El creativo nombre ya da una pista del hermoso y misterioso lugar que visitamos en Manhattan. Motel No Tell es un lugar para relajarse y pasar un buen rato, ya sea después del trabajo o los fines de semana, cuando lo desees, porque su letrero de neón siempre está encendido, invitándote a descubrirlo.

La arquitectura está inteligentemente diseñada, con detalles que muestran un gran trabajo. En Nueva York, no es fácil destacarse cuando hay tantas ofertas tentadoras para salir y disfrutar de una gran noche. Aunque siempre hay buena comida, música y cócteles, Motel No Tell llama la atención por su concepto único. El neón te invita a entrar y te transporta a otra época.

Motel No Tell se encuentra en la esquina de Ave A y la calle 13 Este. Visitamos este completo bar en verano y nos encantó la experiencia, tanto para turistas como para locales. Hablamos con Scott Connolly, uno de los dueños, quien nos contó cómo nació la idea y cómo crecieron. El éxito fue inmediato. Scott emana entusiasmo, contagia una buena vibra, y nos relató lo que significa estar al frente de un proyecto tan grande y la felicidad de haberlo logrado. Profesionalismo y creatividad en su máxima expresión.

Hay trivias, bingo, música en vivo, exquisitos brunches y los mejores tragos. Sobre todo, hay una excelente vibra.

Motel No Tell tiene bebidas congeladas, bolas de discoteca y una pequeña televisión en la esquina. ¡Muy cool! El bar del East Village está ambientado como un motel, similar a los que se encontraban cerca de la playa en el Miami de los años 80. Tiene letreros de neón, muebles vintage y baños numerados como habitaciones de motel.

Probamos deliciosas pizzas de masa madre y nos encantó la margarita. También hay variedad de nachos, opciones vegetarianas, cerveza fría de barril, pizzas al horno de leña, calzones, platos pequeños, sándwiches, papas fritas y más. Una amplia gama de cócteles, e incluso exquisitos postres. ¡La pizza de Nutella es una delicia! (No se la pueden perder!)

También hablamos con Scott sobre fútbol, y por supuesto, todos aman a Messi (ver video, sorpresa). Nos sentimos muy a gusto en este bar con tantas alternativas para pasarla bien. Música, drinks, amigos, interacción y que la noche termine como tenga que terminar…

Donde? 210 Avenue A, New York
Web: MOTEL NO TELL
Instagram: MOTEL NO TELL

English:

NEW YORK: MOTEL NO TELL: an original proposal

By Valeria Massimino

The creative name already hints at the beautiful and mysterious place we visited in Manhattan. Motel No Tell is a spot to relax and have a good time, whether after work or on weekends, whenever you want, because its neon sign is always on, inviting you to discover it.

The architecture is cleverly designed, with details that showcase great craftsmanship. In New York, it’s not easy to stand out with so many tempting options for a great night out. While there is always good food, music, and cocktails, Motel No Tell catches the eye with its unique concept. The neon sign invites you in and transports you to another era.

Motel No Tell is located on the corner of Ave A and E 13th St. We visited this complete bar in the summer and loved the experience, both for tourists and locals. We spoke with Scott Connolly, one of the owners, who told us how the idea was born and how they grew. The success was immediate. Scott exudes enthusiasm, spreading good vibes, and shared with us what it means to be at the forefront of such a big project and the happiness of having achieved it. Professionalism and creativity at its best.

There are trivia nights, bingo, live music, exquisite brunches, and the best drinks. Above all, there is an excellent vibe.

Motel No Tell has frozen drinks, disco balls, and a tiny TV in the corner. So cool! The East Village bar is themed like a motel, similar to those found near the beach in 1980s Miami. It has neon signs, vintage furniture, and bathrooms numbered like motel rooms.

We tried delicious sourdough pizzas and loved the margarita. There is also a variety of nachos, vegetarian options, cold draft beer, wood-fired pizzas, calzones, small plates, sandwiches, fries, and more. A wide range of cocktails, and even exquisite desserts. The Nutella pizza is a must-try! (Don’t miss it!)

We also talked with Scott about soccer, and of course, everyone loves Messi (see video, surprise). We felt very comfortable in this bar with so many options for having a good time. Music, drinks, friends, interaction, and letting the night end as it should…

Where? 210 Avenue A, New York
Web: MOTEL NO TELL
Instagram: MOTEL NO TELL

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Entrevista: Valeria Massimino

¿Cómo nació la idea de este film?

La idea de Boca Chica vino de nuestra productora Sterlyn Ramírez de Selene Films. Luego, Marité Ugás y Mariana Rondón crearon una historia a su alrededor y, en última instancia, ayudé a dar forma a los detalles al final. 

Ella quería explorar porqué en las playas de la República Dominicana tan a menudo la gente se volvía idiota hacia las mujeres jóvenes que acompañaban a hombres mucho mayores y a menudo extranjeros.

Ella quería crear una historia que se contara a través de la voz de una niña en una de estas comunidades y darle esperanza y agencia para un futuro mejor. También había explorado algunos temas similares en el mundo del turismo sexual en un guión que había escrito llamado ‘El timbre de tu voz’.

Durante mucho tiempo me he centrado en contar historias centradas en mujeres jóvenes de color y específicamente me di cuenta de que estos temas estaban presentes después de trabajar en una fundación de niñas en Cabarete llamada ‘Mariposa Instituto’. 

Grabamos la película en poco menos de un mes. Todo se desarrolló muy rápidamente desde la idea hasta la producción, por lo que nos tomamos nuestro tiempo durante la postproducción para dar forma a la historia y esperar a la mejor casa de estreno del festival para ella.

¿Cómo fue el casting y el trabajo con las niñas? Scarlet Camilo hace una interpretación muy natural…

Scarlet Camilo es una verdadera estrella. Ella comenzó a bailar muy joven y nos capturó con sus ojos brillantes y talento para la danza y la canción.

Valerie Hernández Oloffson de VHO Casting salió con su equipo y casting en la calle. Scarlet era una estudiante en una de las escuelas de baile a las que fueron en busca de talento. Luego hicimos presentaciones de video y llamadas mezcladas en persona con entrevistas remotas conmigo, ya que fue durante COVID y estaba en Nueva York, y en persona, lecturas de química con ella y los actores que estábamos considerando para nuestro Raúl.

