Por Marcelo Cafferata

“Filmar es un pretexto para ver”
Raúl Perrone

Con más de 50 películas en su haber, Raúl Perrone, ya es una marca registrada dentro del cine nacional independiente. Alguien que realmente enarbola el concepto de la independencia en el verdadero sentido de la palabra y que busca en su cine de autor, una mirada única, despojada, sin ningún tipo de ataduras a las que otros directores se exponen con el objetivo de lograr ganar un mayor mercado.

Movido por la pasión y por la pulsión de filmar, Perrone –“el perro de Ituzaingó”- moldea su obra sin ningún tipo de condicionamientos, en algo que podría considerarse francamente cercano a una total libertad creativa.
Imprime su estilo singular: esa experimentación permanente, esa búsqueda incesante al encuentro de un nuevo lenguaje en el cine, que le sea propio –y también apropiado por su público-, y que básicamente no se ajuste a ningún tipo de convenciones ni de estéticas impuestas.

Algunos quizás lo reconozcan por su famosa trilogía inicial -“Labios de Churrasco” “Graciadió” y “5 pal´peso”- en la que reflejó la marginación y la profunda crisis de los jóvenes de Ituzaingó, en los que se podía palpar ese desaliento ante la falta de perspectivas, en medio de una crisis que no era solamente económica sino que apuntaba más a una crisis de valores, de comunicación, de identidad.

Desde ese momento ya comienza a marcar un estilo completamente innovador y rupturista para el cine de aquel momento y vinieron las veladas a sala llena en cada BAFICI en los que presentó entre tantas otras, “Peluca y Marisita” “La Mecha” o “Las Pibas”.

Allá por el 2013 comienza una nueva etapa de experimentación, encontrando una forma de expresión alejada de los diálogos, ese cine silente en donde aparece una marcada preponderancia de lo visual, la fuerza puesta en sus imágenes (relegando en cierto modo el valor de la palabra) en donde utiliza el formato 4:3, los intertítulos, las máscaras y aparece un brillante blanco y negro en la mayoría de sus películas en donde experimenta y juega con la superposición de planos e imágenes, un estilo de collage sumamente atractivo y completamente novedoso para el espectador.

Como elemento adicional y para nada menor, sino por el contrario, transformándose en otra gran protagonista de sus filmes, aparece la banda de sonido: completamente disruptiva, experimental, trabajada como una forma de narración en sí misma. Perrone la utiliza de modo tal de sumergirnos en una experiencia multisensorial en cada una de sus películas.

Así aparece este nuevo estilo en la icónica “P3nd2jo5” y en sus trabajos posteriores como “Favula” “Hierba” o “Ragazzi” como un intento de abordar nuevas formas que no sean meramente el lenguaje escrito. Luego vendrán las realizaciones más recientes como “Corsario”, “Ituzaingó V3rit4” o su incursión en el documental con “Hasta la muert7” presentada en el último FIDBA.

Entre ellas, está “Cump4rsit4”, un enfrentamiento entre campesinos y terratenientes (de 2016) en donde el cineasta Martin Farina logra introducir su cámara y narrar un diario de rodaje en un set tan particular como el de Perrone, en un proceso de filmación donde, aún en el caos, se respira cine y se va dando forma a una nueva obra.

Farina, que justamente había colaborado como camarógrafo en sus films “Hierba” y “Samuray-S”, logra un retrato íntimo y despojado de cualquier mirada complaciente, para mostrar al “Perro” en acción, en pleno vínculo con su trabajo y su proceso creativo, con ese torbellino de ideas que tiene en la cabeza en el momento de filmar que tiene que lograr comunicar en esa maraña de sensaciones que se vive en un día de filmación, intenso, exigido, a pura pasión.

Luego de ver como un cineasta va cuidando cada detalle y va construyendo su obra con su estilo, algunas de las confesiones de Perrone en relación a este proceso, a su rodaje, son, por lo menos, asombrosas. No le gusta que lo vean cuando filma, es sencillamente “un grupo de tipos que se juntan para hacer una película” define y completa diciendo “no hay caterings, camiones, carros de travellings, grúas ni miles de asistentes” desalentando a cualquier curioso que no vibre en su sintonía que no asome las narices a un universo donde hay puro sudor, puro trabajo y que está completamente alejado de cualquier glamour que en el imaginario popular guarda un día de filmación de una película.

Al igual que en su retrato de Esther Díaz en “Mujer nómade” -que fue filmado posteriormente pero que por los azares de la distribución se estrenó antes que “El Prof3sion4l”-, Farina como director logra no solamente trazar un retrato caleidoscópico y completo, con una fuerte intimidad con el personaje, sino que lo más notable es pareciesen desaparecer naturalmente las barreras y sus protagonistas se muestran al desnudo, incluso exhibiendo inesperadamente, algunas de sus zonas más oscuras.

