pero su trabajo permite no perdernos la película, es decir hace un buen trabajo al construir la coherencia del relato, la música producida por Mark Ronson y Andrew Wyat logra acompañar los climas y construirlos, sin llegar a ser estridente o molesta.

Si bien la película intenta ser una reflexión sobre el consumismo y el capitalismo, a los que critica con la inserción de Mattel como personaje que solo quiere la producción y reproducción del sistema en definitiva termina siendo un elogio de este, Greta Gerwig juega a la crítica del sistema para terminar resaltándolo y elogiando, de la misma manera que lo hace en ‘Little Women’ y ‘Lady Bird’.

Al final de la película presenciamos una revolución y una contrarrevolución cuya única conclusión es que para los guionistas las sociedades solo se mueven cuando están en peligro sus privilegios y que por eso lo importante es mantener el Status Quo y entregarse a las reglas ya impuestas. En Barbie se nos presenta a una protagonista frívola, fría y carente de empatía que solo logra la empatía cuando sus privilegios se ven en peligro y se sitúa en el lugar de aquel a quien de alguna manera oprime, es decir una visión burguesa de los conflictos sociales más cercana a la derecha reaccionaria que al progresismo.  

En términos marxistas Barbie nos presenta una lucha de clases en la cual los privilegios de unos solo pueden existir siempre y cuando los del otro se vean extintos. Estoy casi seguro de que esto último es un sobre análisis, pero también estoy seguro de poder identificar en la reacción de Ken algo del enojo de los incels, misóginos, los que aluden la existencia de una ideología de género y libertarios para con un sistema, que en su lectura, los irrespeta, niega oportunidades y oprime, se nota en la reacción final un cierto descontento con el sistema al cual quieren cambiar, pero que al no poseer una lectura teórica solo les queda la violencia como herramienta, de alguna manera debemos ver en la forma que se resuelve el conflicto también un elogio al sistema, lo cual nos impulsa nuevamente a reflexionar sobre lo que vemos.  Este empuje a la reflexión que nos propone Barbie la hace una película mucho más interesante que lo que vemos en pantalla ya que tiene varias capas.

Tal vez lo más elogiable de esta película es que ingresamos pensando en dejar de pensar y reflexionar para terminar engañándonos y motivándonos a pensar y discutir sobre su verdadero propósito. Al final podemos decir que toda esa tesis de empoderamiento femenino que construye Gerwig durante dos horas no es más que un elogio al patriarcado ya termina siendo a esas reglas impuestas las que los protagonistas aceptan. Es una película que nos permite subestimarla para finalmente hacernos dar cuenta de nuestro error. 

8 de 10

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Hablar sobre Indiana Jones sin poner en juego la nostalgia es un tanto problemático ya que el personaje nos acompaña desde 1981 con tres películas que son parte de la historia de la mayoría de los cinéfilos y porque la cuarta le debe su fallida existencia a esa nostalgia. A pesar de la nostalgia y de cierta alegría vinculada con el hecho de sentarse frente a otra aventura del doctor Henry Jones tengo una opinión que pretende ser objetiva, aunque todos sabemos que la objetividad no existe.

Si bien la película en su presentación en el Festival de Cannes fue aplaudida por un ejército de snobs que simplemente por miedo a figurar como haters agitaban las manos sin entender si lo que vieron era bueno o malo, esta película está siendo atacada, tal vez de forma exagerada por una crítica pretenciosa. Fui al cine sin haber escuchado o leído a las críticas, esperando lo que uno siempre espera de este tipo de historias y en una primera impresión puedo decir que no me ha decepcionado. Es que la quinta película de Indiana Jones es una reformulación justa de este personaje ya que expone al personaje a los mismos inconvenientes a los que se ve expuesto siempre, pero esta vez de forma más lenta y con mucho más mal humor.

Indiana Jones 5 es una película en una época en la cual todos intentan innovar aburriendo, contando cuasi historias repetitivas y largas que no aportan nada y apuestan a lo seguro que es repetir la fórmula del éxito, pero sin la espalda de Spielberg y Lucas ¿eso es bueno, es malo? No sabría decirlo, pero al menos intentan mantener el status de clásico que obtuvo la franquicia. Indiana Jones 5 es una película de Indiana Jones y no intenta renegar de eso, desde que comienza hasta su final la película respeta sus propios canones impuestos hace más de cuarenta años.

Al parecer la apuesta de los productores es que Indy tenga una despedida un poco mas digna de lo que fue Indiana Jones and the Kingdom of the Cristal Skull (2008, Steven Spielberg) esta película está llena de referencias orientadas a los fans de la saga más que a los nuevos espectadores, lo cual es una apuesta valiente. Hay que tomar en cuenta que para los más jóvenes ver a Harrison Ford como protagonista absoluto no sea un atractivo especial pero la película en si logra divertir.