¿La realidad que plantea la película está basada en hechos reales? ¿Realmente no hay otra opción para las jóvenes que la prostitucion con turistas?

La realidad se basa en una elección que muchos hacen y en términos de niñas menores de edad que son atraídas o engañadas. No creo que la película muestre que esa sea la única opción, sino que hay ciclos tóxicos en la familia de Desi, nuestra protagonista, y en su comunidad de los que quiere liberarse.

Vemos en la película a jóvenes raperos, a su madre y a su tía dueña de un negocio de restaurantes y a una maestra de coro como otros roles de las mujeres en la comunidad. Sin embargo, el foco de nuestra historia son las chicas jóvenes que son explotadas a través de la existencia muy real del turismo sexual en la isla. Es algo que existe globalmente incluyendo a los Estados Unidos como trafficking.

Naciste en New York… ¿Cómo ves la situación en Estados Unidos hoy en día, con respecto a la inmigración, la discriminación, cómo incluso se volvió atrás con el aborto legal…?

Nací en NY y crecí en los Estados. Mis padres no nacieron aquí. Mi madre es dominicana y mi padre de guyana. Creo que es un momento aterrador en el que hay un cálculo real en términos de cómo el progreso que hemos hecho como país está dando la espalda a sí mismo a través de la reversión de Roe v Wade y ahora la Acción Afirmativa que está siendo revocada por la Corte Suprema. Tiene que haber una revisión sistemática. En los estados más liberales hay protecciones, por lo que algo como el aborto es legal. Pero en un país tan grande y joven, debemos ver que si algunos de nosotros sufrimos una eliminación de nuestros derechos todos lo hacemos.

Desde Latinoamérica siempre se mira a Estados Unidos de una forma aspiracional. Uno de los personajes de la peli, Fran, el hermano de la protagonista, se fue a vivir a New York, se lo ve en un pequeño cuarto. Una realidad de muchos inmigrantes.

Sí, mucha de mi familia de fuera de los Estados Unidos y los que vinieron aquí sintieron que este aspecto de la película tocaba un acorde personal.

Siempre recuerdo a mi mamá diciendo que cuando llegó aquí, a los 13 años, pensaba que las calles de NY estarían literalmente pavimentadas en oro. Hay muchas más oportunidades a menudo en los países de nuestro origen o descendencia. Para mí, por ejemplo, estaba luchando por el financiamiento y el espacio para contar historias de inmigrantes y dominicanos aquí. Tenía sentido encontrar a mi comunidad allí y me dieron la bienvenida para venir a bordo y realizar esta historia importante y matizada. Muestra que a veces debemos volver a realizar nuestros sueños y que la idea de algo no siempre es lo que parece. Diré que mis padres hicieron muchos sacrificios que me permitieron crecer y luego tuve el privilegio de contar una historia que importaba en el país de mis raíces. No doy por sentada la oportunidad.

¿Cómo recibió el público la película en el Festival de Cine de Tribeca?

Tribeca fue un gran estreno ya que New York es el hogar de muchos dominicanos y la película también está parcialmente ambientada en Nueva York. Nos alegramos de que la tierna actuación de Scarlet se destacara y los problemas explorados conectaran con la mayoría de las audiencias. Muchos dijeron que sintieron que la película era esperanzadora y manejaron temas serios de una manera elegante. Siempre espero que mis películas te dejen con un sentimiento y preguntas para explorar en lugar de respuestas. Creo que lo hemos logrado.

¿Qué recorrido sigue la película? 

Esperamos estrenar en la República Dominicana el próximo mes y luego continuar nuestro viaje mundial de festivales. Estamos buscando distribución global.

Ping Pong

Una película? ‘Mustang’ dir. Deniz Gamze Ergüven

Un disco? Demolición! de Los Saicos

Una mujer? Mi madre

Un/a director/a?  Céline Sciamma

Si pudieras retroceder en el tiempo a qué hecho histórico irias? Los 1960s

Un libro? Difficult Women de Roxane Gay

Un político? Alexandria Ocasio-Cortez

Lugar ideal para vacaciones? Donde no he estado

Qué te da miedo? Anquilosamiento

Creés en Dios? En algo más grande de nosotros en el universo 

Una Meta? Ok, dos porque soy una soñadora: correr los seis maratones mundiales más importantes y proyectar mis películas en los seis continentes

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Hablar sobre Indiana Jones sin poner en juego la nostalgia es un tanto problemático ya que el personaje nos acompaña desde 1981 con tres películas que son parte de la historia de la mayoría de los cinéfilos y porque la cuarta le debe su fallida existencia a esa nostalgia. A pesar de la nostalgia y de cierta alegría vinculada con el hecho de sentarse frente a otra aventura del doctor Henry Jones tengo una opinión que pretende ser objetiva, aunque todos sabemos que la objetividad no existe.

Si bien la película en su presentación en el Festival de Cannes fue aplaudida por un ejército de snobs que simplemente por miedo a figurar como haters agitaban las manos sin entender si lo que vieron era bueno o malo, esta película está siendo atacada, tal vez de forma exagerada por una crítica pretenciosa. Fui al cine sin haber escuchado o leído a las críticas, esperando lo que uno siempre espera de este tipo de historias y en una primera impresión puedo decir que no me ha decepcionado. Es que la quinta película de Indiana Jones es una reformulación justa de este personaje ya que expone al personaje a los mismos inconvenientes a los que se ve expuesto siempre, pero esta vez de forma más lenta y con mucho más mal humor.

Indiana Jones 5 es una película en una época en la cual todos intentan innovar aburriendo, contando cuasi historias repetitivas y largas que no aportan nada y apuestan a lo seguro que es repetir la fórmula del éxito, pero sin la espalda de Spielberg y Lucas ¿eso es bueno, es malo? No sabría decirlo, pero al menos intentan mantener el status de clásico que obtuvo la franquicia. Indiana Jones 5 es una película de Indiana Jones y no intenta renegar de eso, desde que comienza hasta su final la película respeta sus propios canones impuestos hace más de cuarenta años.

Al parecer la apuesta de los productores es que Indy tenga una despedida un poco mas digna de lo que fue Indiana Jones and the Kingdom of the Cristal Skull (2008, Steven Spielberg) esta película está llena de referencias orientadas a los fans de la saga más que a los nuevos espectadores, lo cual es una apuesta valiente. Hay que tomar en cuenta que para los más jóvenes ver a Harrison Ford como protagonista absoluto no sea un atractivo especial pero la película en si logra divertir.