El ojo de Farina con esa destreza para atrapar pequeños detalles, capta momentos sutiles, únicos, que van construyendo sin ningún tipo de sobreabundancia de datos, en este caso, la figura de este gran cineasta de Ituzaingó que con más de 20 años de trayectoria ya es marca registrada del cine de autor independiente en nuestro país.

Un retrato con una mirada de admiración por esa pasión de hacer cine, sobre la pulsión de filmar por sobre todas las condiciones que puedan aparecer y de experimentar, jugar, crear, con la mayor libertad que sea posible. Así es Perrone. Así es Farina.

7,5 de 10

“El prof3sion4l” todos los jueves a las 21 en el Centro Cultural de la Cooperación, Corrientes 1543

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Por Sergio Héctor Misuraca

“La observación cambia los sucesos”, y en esa hipótesis en la que transita la obra ya nada será lo que parece o quizá, si “la cuántica” nos acompaña, podamos presenciar dos universos paralelos: el del protagonista y el que él mismo ha creado para escapar de la verdad.

Con una puesta simple, este thriller psicológico nos acerca al mundo de una eminencia física obsesionado por su carrera, enfrentando los fantasmas de su pasado o tal vez de una aparente esquizofrenia que resulta funcional a sus pulsiones de vida.

Gerónimo Gutierrez y Mariano Agustín Botindari crearán una atmósfera inquietante con interpretaciones progresivamente dramáticas. Lola Nuñez, con un doble rol actoral que pone en jaque la observación del público al verla interpretar al psicólogo Enrique y a la madre del físico, desde un vestuario siempre femenino. Y Mili Senders como la esposa, en una cadencia adecuada para el rol de una mujer subsumida al universo del esposo.

La dramaturgia de Matías Santos es intrigante quizá con un final ideal resolutivo que antecede al final elegido por el autor. Las señales de la solución del misterio aparecen a cada instante, en cada naranja, en el vestuario, en la tesis, y en cada sesión de terapia que permite comprender porqué la aguja es filosa y duele.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Matias Santos
Intérpretes:
Mariano Agustin Botindari, Geronimo Gutierrez, Lola Núñez, Mili Senders
Vestuario:
Sofía Ellinger
Diseño de escenografía:
Catalina Sikorski
Diseño de luces:
Marco Pastorino
Realización de escenografia:
Sergio Romero, Catalina Sikorski
Redes Sociales:
Guido Boutet
Música original:
Sergio Vainikoff
Operación técnica:
Fernando Raíces
Fotografía:
Gianni Mestichelli
Diseño gráfico:
Southstudio
Diseño de imagen:
Jimena Rodriguez
Asistencia de dirección:
Agustina De Los Santos
Prensa:
Silvina Pizarro
Producción ejecutiva:
Sofia Lenti
Dirección:
Matias Santos

BELISARIO CLUB DE CULTURA
Av. Corrientes 1624
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4373-3465

Entrada: $ 280,00 / $ 230,00 – Sábado – 20:15 hs – Hasta el 25/10/2019

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Por Marcelo Cafferata

MON INCONNUE – AMOR A SEGUNDA VISTA de Hugo Gélin
★ ★ ★ ★ ★ ★ ★ ½ ✩ ✩ ✩

Si bien “AMOR A SEGUNDA VISTA” no maneja una idea completamente original (se basa fundamentalmente en el típico “¿qué pasaría si un día amanecemos y nuestra vida no es la misma de siempre?”) tanto dentro de la filmografía contemporánea francesa como dentro del cine que plantea este tipo de distopías, logra estructurar una historia que mezcla comedia, romance, una pizca de filosofía y física cuántica –infaltable referencia a “el efecto mariposa”- y el producto es sumamente tentador.

Raphaël (François Civil, a quien veremos próximamente junto a Juliette Binoche en “Clara y Claire”) ha logrado establecerse como un exitosísimo escrito de best-sellers para un público joven. Su mujer, Olivia (Joséphine Japy) es una talentosa pianista, muy dotada, que a partir de su matrimonio ha comenzado lentamente a vivir a la sombra de su marido.
El éxito de Raphaël los va distanciando cada vez más, su adicción al trabajo descuida completamente a su pareja hasta que una mañana él despierta en una vida paralela, sin ella. ¿Qué evento ha hecho que su vida haya cambiado por completo y que ya no sea el exitoso escritor sino un profesor de literatura de colegio secundario solitario y sin pareja estable?

El guion del propio Gélin junto a Igor Gotesman y Bejamin Parent, acierta en el tono de fábula y un toque de cuento de hadas para plantear que pasaría en nuestra vida cotidiana si algo que damos por sentado, cambia de la noche a la mañana.
Hablar de aquellas cosas a las que no les damos importancia hasta el momento en que se pierden, puede sonar a lugar común y a frases hechas pero justamente “AMOR A SEGUNDA VISTA” intenta asumirlas y desde ese mismo lugar proponer situaciones divertidas –incluso algunas de ellas desopilantes y muy bien logradas en el segundo acto- para reflexionar sobre este tema con humor, dentro del marco de una comedia romántica que, aunque previsible, logra tener un ritmo que no pierde el interés y con personajes con los que el espectador empatiza casi automáticamente.