En esta película se nota la ausencia de Spielberg y eso es algo bueno porque al mismo director le costó estar al nivel que el mismo impuso en el pasado y tomando en cuenta el  fallido de The Fabelmans (Steven Spielberg, 2022) es bueno que haya dejado esta película a un director más joven, capaz de acoplarse a la narrativa de este tipo de historias pero al mismo tiempo capaz de imponerle su propio ritmo, James Mangold es consciente de que juega con los personajes de Spielberg y está a la  altura, pero no a la altura del Spielberg actual sino de aquel a quien le interesaba entretener al público y contar historias.

Mangold construye una buena historia que logra hacer olvidar a la anterior entrega pero no solo se debe destacar su trabajo la fotografía de Phedon Papamichael y la edición, vertiginosa de Andrew Buckland, Michael McCusker y Dirk Westervelt aportan a la construcción general sin robar el centro de la escena, siendo una herramienta de la narración y no lo único interesante de esta narración.  Estaría de más hablar de la música del maestro John Williams, pero sería irrespetuoso no mencionarlo, sobre todo porque siempre es emocionante y efectiva.

Mangold es capaz de mantener el ritmo durante casi dos horas y media de película en que si bien al final logra desinflarse un poco nunca deja de ser emocionante. Se podría decir que con media hora menos y algo menos de explosión habría logrado una película soberbia, pero no voy a juzgarlo por haberse entusiasmado con su juguete, lo que entrega está muy lejos de ser malo tanto como de ser pretenciosa y en una época de directores aburridos y pretenciosos se agradece la diversión, Mangold no entrega todo lo que esperamos de Indiana Jones los paisajes exóticos, las persecuciones, los puentes cuerda, las peleas en bares, el látigo y el sombrero.

Al comienzo de la película básicamente nos encontramos con el doctor Henry jones peleando con los nazis, sus clásicos enemigos, pero que esta vez están en retirada, quienes nuevamente lo arrastran a la búsqueda de un Mcguffin que es el eje de la historia. En esta ocasión el doctor está acompañado de su amigo Basil Shaw (que al igual que Indy se ocupa de apropiarse de tesoros que no les pertenecen con la excusa de rescatarlas para algún museo de algún país imperialista) quien se obsesiona con el dial de Arquímedes, elemento que mas de veinte años después es buscada por el Doctor Voller (Mads Mikkelsen) un Nazi que trabaja para el gobierno de EEUU, ya que este elemento puede ayudarlo a alterar el curso de la historia. Si bien la película es protagonizada por el doctor Jones quien mueve la trama es Helena (Phoebe Waller-Bridge), la hija de Shaw , quien resulta, inteligente, carismática y encantadora (el material ideal para hacer enojar a los odiadores de la inclusión, aunque no sea forzada y sea el motor de la trama)  quien no tiene fines tan ‘nobles’ como indiana. Las actuaciones de todo el elenco logra transmitir lo que buscan, sobre todo Mads Mikkelsen quien tal vez haya logrado crear al mejor villano de la saga. Vale destacar a Antonio Banderas quien en su breve papel brilla y transmite carisma.

Brevemente voy a hablar de los efectos visuales ya que no hace muy poco hemos visto una película de presupuesto similar en la cual recrear a un bebe o un perro se vuelven tareas titánicas e imposible que nos hacen pensar que estamos ante un juego de 2005, lo cual nos hace apreciar la presencia de un Harrison Ford de cuarenta años menos, gracias a la tecnología,  que en ningún momento nos hace ruido o molesta, pero no es solo ese detalle, es la construcción general de los efectos visuales lo que impacta y agrada. 

Uno se podría poner pretencioso y ver la repetición de la formula como algo negativo pero ya he dicho que eso me parece valiente e innovador. Indiana Jones y el dial del destino es una película que desde el primer momento es emocionante y divertida que logra trasladar a los fans a épocas más felices e inocentes, es también una película con fallas pero que están muy por debajo de los aciertos. James Mangold ha conseguido un resultado eficiente que gustará a quienes se sienten a verla y en una época de pretensiones y en la que aburrir está de moda es algo muy bueno. 

8 de 10

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Tal vez la ‘Renfield’ de Chris McKay no sea una película de la cual los críticos hablen enamorados de su técnica, manejo de cámaras, montaje o fotografía. Tal vez esta película no se destaque por un guion que hace redefinir las formas en la cual se hace cine, tal vez no sea amada por tener ese tipo de guion lento y tedioso que muchos confunden con reflexivo. Sin dudas jamás será aplaudida dos horas por un grupo de críticos enardecidos. El valor de esta película está en sus intenciones de entretener y nada más.  