En esta película se nota la ausencia de Spielberg y eso es algo bueno porque al mismo director le costó estar al nivel que el mismo impuso en el pasado y tomando en cuenta el  fallido de The Fabelmans (Steven Spielberg, 2022) es bueno que haya dejado esta película a un director más joven, capaz de acoplarse a la narrativa de este tipo de historias pero al mismo tiempo capaz de imponerle su propio ritmo, James Mangold es consciente de que juega con los personajes de Spielberg y está a la  altura, pero no a la altura del Spielberg actual sino de aquel a quien le interesaba entretener al público y contar historias.

Mangold construye una buena historia que logra hacer olvidar a la anterior entrega pero no solo se debe destacar su trabajo la fotografía de Phedon Papamichael y la edición, vertiginosa de Andrew Buckland, Michael McCusker y Dirk Westervelt aportan a la construcción general sin robar el centro de la escena, siendo una herramienta de la narración y no lo único interesante de esta narración.  Estaría de más hablar de la música del maestro John Williams, pero sería irrespetuoso no mencionarlo, sobre todo porque siempre es emocionante y efectiva.

Mangold es capaz de mantener el ritmo durante casi dos horas y media de película en que si bien al final logra desinflarse un poco nunca deja de ser emocionante. Se podría decir que con media hora menos y algo menos de explosión habría logrado una película soberbia, pero no voy a juzgarlo por haberse entusiasmado con su juguete, lo que entrega está muy lejos de ser malo tanto como de ser pretenciosa y en una época de directores aburridos y pretenciosos se agradece la diversión, Mangold no entrega todo lo que esperamos de Indiana Jones los paisajes exóticos, las persecuciones, los puentes cuerda, las peleas en bares, el látigo y el sombrero.

Al comienzo de la película básicamente nos encontramos con el doctor Henry jones peleando con los nazis, sus clásicos enemigos, pero que esta vez están en retirada, quienes nuevamente lo arrastran a la búsqueda de un Mcguffin que es el eje de la historia. En esta ocasión el doctor está acompañado de su amigo Basil Shaw (que al igual que Indy se ocupa de apropiarse de tesoros que no les pertenecen con la excusa de rescatarlas para algún museo de algún país imperialista) quien se obsesiona con el dial de Arquímedes, elemento que mas de veinte años después es buscada por el Doctor Voller (Mads Mikkelsen) un Nazi que trabaja para el gobierno de EEUU, ya que este elemento puede ayudarlo a alterar el curso de la historia. Si bien la película es protagonizada por el doctor Jones quien mueve la trama es Helena (Phoebe Waller-Bridge), la hija de Shaw , quien resulta, inteligente, carismática y encantadora (el material ideal para hacer enojar a los odiadores de la inclusión, aunque no sea forzada y sea el motor de la trama)  quien no tiene fines tan ‘nobles’ como indiana. Las actuaciones de todo el elenco logra transmitir lo que buscan, sobre todo Mads Mikkelsen quien tal vez haya logrado crear al mejor villano de la saga. Vale destacar a Antonio Banderas quien en su breve papel brilla y transmite carisma.

Brevemente voy a hablar de los efectos visuales ya que no hace muy poco hemos visto una película de presupuesto similar en la cual recrear a un bebe o un perro se vuelven tareas titánicas e imposible que nos hacen pensar que estamos ante un juego de 2005, lo cual nos hace apreciar la presencia de un Harrison Ford de cuarenta años menos, gracias a la tecnología,  que en ningún momento nos hace ruido o molesta, pero no es solo ese detalle, es la construcción general de los efectos visuales lo que impacta y agrada. 

Uno se podría poner pretencioso y ver la repetición de la formula como algo negativo pero ya he dicho que eso me parece valiente e innovador. Indiana Jones y el dial del destino es una película que desde el primer momento es emocionante y divertida que logra trasladar a los fans a épocas más felices e inocentes, es también una película con fallas pero que están muy por debajo de los aciertos. James Mangold ha conseguido un resultado eficiente que gustará a quienes se sienten a verla y en una época de pretensiones y en la que aburrir está de moda es algo muy bueno. 

8 de 10

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Además Boer nos cuenta acerca de ARTHAUS CENTRAL, un espacio único en Buenos Aires relacionado con el arte en todas sus formas. Mirá la entrevista!

www.hells-pizza.com

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Damián Szifron ha llegado a Hollywood con un thriller policial que no asusta ni sorprende a nadie pero que como prueba es más que válida. Lejos de sorprender o romper con los esquemas el director de ‘Los simuladores’ repite la fórmula del policial en el cual nos encontramos con una dañada pero capaz y joven policía que es adoptada como protegida por el veterano agente encargado de la investigación, se vio mil veces, cierto, pero es una fórmula que no cansa.

Nos encontramos con el pez fuera del agua que forma el eficiente pero desprestigiado veterano que ya está demasiado viejo para eso, pero aun así no puede dejarlo. Es muy común el trabajo sobre el sentido del deber que se hace una y otra vez sobre los personajes. Mas allá de todos los mensajes que intenta dar la película el del sentido del patriotismo y heroísmo por sobre todos los intereses personales, como si alguien quisiera decirnos que debemos sacrificar todo por el trabajo y la institución sin esperar nada a cambio.

Eleonor Falco (Shailene Woodley) es una agente de policía con problemas de adicción, traumas por maltrato infantil y una tendencia a autolesionarse que en la noche de año nuevo asiste a una llamada producto de un asesinato perpetrado por un francotirador que esa noche asesino a veintinueve personas. En la escena del crimen conoce al agente del FBI encargado de la investigación, que ve en ella cierto talento y la instala miembro del equipo encargado de intentar resolver el caso. La sinopsis también podría ser que en la noche de año nuevo un asesino mata a veintinueve personas al mismo tiempo, el agente Lamarck (Ben Mendelsohn) se asocia a la joven Agente Eleonor Falco para descubrir y atrapar al culpable, pero Szifron intenta construir una historia que gira más en torno a las motivaciones y el efecto que estos crímenes producen en la investigadora. La historia se esfuerza tanto en humanizar al criminal que se pierde el policial negro en un drama con toques de policial.