Una duración algo prolongada para una comedia de estas características atenta parcialmente contra los resultados, pero el carisma de los protagonistas, la química en pantalla y esta magia de entrar en una vida con muchas vidas a la vez, sigue siendo una idea rectora cinematográficamente atractiva y Gélin sabe cómo llevar el producto a buen puerto para que resulte una comedia muy disfrutable… Y poder pensar a la pareja y al amor como una construcción, un golpe de suerte, un poco de magia y mucha estrategia.

AMANDA de Mikhaël Hers
★ ★ ★ ★ ★ ★ ★ ★ ✩ ✩

Ganadora de premios en los Festivales de Santiago (SANFIC), Tokio y Venecia, este nuevo film de Hers (con una filmografía desconocida para el público argentino) propone un análisis profundo sobre las implicancias de un violento ataque terrorista en Paris.

Hers divide claramente la película en dos partes: inicia con una presentación de los personajes en donde vemos a David colaborando con su hermana Sandrine, madre soltera, en la crianza de Amanda, su hija de siete años.
De esta forma nos vamos adentrando en el cotidiano de los personajes –también se muestra el inicio de un vínculo amoroso de David con Léna- y ciertos movimientos familiares que aparecen como desestabilizadores, cuando su madre intenta volver a tomar contacto con ellos después de 20 años de silencio.

El brutal giro de la historia se dará cuando todo en la vida de ellos se vea completamente modificado por las consecuencias que viven a partir de un atentado en un parque del que, de diferentes maneras, todos saldrán heridos. En un sentido literal, o en un sentido figurado.

La astucia principal de Hers es no construir la historia en función a subrayados ni enfatizaciones. No hay grandes dramatismos ni discursos alentadores. La vida sigue para todos los personajes y el eje que plantea “AMANDA” es cómo poder seguir adelante con sus vidas, tomar decisiones y contenerse en un contexto tan desolador después de un hecho traumático sin retorno.
Obviamente con la realidad política y social que se vive actualmente, la película decide contar una pequeña historia particular para poder reflexionar en un plano más general sobre las consecuencias que viven los familiares de las víctimas del terrorismo.

Hers propone en su puesta en escena, un relato narrado a través de vínculos delicados, sin estridencias, con un fuerte pie en lo verosímil, en lo cotidiano, en lo real. El daño ha quedado instalado en cada uno de los personajes de diferentes maneras: en sus miedos, en sus replanteos, en esa angustia de recomponer lo destruido. A través de pequeñas viñetas, diálogos breves y concisos y sobre todo deteniéndose en el vínculo entre David y Amanda, el film logra un espacio de reflexión y exposición de un tema difícil, muchas veces silenciado y poco frecuente en el cine actual, bajo estas características.
Alejado de cualquier dramatismo impostado, el film se va construyendo como una película de cámara en donde podemos ir asomándonos al proceso de cada uno de los personajes y vivenciar de alguna manera este recorrido con la cámara contenedora y amorosa de Hers acompañándolos.

BLANCHE COMME NIEGE – BLANCA COMO LA NIEVE de Anne Fontaine
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La directora de “Gemma Bovery” “Cómo maté a mi padre” y “Madres Perfectas” (con Robin Wright y Naomi Watts) propone una nueva lectura para un clásico de todos los tiempos como Blancanieves de Grimm, actualizando la historia y trasladándola a nuestros días.

El proyecto tiene su audacia y Fontaine toma todos los elementos emblemáticos del cuento en un relato moderno, osado y con una propuesta interesante de deconstrucción del mito en épocas de empoderamiento femenino.
Las buenas intenciones de Fontaine que ama moverse dentro de diferentes ambientes y diversos géneros cinematográficos en cada una de sus películas (logrando grandes aciertos y en algunos casos resultados sumamente desparejos como en la versión de Coco Channel de Audrey Tautou o en “Mi peor pesadilla” con Huppert, Poelvoorde y Dussolier jugando situaciones de comedia lamentables) naufragan rápidamente cuando la historia no encuentra ni el tono narrativo ni la forma precisa para que el intento no quede en una mera experimentación sin demasiada sustancia.

Después de una inmejorable adaptación como fue la “Blancanieves” de Pablo Berger con un brillante trabajo de Maribel Verdú, para volver cinematográficamente a presentar una nueva lectura del clásico, debiera por lo menos poder manejar una idea interesante que pueda demostrar que vale la pena revisitar otra vez esta historia.
Fontaine sólo logra jugar con los íconos que despierta el cuento (la manzana, la madrastra, el bosque, el beso para el despertar) y la propia temática clásica (rivalidad entre la protagonista y la madrastra, celos, traición, venganza) y lo hace de una forma tal, que parece justamente remitir a otro gran cuento clásico como “Hansel & Gretel”. Anne Fontaine los va desperdigando como señuelos en la pantalla pero rápidamente se percibe que no logran ganar una cohesión, no pueden generar un corpus a través del planteo.