Robert Montag Renfield (Nicholas Hoult)  es un hombre de más de cien años que vive sometido por su jefe, quien es ni más ni menos que el príncipe de Valaquia, el conde Drácula (Nicolas Cage). La relación entre ambos sobrepasa el límite de lo tóxico y es directamente abusiva por parte del nosferatu por lo cual Robert comienza a frecuentar a un grupo de ayuda en el cual intenta llegar a una respuesta para su problema de autoestima, pero lo único que consigue es encontrar a personas que abusan de sus compañeros, a quienes entrega a su jefe como alimento. La trama se le complica a Renfield cuando elige como víctimas a un grupo de narcotraficantes por lo cual se mezcla en una trama policial que se vuelve apocalíptica. El encuentro con los narcos lo lleva a conocer y simpatizar inmediatamente con la agente Rebecca Quincy (interpretada por Awkwafina), tal vez la única agente honesta de la policía de Nueva Orleans, quien está obsesionada con desarmar la banda de los lobos, una organización criminal cuyo sello es la violencia. 

La película es un libro de autoayuda disfrazado de film de acción. La trama que subyace debajo de toda la sangre y la violencia que se nos muestra es que cada persona vale por sí misma y que debe luchar por aquello que cree merecer.  Es aquí donde la película a pesar de su simpleza y cursilería le saca ventaja a otras películas que solo se basan en ir escalando en violencia y dificultad hasta llegar al jefe más fuerte pero sin tener ningún argumento o trasfondo, como por ejemplo Jhon Wick: Chapter 4 (Chad Stalehelski, 2023), en Renfield los personajes tienen un trasfondo y una construcción, precaria y simple pero construcción al fin. 

Chris McKay quien ya había trabajado en The Tomorrow War, (2021) y The Lego Batman movie (2017) demuestra nuevamente su capacidad para darle dinamismo a la historia, Renfield es una película que no se toma respiros y que avanza todo el tiempo en su trama lo cual la hace entretenida pero en esencia vacía, lo cual no nos importa  ya que el festival de violencia y hemoglobina nos mantiene tan entretenidos que no nos ponemos a pensar en el sinsentido que estamos viendo, desde que entramos en el mundo que se nos ofrece aceptamos sus reglas sin cuestionamientos; eso es un logro del guión ya que a pesar de la gravedad de lo que estamos viendo (para los personajes) no intenta convertirlo en un drama real sino que simplemente nos cuenta la historia de un tipo que come cucarachas para obtener los súper poderes que necesita para conseguirle víctimas a su amo que es un vampiro milenario, no hay ningún trasfondo ni historia de origen o logias que entorpezca la narración o la vuelva lenta. Robert Kirkman escribe una historia dinámica y despojada del tono melodramático y trágico que le imprimió a las versiones live action de sus cómics The Walking Dead y la serie Outcast. McKay construye una historia entretenida sobre el guión que le ofrecen Kirkman y Ridley.

En cuanto a las actuaciones vemos un muy buen trabajo de Nicholas Hoult quien interpreta a un hombre atormentado por sus acciones y por sus vínculos con un sujeto violento, egoísta y posesivo que no lo deja ser libre y atormenta; por el lado de Awkwafina nos  ofrece un buen trabajo, extrañamente no sobreactúa ni repite su personaje odioso y carente de encanto que tanto gusta a los snob, en esta ocasión se toma el tiempo de construir a una persona valiente que padece una perdida con la cual lidia entregándose a su sentido del deber. 

La película obtiene  un subidón de energía cuando aparece en pantalla Nicolás Cage interpretando al Conde Drácula ya que no parece responder al tono de comedia de la película, su Drácula es un ser malvado, lejos del ser atormentado de la novela de Bram Stoker o del sujeto romántico y melancólico  que nos entregó Coppola (Bram Stoker’s Dracula, 1992) el personaje de Cage, a pesar de emular estéticamente al clásico Drácula cinematográfico de Bela Lugosi o Christopher Lee, disfruta de su poder y violencia, es un villano hecho y derecho que no se cuestiona de ninguna manera su origen o el sentido de su poder. Cage le da una intensidad a su personaje que es la adecuada a pesar de por momentos ser caricaturesco.

La película de McKay es entretenida y ágil que a pesar de caer en el cliché aburrido de la organización criminal con códigos propios no logra corromper su argumento ni abandonar su tema que es la reconstrucción de un individuo destruido por una relación abusiva, en definitiva, una historia más humana de lo que la trama puede sugerir. Renfield es un buen entretenimiento correcto en lo técnico, con una historia simple y buenas actuaciones, lo cual no es mucho pero tampoco es poco. 

7 de 10

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