Szifron construye una historia que en sus primeros minutos se presenta frenética y entretenida pero que de a poco va perdiendo ritmo e intensidad. La ejecución de la película es más que correcta y carece de valles o tiempos muertos, lo cual se aprecia ya que en este tipo de películas lo que uno espera es que la trama se mueva constantemente sin dejar lugar al tedio o el aburrimiento.

La historia trata de abordar una crítica social hacia el consumismo, el capitalismo, el sistema de control, los límites de la libertad, el rol de los medios, el trato poco ético hacía los animales y la forma en que se trata a la a la salud mental, pero termina siendo una simple exposición que no profundiza ni aporta nada nuevo, al querer referirse a demasiadas cosas termina no refiriéndose a nada y pierde su tema.

De alguna manera el título para Latinoamérica es una suerte de foreshadowing (en USA el film se llamó ‘To Catch a Killer’) de lo que es la temática de la historia.  Lo único original que se nos presenta son las causas del asesino y la relación de empatía entre la protagonista y la persona que está detrás de los crímenes, tal vez lo más flojo del argumento es el intento de la protagonista por sentir una identificación con él antagonista, si bien uno comprende lo dañada que ella se encuentra no se llega a comprender esa asociación que realiza ella para llegar a sentir un ‘yo soy como tú’ debido a que no se explica del todo el pasado de la protagonista y por otro porque  como se expresa mil veces en los diálogos el caso está por arriba de su preparación pero en nombre de la ficción lo aceptamos sin dejar de mirar con desconfianza ese punto en el argumento. 

Sin dudas Misántropo no es una mala película, recuerda de alguna manera a otros dramas policiales como ’21 Bridges’ (Brian Kirk, 2019) y ‘Wind River’ (Taylor Sheridan, 2017) pero más que nada por la ambientación y la forma en la que esta filmada que por la trama. Cuando uno escucha que un director argentino ha llegado a Hollywood suele esperar cierta torpeza, lo cual no encontramos en esta película, tal vez decir que el trabajo de un director es correcto puede ser tomado como un ataque, pero cuando una película cumple con su objetivo se debe entender esto como lo que es: un elogio. 

Al igual que sucede con los capítulos dirigidos por Pablo Trapero en ‘Zero Zero Zero’ (2020) uno no encuentra la mano del director en estas obras, pero eso no es más que un producto de las propias expectativas del espectador, a lo mejor hay que entender a estas películas como productos de los estudios.

Damián Szifron un director argentino acostumbrado a trabajar con los acotados presupuestos pesificados tuvo su prueba bajo el poder del todo poderoso dólar y sin dudarlo podemos decir que dio la talla y eso es una buena noticia.

7 de 10

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El pasado 24 de abril se cumplió el segundo aniversario del estreno de Waitress The Musical en Broadway. La celebración, a sala llena, contó con la presencia de su autora y compositora, Sara Bareilles, torta para todos los presentes y un aplauso de pié para Katharine McPhee (American Idol, Smash), su actual protagonista, y el numeroso elenco que la acompaña todas las noches en el Brooks Atkinson Theatre.

¿Por qué es tan difícil hablar de Waitress?

Waitress llegó a Broadway con lo que a simple vista parece ser una historia pequeña y sencilla. En un formato clásico de teatro musical en dos actos, recorremos 9 meses en la vida de Jenna, la mesera de Joe’s Diner, un café perdido al costado de la ruta en algún lugar al sur de los Estados Unidos. Pero tal cual los pasteles que cocina (Jenna es experta repostera) no hay que dejarse engañar por las apariencias, la cobertura puede parecer “sencilla” pero es en la combinación de sus ingredientes en donde la cosa se vuelve compleja y suculenta.

Waitress, basada en la película del mismo nombre estrenada en 2007, expone en forma muy cruda, la cara no visible del abuso doméstico, sus angustias, la impotencia de una mujer sometida y su lucha diaria por subsistir.

A minutos de comenzar la obra Jenna descubre estar embarazada de su marido golpeador y desde ese punto en adelante, la acompañamos en una montaña rusa emocional explorando y profundizando cada estadío de esta maternidad incómoda y no deseada que terminará cambiando por completo su vida. En el camino habrá romance (por supuesto): Jenna conocerá a su galán (¡su obstetra!) y todo se va a transformar en una colección de sobresaltos, encuentros, complicidad, risas y llanto.

La protagonista está rodeada de personajes entrañables e interesantes que te dejan con ganas de ver musicales enteros con sus historias particulares. Y digo musicales porque en Waitress la música es un elemento orgánico que va mutando, integrándose a la historia como el azúcar, la manteca y la harina de un delicioso pastel. Sara Bareilles logra emocionarnos al punto en que es casi imposible salir del teatro sin tararear los acordes de Opening Up, el tema con el que la obra abre y cierra. Otro himno indiscutible es She Used to Be Mine (la balada desesperada con la que Jenna marca el clímax del show a mitad del segundo acto), imagino a varias generaciones de chicas cantándola en sus clases de canto, karaokes, audiciones y fiestas del colegio.

Waitress es un fenómeno cultural en sí misma, con un público fiel que noche a noche llena la sala, canta sus canciones y vuelve cada vez que cambian a los actores protagonistas (Fueron rotando en el rol de Jenna, la dos veces ganadora del Tony, Jessie Mueller, Betsy Wolfe y la mismísima Sara Bareilles. Mientras que en el rol del Doctor Pomatter desfilaron nombres como Jason Mraz y Chris Diamantopoulos).

Lamentablemente Waitress no cuenta con el reconocimiento masivo que merece debido, en parte, a haber sido eclipsado su estreno por el monstruo imbatible de Hamilton (ambas obras estrenadas en 2014, la segunda arrasando con todos los premios y la prensa de ese año).

Waitress es dulce, comprometida, tiene alma y es una salida ideal para madres e hijas, parejas de enamorados, amantes del género o incautos de esos que vieron luz y entraron. Todos, de igual manera, van a disfrutar de una buena experiencia.

Waitress te invita a morder el pastel, saborearlo, y te deja ir con un gustito placentero en la boca, la panza llena y el corazón contento.