Por momentos la madrastra de Isabelle Huppert roza la caricatura (un registro que para esta propuesta le hubiese sentado sumamente bien tanto a la actriz como al filme en general), el tono de comedia farsesca y en otros, Blancanieves se convierte en una especie de ninfómana movida por la pulsión sexual que desentona completamente con el clima de la puesta a lo que se le suman figuras masculinas que se pasean por la trama sumamente desdibujadas y desaprovechadas, junto a ciertas decisiones de los adaptadores que son sumamente difíciles de entender.

Lo que podría haber sido una inquietante relectura del clásico juega tímidamente al desborde y no lo logra, retoma la faceta más clásica del cuento y por lo tanto se vuelve sumamente inverosímil en el contexto planteado y queda una incómoda sensación de borrador, de proyecto inacabado, de prueba fallida.

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Es casi imposible no conocer a Gabriela Acher, una mujer que es ícono del humor y la comedia.

Algunos pueden recordarla por sus trabajos televisivos en donde formó parte de una troupe de humoristas uruguayos con “Telecataplum” “Hupumorpo” “Comicolor” e “Hiperhumor” (junto a Espalter, Almada, Carámbula y D’Angelo) o como una de las partenaires de Tato Bores en las temporadas 1989/1990.

Participó también de las películas “Señora de Nadie” de María Luisa Bemberg, “Cohen versus Rossi” “Esperando el mesías” pero su papel más recordado es en “Sol de Otoño” junto a Norma Aleandro y Federico Luppi, por el cual recibe una nominación al Cóndor de Plata.

Más allá de su carrera televisiva y en el cine, Gabriela Acher tiene un extensa trayectoria teatral: trabajó en varias temporadas de revista junto a Antonio Gasalla, junto a Mercedes Morán y Oscar Martinez en “El último de los amantes ardientes” y, entre otras, en “Capítulo Dos” de Neil Simon. Pero fundamentalmente ha logrado una particular adhesión con el público cuando ha llevado sus propios textos a los escenarios.

Es así como sus libros “Algo sobre mi madre –todo sería demasiado-“, “La guerra de los sexos está por acabar” y “El amor en los tiempos del colesterol” llegaron exitosamente a los escenarios y ahora es el turno de “¿QUÉ HACE UNA CHICA COMO YO EN UNA EDAD COMO ESTA?”, su último best seller y también su último unipersonal que presenta en el Teatro Chacarerean.

Para quienes creen que estamos pasando por una etapa de empoderamiento femenino, libertad y de hablar de todos los temas sin tapujos, y sostienen –quizás equivocadamente- que los monólogos de Malena Pichot o Dalia Gutman son fieles representantes de una mirada femenina transgresora, políticamente incorrecta y vanguardista, es evidente que desconocen por completo a Acher que ha sido una de las figuras que irrumpió en la televisión con su programa “Hagamos el humor” en 1991 –escrito junto a Maitena-, rompiendo todas las estructuras no sólo del humor televisivo sino de poder escribir, protagonizar y dirigir un ciclo con una mirada femenina, absolutamente inédita en la televisión argentina.

Gabriela Acher ha sido y es, una verdadera revolucionaria respecto a los planteos que ha formulado a través de sus textos, siempre cargados de ironía, sarcasmo y una crítica aguda a la denominada “guerra de los sexos”.
Sin perder nada de su impronta, su histriónica personalidad y su carisma, se apodera ahora de su propia historia y del mundo femenino pasados los ’50 y encuentra en “¿QUÉ HACE UNA CHICA COMO YO EN UNA EDAD COMO ESTA?” el vehículo perfecto para expresarse libremente, pisando sobre su terreno más conocido –que es el unipersonal- y con textos que reflejan sus vivencias y con un plus de saber aggiornarse a los tiempos que corren e incorporarlos a su propuesta.

.En este nuevo espectáculo plantea una variante de charla TED, transmitida online, y en la cual el público envía por mail diversas preguntas a su consultorio sentimental que le permitirán ir recorriendo diversas situaciones que les suceden a las mujeres de cuarenta, cincuenta, sesenta y setenta, planteado que a través del humor y la risa, las generaciones han logrado atrasar unos 20 años el gen del envejecimiento: sostiene entonces que los cincuenta son los nuevos treinta y los setenta son los nuevos cincuenta

Se plantea a sí misma que “dentro de cada mujer mayor hay una joven desorientada que pregunta: “¿qué pasooooo?” cuando se mira al espejo y se encuentra con su madre” y de esta forma, riéndose de sí misma y de sus “desgracias”, Gabriela Acher arranca el espectáculo donde no faltará la sagaz e inteligente mirada al mundo femenino, pero también será la excusa para hablar de la pareja, los hombres, el sexo, el paso del tiempo, la vejez, los hijos, las hormonas, los nietos!, las cirugías estéticas… y una catarata de temas que Acher va desgranando junto a las preguntas de sus virtuales consultantes con un sentido del humor que le es propio y característico, que logra adaptar a los tiempos que corren y con el que concibe un espectáculo tan divertido como reflexivo.

Acher tiene una mirada entrenada para analizar el mundo femenino pero por sobre todo para darle un contexto actual sin olvidar que los puntos clave para hacer humor, los exitosos mecanismos de la comedia, no se apoyan en la vulgaridad ni en la necesidad de precarizar la palabra. Por el contrario, Gabriela Acher sabe cuándo disparar una palabra “fuerte” y cuándo desarrollar una situación jugando con los límites y aplicando todo su desenfado, logrando que la platea, completamente identificada, estalle de risa.

Acher parece hablarle directamente al corazón de una platea que devuelve una carcajada de identificación total y de tener frente a ellos un espejo, una lupa amplificadora que muestra en detalle la psicología de cada arquetipo femenino (que obviamente, Acher lo hace universal y rompe las barreras del género) en donde el público se siente completamente identificado y ese, para una humorista de su nivel, sigue siendo el mayor capital que pueda tener su show.

Un humor sutil, inteligente, chispeante, que sabe ser mordaz y hasta satírico cuando lo necesita y en donde Acher encuentra el vehículo perfecto para un espectáculo que se disfruta con una permanente sonrisa.

¿Qué HACE UNA CHICA COMO YO EN UNA EDAD COMO ESTA?
Libro y Dirección: Gabriela ACHER
Puesta en escena, coach actoral y asistente de dirección: Virginia MAGNAGO
Vestuario: Pablo BATTAGLIA
Producción: Federico HAILS
Teatro CHACAREREAN – Nicaragua 5565 – Domingos 19.30 horas

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Silencio. El tiempo está detenido y todos son culpables de que la realidad los absorba como la hiedra envuelve la casa y se la traga.

“El tiempo se detiene” es una de esas obras de drama y realismo mágico que, si no fuesen acompañadas por grandes actuaciones, no sería el mejor plan para un viernes a la noche.

Y es que el texto de Facundo Zilberberg va tejiéndose con los personajes, creando una atmósfera densa, pesada, de la cual todos se quieren ir y sin embargo deciden quedarse.

Ángela acaba de perder a su padre y sus hijos deciden quedarse para estar con ella hasta que puedan hablar con el psiquiatra y ver si necesita un acompañante terapéutico.

Cada uno tiene excusas para quedarse, aunque también quieran irse, incluso Ángela. Volverán a jugar a ser una familia, conectándose con el pasado y con la muerte, nunca ausente.

La puesta en escena, a cargo de Mariana Barceló y Facundo Zilberberg junto al diseño de Miguel Nigro, nos introduce a un lúgubre ambiente repartido entre el jardín y el interior de la casa, abordado por una hiedra que los envuelve a todos.

Las interpretaciones son impecables. Alejandra Flores es una madre depresiva, agobiada de la vida y de sus sueños interrumpidos. Se nota la minuciosa composición del personaje repleto de realismo y naturalidad. Julián Marcove, Federico, el hijo más afectado por la enfermedad de Ángela, transita su personaje desde un niño interior, que lucha constantemente entre la responsabilidad y el deseo. Mariana Estensoro tiene a cargo generar misterio, sus apariciones son necesarias para entender por dónde divaga la mente de Ángela. Y finalmente Fernando de Rosa, el otro hijo, que interpreta un personaje tan natural como tierno, en el que se nota su debate interno entre quedarse para escaparse de su propia realidad, o irse para no hacerse cargo de lo que le pasa a su madre.

El tiempo se detiene para que reflexionemos qué hicimos con él.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Facundo Zilberberg
Actúan:
Fernando De Rosa, Mariana Estensoro, Alejandra Flores, Julián Marcove
Diseño de vestuario:
Analia Morales
Diseño de escenografía:
Miguel Nigro
Diseño de luces:
Luciana Giacobbe
Diseño sonoro:
Damian Ferraro
Realización de escenografia:
Juan Manuel Aristegui
Fotografía:
Ariana Caruso
Diseño gráfico:
Diego Sztajn
Asistencia artística:
Mariana Barcelo
Prensa:
Duche&Zarate
Producción:
Mariana Barcelo
Puesta en escena:
Mariana Barcelo, Facundo Zilberberg
Dirección:
Facundo Zilberberg

Duración: 65 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

BECKETT TEATRO
Guardia Vieja 3556
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4867- 5185
Web: http://teatrobeckett.com/
Viernes – 21:00 hs – Hasta el 20/09/2019

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La vida secreta de tus mascotas 2 es la continuación directa de la película estrenada en 2016, también producida por el estudio de animación Illumination, y sigue las aventuras de los perros Max y Duke a partir de cuando Katie, dueña de ambos, se casa y tiene un hijo llamado Liam.