Web: waitressthemusical.com

*On April 24, the second anniversary of the premiere of Waitress The Musical on Broadway was celebrated. The celebration, in a packed room, had the presence of its author and composer, Sara Bareilles, cake for all present and a standing ovation for Katharine McPhee (American Idol, Smash), its current protagonist, and the numerous cast that accompanied her every night at the Brooks Atkinson Theater.

Why is it so difficult to talk about Waitress?

Waitress came to Broadway with what at first glance seems to be a small and simple story. In a classic two-act musical theater format, we spend 9 months in the life of Jenna, the waitress at Joe’s Diner, a coffee lost on the side of the road somewhere in the southern United States. But just like the cakes she cooks (Jenna is an expert pastry) do not be fooled by appearances, the cover may seem «simple» but it is in the combination of its ingredients that the thing becomes complex and succulent.

Waitress, based on the movie of the same name released in 2007, exposes in a very crude, non-visible face of domestic abuse, their anguish, the helplessness of a woman subjected and their daily struggle to survive.

Within minutes of starting the play, Jenna discovers that she is pregnant with her abuser husband and from that point forward, we accompany her on an emotional roller coaster exploring and deepening each stage of this uncomfortable and unwanted maternity that will end up changing her life completely. On the way there will be romance (of course): Jenna will meet her lover (her obstetrician!) And everything will be transformed into a collection of frights, encounters, complicity, laughter and tears.

The protagonist is surrounded by endearing and interesting characters that leave you wanting to see whole musicals with their particular stories. And I say musicals because in Waitress music is an organic element that is mutating, integrating itself into history like sugar, butter and the flour of a delicious cake. Sara Bareilles manages to thrill us to the point where it is almost impossible to leave the theater without humming the chords of Opening Up, the theme with which the work opens and closes. Another undisputed anthem is She Used to Be Mine (the desperate ballad with which Jenna marks the climax of the show in the middle of the second act), I imagine several generations of girls singing it in their singing classes, karaokes, auditions and school parties.

Waitress is a cultural phenomenon in itself, with a faithful audience that night after night fills the room, sings its songs and returns each time they change the protagonists (They were rotating in the role of Jenna, the two-time Tony winner, Jessie Mueller, Betsy Wolfe and Sara Bareilles herself, while in the role of Doctor Pomatter there were names like Jason Mraz and Chris Diamantopoulos).

Unfortunately, Waitress does not have the massive recognition it deserves, partly due to the eclipse of its premiere by the unbeatable monster of Hamilton (both plays released in 2014, the second monopolizing all the awards and the press that year).

Waitress is sweet, committed, has a soul and it is ideal for a night out for mothers and daughters, couples in love, lovers of musicals or those casual theatre-goers. Everyone, in the same way, will enjoy a good experience.

Waitress invites you to bite the cake, taste it, and lets you go with a pleasant flavor in your mouth, a full belly and happy heart.

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En un primer viaje, probablemente uno no tenga en su lista de cosas para hacer, ir a Queens, pero tal vez puede contratar infinidad de tours de “contrastes”, que no solo le muestran al turista las increíbles luces de Manhattan sino también otros barrios (Bronx, Queens, Harlem, Ver nota AQUÍ ) Vale la pena perderse por las calles de Queens. Revista Meta recorrió curiosos rincones de este distrito y se sintió como en casa.

Queens es un distrito de Nueva York en Long Island, que está cruzando el río Este desde Manhattan y es el más grande de los cinco. Es el condado étnicamente más diverso del mundo. Con una población de 2,3 millones de habitantes, siendo el segundo distrito más poblado en la ciudad de Nueva York.

Si deciden hacer alguno de los imperdibles tours, recomendamos contar con los servicios de Arcol Travel (ver nota AQUI) que son especialistas y todos los guías hablan perfecto español. (arcol.com)

El Barrio Hindú en Queens, es pintoresco, ofrece diversidad de productos de todo tipo. Ropa, comida, productos de belleza, adornos. Es algo que no verás en Manhattan, al menos no de esa manera, y que es muy rico culturalmente.

A los largo de cinco cuadras nos encontramos con cocina hindú, uruguaya, peruana, italiana, mexicana, colombiana, asiática y muchas más. Difícil elegir que comer, uno quiere probarlo todo. Recordemos que allí se encuentra también la comunidad más numerosa de Colombia en los Estados Unidos. Los carteles latinos invaden la visión. Incluyendo periódicos gratuitos en habla hispana al alcance de tu mano.
En Queens están situados los dos aeropuertos de la ciudad (John F. Kennedy y Aeropuerto La Guardia). El principal parque de Queens es el Flushing Meadows-Corona Park.

En Long Island City, en la ribera de Queens justo enfrente de Manhattan, está situado el edificio Citicorp Building, el rascacielos más alto de Nueva York, entre los ubicados fuera de Manhattan. Es también el edificio más alto de Long Island.

Otro rasgo distintivo de Queens, muy relacionado con ese carácter multiétnico que caracteriza al barrio, y su vinculación con el mundo de la música: Queens ha visto nacer a Los Ramones y fue residencia de Louis Armstrong durante más de treinta años.

El estadio Shea, sede del equipo de béisbol de los Mets, está justo al norte del parque. El parque es asimismo el tercero más grande de la ciudad de Nueva York, con 507,88 hectáreas (1.255 acres), 170,78 hectáreas (412 acres) más grande que Central Park, en Manhattan.

En Astoria se hallan ubicados los estudios fílmicos Kaufman Astoria; allí se filmaron entre otras notables películas, Perfume de Mujer, El Abogado del Diablo y El Veredicto. Woody Allen y Sidney Lumet son habituales de los estudios. Incluso los estudios Silvercup han albergado producciones televisivas como Los Soprano, Sex and The City, y la versión americana de Betty La Fea.

El Astoria Park es el favorito de muchas personas, lo visitan de todas partes del mundo. Relax y una vista única que no puede faltar. Si uno se aloja por Queens, que es más económico que en otros lugares, hay de todo para hacer y relajarse, no es necesario siempre ir a Manhattan (igual a pocos minutos cualquier subte te acerca). Nueva York es rica en cada borough.

Las numerosas zonas de interés cultural cuentan con legítimas tiendas, restaurantes y festivales de diferentes culturas de cualquier parte del mundo. Algunos ejemplos son: Chinatown en Flushing, Little India en Jackson Heights y una pequeña ciudad griega en Astoria.