La primera entrega, aunque ingeniosa en su premisa, jamás dejó de sentirse como un plagio de la saga Toy Story con mascotas en vez de juguetes. Incluso emulaba el clímax del camión del primer film de Pixar, y el argumento de su secuela, con el secuestro y rescate de Max, un protagonista tan consentido como el vaquero Woody.

Sin embargo, los dos films de Mascotas tienen más ganas de ocupar mucho tiempo en secuencias genéricas de gags con la simple finalidad de divertir, y cumple su cometido.

Tanto el conejo Snowball y la perra pomerania Gidget vuelven en sus roles secundarios, más de una risa logran causar, y todos los demás caninos y felinos que aparecen en esta segunda parte disponen de su momento para hacer alguna gracia que nos recuerda directamente a lo que estos animales hacen en la vida real, pero sin interpelar emotivamente a sus audiencias, y esto sí es un problema a pesar de su desinterés de compromiso porque en los primeros y los últimos cinco minutos se expresa interés por evidenciar el corazón del film en el afecto entre Liam y sus perros, pero esto jamás se explora en el transcurso de la trama, es más, se hace todo lo posible para desviarse de este aspecto, y los roles protagónicos terminan por descentrarse.

Max y Duke acompañan a Liam y su familia a una granja, los dos pasan sus días y noches allí sin techo y expuestos a la naturaleza en todo su esplendor: Max aprende técnicas de perro guardián con Gallardo (o Rooster en inglés, interpretado por de Harrison Ford), e intenta aplicarlas al pie de la letra al reencontrarse con sus amigos; en cambio, de Duke lo único que se puede decir es que en el doblaje latino cuenta con la voz de nuestro comediante argentino Martín Campilongo (o Campi, a secas), pero a la larga está de relleno para desenvolverse fatigosamente y sin abusar de acentos y muletillas porteñas; y los humanos, salvo por el antagonista, toman absoluta distancia de los conflictos principales.

Escapista, divierte, pero intenta ser lo que no es en las instancias pilares más importantes de toda narrativa, es decir, en el principio y en el final, y no traza ningún nexo entre estos dos extremos, por lo que al iniciar los créditos finales da una impresión de vaciamiento argumental muy evidente.

6 de 10

Desde Revista Meta no queremos olvidarnos de agradecer a Showcase Belgrano por el recibimiento a los periodistas, el permiso de llevar a una invitada, y por ofrecernos comida y bebida sin cargo antes de iniciar la función privada de prensa.

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Después de la función privada de prensa en la sala de proyección de Directores Argentinos Cinematográficos (DAC), la co-directora Malena Moffatt nos confió que su colega, el montajista Bruno López, es quien más se ocupó en cranear el lenguaje cinematográfico de ‘Marta Show’, mientras que ella, por su parte, a pocas instancias de recibirse como Psicóloga, aportó todo lo que consideraron pertinente de su experiencia en clínicas psiquiátricas para la elaboración de este proyecto que tiene un interés muy secundario con respecto a auto catalogarse como documental.

Marta Buneta, quien se jacta de ser pionera del striptease en Buenos Aires, a sus 75 años decide desarrollar un show callejero de canto –ya sea auténticamente o con el uso de playback-, práctica de coreografías y recitación de poemas frente a las rejas de una plaza. Allí se suman progresivamente diversas figuras: desde un imitador de Sandro que se viste de Spider-Man, hasta las mismísima Moffatt, que adquiere una presencia de igual peso a la de quien le brinda título a la película. Ella toma nota de las canciones que Marta pide para reproducir en su “Marta Show”, a veces partiendo de su título específico, muchas otras decodificando sus tarareos, y así pasamos de ‘Las voces de los pájaros de Hiroshima’ (de Ginamaría Hidalgo), a escuchar el tema de los créditos finales de la primera ‘Misión Imposible’.

A todo esto, Marta asegura que sus compañías ocasionales (y otras que no tanto) son el único tipo de vínculo social que le queda, ya que se desligó completamente de su familia después de haber padecido una internación a causa de una severa crisis emocional a principios del último milenio. En ocasiones hace mención de un concepto, aparentemente propio de ella, sobre “cerebros electrónicos”: que abarca al rol de los medios masivos de comunicación y cómo programan nuestras mentes para sistematizar nuestros comportamientos, en particular cuando se trata de identificar a los demás como la otredad por el mero aspecto físico y el modo de vestir; paradójicamente, también emplea el termino de manera tal que da por entendido que es su modo de informarse sobre todos los acontecimientos que la rodean, sean buenos o malos.

La gran duda que todos nos tenemos al finalizar este largometraje es qué tanto hay de veracidad en el testimonio verbal que nos ofrece Marta. Bruno López señaló una cuestión que, de todas formas, se puede descifrar por cuenta propia con una adecuada cavilación sobre lo enseñado en el contenido, y es la siguiente: fue una decisión -inicialmente- suya, durante el rodaje y el montaje, la de eximir al relato de todo componente -audiovisual o textual- que refuerce sobre el pasado de Marta, y que sea su experiencia con el show su principal espacio constitutivo. En otras palabras, si es un mito todo, queda en el público creer en lo que más le convenza. Todo este aspecto es, por demás, nutritivo porque aún cuando hay momentos expositivos de entrevistas (encubiertas, es decir, con entrevistados que hacen caso omiso a la presencia de la cámara) o de reflexiones en voz alta por parte de Malena Moffatt, el recorrido que significa el visionado de ‘Marta Show’ es la representación de un “no-lugar” y un “no-tiempo”, con indicios muy claros, pero con la cual cada espectador tiene la libertad de decidir qué tanto –y si es que- se corresponde con la situación económica, política y social que atraviesa a nuestro país en la actualidad.

10 de 10

Agradecemos en Revista Meta al DAC por el espacio de diálogo con los realizadores de la película, por la comodidad en su sala de proyección y, por supuesto, por la recepción con desayuno incluido.

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Sin dudas, Pompeyo Audivert es, hoy por hoy, uno de los máximos referentes de la escena argentina contemporánea, dueño de una estética propia que ya es su marca registrada. En sus últimos trabajos tomó obras no tan transitadas de los dramaturgos de la época de oro del teatro rioplatense y las pasó por el tamiz de su particular estilo. En 2014 fue el turno de Muñeca, de Armando Discépolo; en 2017, de La farsa de los ausentes, una versión de El desierto entra en la ciudad, de Roberto Arlt; y ahora, en el Centro Cultural de la Cooperación, estrenó Trastorno, que versiona El pasado, de Florencio Sánchez.

Naturalista, como todo el teatro de Sánchez, el eje dramatúrgico de la fábula está puesto en el determinismo de clase e incluso biológico, con muchísimas reminiscencias del melodrama. Es eso lo que retoma la dupla creativa de Audivert y Andrés Mangone y exacerba hasta llegar al grotesco, en un código de actuación alejado de todo realismo que tiene como principal recurso la interpretación de personajes femeninos por hombres.

Así, Audivert da vida a Rosario, la madre de una familia oligárquica que esconde un crucial secreto sobre su pasado, que vuelve en el presente para perturbar la vida de Emilio (Juan Manuel Correa), uno de sus hijos, impidiéndole la felicidad de un matrimonio por amor. El silencio cómplice de su primogénito, José Antonio; la inocencia de la hija mujer, Silvia (Ivana Zacharski); la malicia de Tití (Julieta Carrera), la enfermera y la rancia ideología de la abuela Mameca se conjugan para dar cuenta de la degradación moral de esa familia, pero también de una clase social entera.

En una composición plagada de sutilezas, la Rosario de Audivert maneja absolutamente todos los hilos, fabricando engaño tras engaño para no enfrentar la verdad ominosa que podría destruirla. Mientras, Emilio hace el camino del héroe trágico: del desconocimiento absoluto al saber. Pero esa anagnórisis huye de la tragedia y se instala cómodamente en la tragicomedia, alimentada fundamentalmente por el oficio de Audivert y por la precisión clownesca de Carrera.

El habla poética alejada de lo cotidiano, los cuerpos en primer plano, la expresividad exacerbada, los tonos ocres de la iluminación, la música de violín en vivo y los objetos típicos del “mundo Audivert” dan paso a lo siniestro. Un espejo donde ver la realidad deformada, un piano y una mesa con botellas de alcohol para dar cuenta del estatus social, una silla con ruedas para permitir el movimiento y un baúl como inevitable metáfora de lo que se esconde es todo lo que irrumpe en un espacio que está siempre en absoluto equilibrio, en el que las distancias entre los actores acrecientan la tensión constantemente.

“Un culebrón metafísico”, reza el subtítulo de la obra y, como en los buenos culebrones, la verdad sobre el ser llegará recién al final y, quizá también, la redención.

En definitiva, con una historia potenciada por un código actoral que ya es la marca registrada de Audivert y con actuaciones más que destacables, Trastorno potencia el texto original de Sánchez y se constituye en un espectáculo teatral imperdible de la cartelera porteña.

Trastorno se presenta los viernes y sábados a las 20 horas en el Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543-CABA).

Ficha técnico artística

Autoría: Pompeyo Audivert
Sobre textos de: Florencio Sánchez

Actúan: Pompeyo Audivert, Julieta Carrera, Juan Manuel Correa, Pablo Diaz, Fernando Claudio Khabie, Fernando Naval, Ivana Zacharski

Diseño de vestuario: Julio Suárez
Diseño de escenografía: Pompeyo Audivert, Lucia Rabey
Diseño de luces: Leandra Rodríguez
Música original: Claudio Peña
Fotografía: Bernabé Rivarola
Asistencia de dirección: Marta Davico, Mónica Goizueta
Producción ejecutiva: Marta Davico, Mónica Goizueta
Dirección: Pompeyo Audivert, Andrés Mangone

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«Ni para consumo irónico»

La historia de esta película nos traslada a Londres donde un grupo  terrorista dueño de una muy avanzada tecnología roba un virus que puede llevar a la humanidad a su extinción con  el único objetivo de segregar a los mas fuertes y dar el próximo  paso en la evolución humana. ante este peligro la CIA le solicita ayuda Luke Hobbs, interpretado por Dwayne  Jhonson y Deckar Shaw,interpretado por Jason Statham quienes no solo deben intentar salvar al mundo, sino también sobrevivir el uno al otro. Una película para amantes del género.