El Museum of the Moving Image rinde homenaje al arte, la historia y la tecnología de la gran pantalla. El museo se reformó en 2011 y ahora es uno de los museos más dinámicos y entretenidos de Nueva York. Dedicado al cine y la televisión, donde se exhiben más de 100 mil piezas y objetos relacionados con ese mundo que nos encanta.

El Puente de Queensboro en Nueva York sumamente romántico. Literalmente de película, te deja sin respiro. Un paisaje de ensueño, un icono del distrito y conecta Midtown (en Manhattan) y Long Island City en Queens. Muchos declaraciones de amor se hacen ahí.

En Queens, también podrá encontrar gran cantidad de centros comerciales llenos de locales, todos bajo un mismo techo. Queens Center Mall cuenta con una gran cantidad de tiendas de marca (como Macy’s, H&M, JC Penney, Forever 21 o Banana Republic) y también una tienda Bath & Body Works y otra Disney. Grandes y pequeñas tiendas, que no hacen necesario ir a Manhhattan o Brooklyn. Nueva York tiene eso de dejarte todo al alcance de tu mano.

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Por Valeria Massimino

Una fría tarde de diciembre asistimos a la función de la nueva obra del creador de House of Cards,  Beau Willimon y protagonizada (en su debut en Broadway) por Uma Thurman de larga trayectoria cinematográfica: The Parisian Woman, en el bellísimo Hudson Theatre en plena calle 44. La historia -es verdad- podría ser un episodio de House of Cards, y no hay nada de malo al respecto.

The Parisian Woman nos introduce a la vida de Chloe (Thurman) una mujer casada con Tom (Josh Lucas, «Hulk», «American Psycho», «Una mente brillante») un abogado fiscal con ambiciones políticas, con el cual vive comodamente en una hermosa casa (primero de muchos aciertos del rubro escenográfico) y por supuesto, ella tiene un amante, Peter (Marton Csokas, El señor de los anillos, Noé, El sorprendente Hombre Araña 2), un banquero con línea directa al Despacho Oval. Pronto Chloe planerará una estrategia para ayudar a su marido y ascender en el poder. Codicia, corrupción y más actitudes bajas y cínicas sobrevuelan The Parisian Woman.

En la tradición de la mayoría de los dramas políticos los pilares de la obra recaen en personajes profundamente cínicos, y en vueltas de tuercas constantes que buscan sorprender entre el confuso tejido de intriga de palacio. La obra sufre cuando los personajes deben mostrar profundidad, una profundidad que es imposible de construir en una hora y media. Y el exceso de diálogo, aunque sea interesante, puede agotar.

El núcleo emocional de la obra es, como era de esperar, la Chloe de Thurman, que participa en todas las escenas, sin respiro alguno, y cuyo arco se vuelve cada vez más fascinante.

La política estadounidense actual, y Donald Trump en particular, ocupa un lugar destacado que sobrevuela toda la obra: los chistes, los juegos de palabras y los guiños sobre las «fake news», Twitter, y el cambio de paradigma con respecto a la opinión pública, es mordaz y preciso, siendo lo mejor de la obra, lo que llega al público, los hace pensar, e incluso puede lograr algunas discusiones entre amigos a la salida del teatro, dependiendo si son republicanos o demócratas (La «grieta» de ellos).

La historia atrapa, pese a ser un poco extensa, y las situaciones tardan en resolverse, de igual manera, hay un muy buen manejo del suspenso, que se mantienen los 90 minutos que tiene de duración la pieza teatral.

La escenografía hace dinámica el paso de una escena a otra. Un agregado visual, que además de crear el ambiente necesario, es un bálsamo en una obra con mucho diálogo. Un eficiente respiro para todo lo que hay que procesar.

Todos los actores se lucen en sus roles, pero Uma Thurman, impacta, su presencia escénica te quita un instante la respiración apenas se muestra. También la actriz de carácter Blair Brown  (Space Cowboys, Dogville, Fringe) Jeanette, en el rol perfecto de la madre de la joven Rebeca, Philippa Soo (Moana, Hamilton), es fantástica en su papel, emociona la manera en que se maneja por el escenario, con una perfecta naturalidad. Un lujo verla. Los roles femeninos son los que se destacan. Es una obra de mujeres avasallantes, y ojalá eso también llegue a la realidad. Una obra que puede adaptarse en otros países, cambiando la realidad política que se vive.

En su debut en Broadway, Thurman lleva la obra sobre sus hombros y logra evitar las odiosas comparaciones con Claire Underwood saliendo airosa, en parte, por lo bien acompañada que está en escena y bajo la dirección de Pam MacKinnon.

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5/2/17

Alejandro Roig es Burger Kid, el único canal argentino de You Tube dedicado específicamente a la reseña de hamburguesas y hamburgueserías. Con un estilo propio, Burger Kid recorre nuestro país (y el mundo) en busca de la combinación perfecta de carne y queso entre dos panes. Charlamos con él acerca de su historia, recomendaciones y proyectos de esta movida que es mucho más que chatarra…

Entrevista: Fer Casals

¿Cómo empezó tu canal y cual es el objetivo que buscabas?

Desde muy chico me sentí atraído a los programas que mostraban gente comiendo, o costumbres culinarias de cierto país. Cuando en YouTube encontré que había una movida de gente «común» que se filmaba y hablaba de comida, instantáneamente me volví adicto a ese tipo de contenido. Me pasaba horas (literalmente) viendo videos de gordos comiendo comida chatarra. De a poco se me fue metiendo la idea de filmarme comiendo y hablando de lo que comía, intenté convencer a un montón de amigos, y ninguno me seguía la idea (no me terminaban de entender lo que quería hacer). Un día me cansé y en un viaje que hice a EE.UU. me compre la cámara y empece a filmar las hamburguesas que comía. En ese momento no tenia ningún objetivo, mas que empezar.

¿Qué te parece que es lo que te separa del resto?

Canales de you tube no hay muchos, de hecho de hamburguesas exclusivo hay uno solo, y es el mio. Y después tenes a otro que come un poco de todo y a otro que hace asados. Pienso que YouTube debería o podría estar mucho mas explotado de canales con este tipo de contenido.
Instagram si, esta minado, pero porque es mucho mas fácil, cualquier persona sentada en el inodoro se puede crear una cuenta de un momento para el otro, y subir las fotos que sacó con el celular. YouTube requiere muchísima mas dedicación y tiempo de trabajo.
Pienso que si algo me diferencia del resto, es el hecho de que yo pongo la cara, y me muestro auténtico. No me escondo detrás de un usuario, ni intento quedar bien con todo el mundo, hay muchos que eso les cae mal y hay otros que eso les resulta mas atractivo.

¿Qué le recomendarías a alguien que quiere un acercamiento más serio a ese mundo? Tanto al consumidor como al cocinero amateur

Para el cocinero amateur es ideal YouTube, o sea cada receta que quieras saber, o técnica que quieras aprender o lo que sea, lo buscas y seguro aparezca algún video de alguien haciendo eso que buscabas.

Ahora, si querés tener data mas profunda o te obsesionaste con algun tema, por ejemplo, los cortes de la vaca, o tipos de cuchillas, o como curar correctamente una sartén de hierro fundido, ya tal vez esté bueno ponerse a leer, blogs, artículos o libros sobre el tema. Siempre van a desarrollar un poco mas que los videos.

¿A quién sigue Burger Kid? 

En YouTube mi máxima inspiración (ponele) es Ken Domik, hoy por hoy lo miro poco , pero me enfermé horas y días viendo un video tras otro.

Hace poco conocí a The Report of the week, que es un pibito que prueba productos de las cadenas de comida rápida de EE.UU., pero con una onda muy peculiar, se viste de traje, se peina con gomina y es super correcto para hablar y explicar. No edita los videos por lo cual hay ciertos baches incómodos pero que si le agarras la onda te terminas cagando de risa. Sin dudas ese pibe tiene algo que te atrapa.

Soy fana también de Frank Pinello que es un pibito que tiene una pizzería en NYC, y tiene un programa que se llama The Pizza Show, muestra pizzas de todo estados unidos, habla con los dueños, va a las casas de las familias, va a convenciones de pizza, habla con fabricantes de hornos legendarios, se fue a Napoles , a Roma etc. El pibe es muy humilde y se lo ve super apasionado por la pizza, y la producción del programa es perfecta. Ese programa forma parte del canal Munchies (que lo super recomiendo) al igual que el canal Eater generan contenido de todo tipo , siempre girando en torno a la comida.

En Instagram sigo a algunos de mis colegas y me gusta ver cuando van a comer y que opinan, si les va bien o mal, Sandalsburger, Burgerlife, Burgerlove, Burgerfacts. No mucho mas, digamos que en Instagram me interesa seguir a artistas que me hagan reír o que suban dibujos o tatuajes, cosas que no tienen que ver con la comida ni nada de eso, porque las reseñas larguísimas escritas me aburren, me distraigo, leo todo muy por arriba. No me gusta mucho leer.

Hay una explosión de locales de hamburguesas en capital y provincia, ¿te parece que hay mucho bueno o mucho mediocre?

Cuando empecé el canal, en argentina había máximo 10 hamburgueserías, hoy por hoy no paran de abrir nuevas y las encontrás por todos los barrios. La mayoría son mediocres o malas, o tienen un enfoque de la hamburguesa que a mi no me interesa o no es lo que busco.

Mito o realidad: ¿comés hamburguesas todos los días?

No me canso de comer hamburguesas, podría, pero medio que me cuido y me guardo para cuando tengo que filmar.

¿Qué opinión te merecen las hamburguesas veganas?

Nada, esta perfecto que existan para quienes no comen carne, pero obviamente ni las toco.

¿El acompañamiento ideal de una hamburguesa y papas es una cola o cerveza?

La hamburguesa no va con cerveza, la hambu requiere algo dulce, una coca combina a la perfeccion, pero si tenes la posibilidad de elegir un milkshake (helado con leche) de frutilla o vainilla no lo dudes. No es algo que puedas hacer todos los dias, pero esta bueno sumar esos dos placeres a la vez.

¿Qué componentes debe tener la hamburguesa ideal?

Doble hamburguesa (finita) con queso americano, panceta crocante, cebolla cruda, y aderezo Thousand Island.

¿Es imposible replicar aquí el sabor norteamericano de lugares como Shake Shack?

No es imposible, pero no estaría sucediendo hoy por hoy.

¿Viste la película Good Burguer (1997)?

Nunca la vi, ¿vale la pena?

Contanos acerca de El Castillo Blanco, el podcast.

Siempre tuve ganas de hacer radio, pero nunca lo vi viable porque no conocía a nadie que haga, ni tampoco consideraba que podía entretener a alguien por una hora por lo menos.

El Castillo Blanco es un podcast, que vendría a ser como un programa de radio pero que lo subimos a Internet, no es en directo digamos. Lo hacemos con Santiago (Sandals) que es un instagrammer que también habla de hamburguesas.

Entonces nos juntamos aproximadamente una vez por mes o cada 15 días, y grabamos un programa de una hora, en el cual podemos hablar de lo que hablamos en las otras redes, pero explayandonos mas, y buscando algún tipo de temática central y algunos otros temas mas breves y también contestamos preguntas de la gente.

Todos te preguntan los mismo imagino… ¿Tenés la idea de abrir un local propio?

No, si bien me han ofrecido en mas de una ocasión, por el momento no estoy ni cerca de eso. Ya lo podría haber hecho, pero la realidad es que es mucho mas difícil de lo que parece el rubro gastronómico y es muy esclavo, y la verdad es que ser esclavo de un comercio nunca fue la idea de todo esto. Yo quiero que el canal me permita viajar y probar hamburguesas por todo el mundo (risas) es difícil, pero ese sueño me mantiene vivo.

¿Tu canal tiene segmentos especiales como Auto-Kid y los Vlogs de viajes ¿habrá nuevos segmentos en 2018 que nos quieras adelantar?

Bueno este año ya subi un video que queria hacer hace bastante, que es ir a la casa de un seguidor y comer su hamburguesa casera. A la gente le gusto muchísimo, seguramente haga mas de esos. También a raíz de que ahora tengo una picadora de carne eléctrica en casa, este año voy a estar cocinando yo mis propias hamburguesas y probando cortes de carne distintos y mostrando como quedan, cuales son mas ricos o mas grasosos, mostrar combinaciones, precios. Como para dar ideas a los que hacen hamburguesas en su casa y me preguntan siempre que corte usar.

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Una película: Casino (M.Scorsese, 1995).
Un libro: Ninguno (no me gusta leer ).
Una serie: Seinfeld.
Un disco: No Control de Bad Religion.
Una hamburguesería estadounidense: Shake Shack.
Una hamburguesería argentina: Dogg
¿Asado o hamburguesa? Hamburguesa.
Un aderezo: Mayonesa.
¿Coca-Cola o Pepsi? Coca-Cola Light.
¿Creés en Dios? No.
¿Una META? Poder viajar por el mundo probando distintas comidas y poder mostrárselo a la gente a mi manera.

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Por Valeria Massimino

El cruce de Broadway con la 7ª Avenida deslumbra por sus enormes carteles publicitarios y luces tan potentes que convierten la noche en día. Times Square es (una) de las imágenes más icónicas de Nueva York.  Además de ser una enorme atracción turística y lugar de compras es uno de los lugares más codiciados para los mensajes publicitarios y campañas de marketing. Sus carteles se encuentran entre los anuncios más efectivos y caros del mundo. El negocio publicitario de Times Square mueve 69 millones de dólares anuales.

Originalmente esta zona de Manhattan se conocía como Long Acre Square. En 1904 pasó a llamarse Time Square gracias a que las oficinas del emblemático periódico New York Times se mudaron allí. A principios del siglo XX, Time Square creció gracias a la construcción de teatros, hoteles y restaurantes de lujo, pero el crack financiero de 1929, «la gran depresión» hizo que muchas empresas que tenían sus oficinas en esta zona, quebraran. Los negocios vacíos fueron ocupados por empresas de «entretenimiento», muchos de ellos (claro) de pornografía, convirtiéndolo en un lugar peligroso, con trafico de drogas, delincuencia y prostitución a la orden del día.

Durante los noventas, el alcalde de la ciudad, Rudolph Giuliani, fue el responsable de «limpiar» esta parte de Manhattan. Cerró cines porno, sex shops y compró, con dinero del Estado de Nueva York, nueve teatros históricos con la idea de subir el nivel de la zona.

Las enormes y cegadoras pantallas del Time Square están prendidas las 24 horas del día, y con más de 300 mil personas que a diario caminan por las calles de Times Square, Revista Meta se preguntó quienes son los responsables de construir estas pantallas, la gente detrás de la tecnología. Regina  Sequeiros es Managing Director de SNA Displays, una de las compañías que se encarga de esta tarea.

Contamos cuando y cómo nace la compañía

Sansi fue fundada en 1993 y oficialmente abrió su filial norteamericana Sansi North America (SNA) Displays en 2009. Desde entonces, nos hemos expandido a Centro y Sudamérica con nuestro SNA México y Operaciones de Sansi América Latina (SLA).

¿Las pantallas se fabrican en EE.UU. o se importan?

Fabricamos nuestros productos LED en nuestras instalaciones de 1 millón de pies cuadrados en Shanghai. Gran parte de nuestro servicio de ingeniería, gestión de proyectos y servicio y apoyo en el terreno es realizado de nuestra oficina en la ciudad de Nueva York. También almacenamos y montamos productos en los EE. UU., Según el proyecto y la aplicación.

¿Cómo fue el desarrollo de la 20 Times Square Wrap-around?

La gran pantalla envolvente en 20 Times Square (701 7th Avenue), la pantalla de mayor resolución en la historia de Times Square, es el resultado de un desarrollo inmobiliario masivo por Witkoff, Maefield Development y otros socios de inversión y propiedad. SNA Displays recibió el proyecto de alto perfil, que es parte de la nueva propiedad Marriott EDITION en Midtown Manhattan, luego de un proceso de selección riguroso y competitivo.

¿En que otros países ya existen pantallas de SNA y a cuáles otros tienen que llegar? 

SNA tiene pantallas en todo el mundo, en docenas de países, incluyendo los Estados Unidos, Canadá, el Reino Unido, China, Malasia y muchos otros países en todas las regiones del mundo.

¿La carteleria estática tiene los días contados? Además los beneficios de estos LED es que son «ecológicos», consumen poca energía, contanos sobre eso…

Los productos de pantallas LED han demostrado ser mucho más eficientes que otros sistemas y tecnologías de letreros, tanto en energía como en mantenimiento general. Innumerables estudios muestran que los LEDs son increíblemente más eficientes que las bombillas incandescentes y otras tecnologías heredadas. Hace varios años, a pesar del hecho de que la tecnología LED era más efectiva y eficiente desde el punto de vista energético, el costo inicial era prohibitivo para muchos compradores potenciales. Sin embargo, como los costos se han desplomado y las evaluaciones de retorno de la inversión mejoran enormemente, cada vez más clientes requieren pantallas LED para transmitir su mensaje.

¿El futuro son los carteles 3D?

Debido a que la tecnología LED, combinada con 3D y otros contenidos reales, es tan efectiva para captar la atención de los espectadores, cada vez más propietarios y desarrolladores se están moviendo en esta dirección. Tome el muro de video de lobby de Salesforce en San Francisco. El contenido realista que ejecutan todos los días, especialmente la espectacular cascada digital, ha captado la atención de tantos consumidores potenciales a través de videos virales. ¡Los lugareños incluso llamaron para quejarse sobre el desperdicio de agua en una región propensa a la sequía!

Contanos algo que te haya llamada la atención, en los inicios, cuando empezaron con esto

Nuestros equipos de marketing e I + D saben desde hace bastante tiempo que la publicidad y los mensajes digitales estaban listos para una tecnología de visualización que permitiera un contenido rico y brillante. Hemos estado a la vanguardia de las tecnologías LED desde que comenzó la industria, y a medida que más gobiernos locales y desarrolladores se sienten cómodos con la tecnología, el potencial de crecimiento continúa en aumento.

¿Hay una impronta latina en la empresa?

Actualmente, nuestras operaciones latinas son manejadas por personal en nuestras oficinas de Ciudad de México y Nueva York. Empleamos a trabajadores hispanohablantes de ventas a administradores para brindar soporte y seguimos buscando oportunidades en los muchos mercados latinoamericanos.

¿Necesitan permisos de la ciudad para instalar las pantallas? ¿Cuáles son las restricciones?

Esto difiere de un municipio a otro. Típicamente, hay algunos permisos que se requieren, pero ayudamos a nuestros clientes con ese proceso.

http://www.snadisplays.com/©RevistaMeta

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