David Leitch nos trae una película que atrasa treinta años por lo tetosterónica y repetitivo del argumento que se puede encuadrar en el genero «músculos no cerebro» que se vuelve repetitivo y predecible: escena de accion, golpe bajo,escena de acción, humor barato, escena de acción, escena emotiva, escena de acción y final. 

El guion pretende, de forma declamativa y simbólica, adecuarse a los tiempos que vivimos incorporando al personaje de Vanessa Kirby Hattie como contrapeso femenino para los protagonistas pero la construcción de personaje es tan torpe que se queda en la nada.

Sobre el villano fundamentalista de la evolución humana, no deja de llamar la atención que hayan inventado una poderosa organización encargada de hacer el mal ( como Spectre en Bond, como el sindicato en Misión Imposible) la cual por su torpeza parece caricaturesca ya que es rica en recursos pero al igual que el imperio en Star War es rica en soldados con mala puntería y poca inteligencia a la hora de enfrentar a dos hombres y una mujer.

Este film se encuadra dentro de un genero que parecía muerto y que obtuvo un segundo aire con la ya agotada saga de John Wick,de hecho uno de sus directores se encarga de llevar adelante este festival de lo absurdo cuyo nivel es tal que actores como Idris Elba, Helen Mirren y Ryan Reynolds terminan arrastrados en un guion nulo que no aporta nada mas que explosiones y chistes sin sentido.

Este es el tipo de películas que hacen apreciar  el toque de calidad que le han dado al genero películas como la saga de Bourne, las Bond post casino  Royale y Tom Cruise con su saga de Misión Imposible.

En Hobbs & Shaw todo es estrambótico, las escenas, los escenarios, las armas y la música que mas que generar clima y acompañar la acción molesta. Esta claro que al provenir del universo Fast & Furious uno no puede esperar un producto que se aleje de eso pero esta película parece un híbrido entre esa saga y Gi-Joe ya que los trajes, las armas y los escenarios en los que se manejan los villanos parece mas que nada el cuartel general  del comandante Cobra que una locación cercana al realismo, hasta los villanos parecen caricaturas salidas de dibujos animados, tal vez porque al igual que Gi-Joe el espíritu de esta película es solo comercial y carece de alma.

¿Qué es lo malo en esto? lo malo es que esta película  pretende ser emotiva y realista, lo cual vuelve mas inverosímil  a la historia que se nos presenta, a tal punto que ni adentrándose en los códigos del genero uno puede conectarse con ella sin sentir que esta presenciando un espectáculo obsceno y absurdo.

David Leitch anteriormente  estuvo a cargo de John Wick, Atomica y Deadpool 2 (tal vez su producto más inteligente), en todas ellas repitió su fórmula de violencia y tiros como única herramienta  para hacer avanzar la narración y de alguna manera logro un producto mejor acabado en Hobbs & Shaw ni siquiera parece esforzarse.

4 de 10

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El dramaturgo Nicolás Juan Porras y la doctora María Noble están a cargo de la obra que inaugura al Teatro La Golondrina como espacio cultural abierto para aquellas experimentadas o inexpertas audiencias que deambulen por las veredas del Barrio del Once. El Testigo es guionada y protagonizada únicamente por el mismo Porras, quien debe ponerse en la piel de distintas personalidades (con el uso de cuatro vestimentas diferentes) a lo largo de los 75 minutos de duración que dispone el relato.

Esto es un ejercicio narrativo sin el uso teatral de la característica apertura y cierre de telón, dejándonos así a los espectadores en una suerte de ajuste de cuentas entre nosotros, el actor y una escenografía que jamás es atravesada por modificaciones drásticas: aspecto que no se daña con la ejecutada estrategia de hacer de su carencia un recurso, por el contrario, se siente como un valor intrínseco que induce a su protagonista en la labor de interiorizar y, a la vez, manifestar públicamente sus pensamientos y emociones. Aún cuando hay elementos en escena que no llegan a usarse –como una máquina de escribir que no escribe nada-, estos, generalmente, a partir de su silencio, dicen mucho sobre el verdadero foco de atención que le ponen los protagonistas a sus respectivas (y supuestas) profesiones en medio de vivencias frustradas -mayormente amorosas-.

Hay también en Nicolás Porras un modo de apelación hacia el público que es digno mencionar. Sin caer en expresiones lastimosas y compasivas como “tenés que estar solo durante más de una hora, mirá que es difícil”, él expresa variados modos de interacción (o falsa interacción) para y con la audiencia, y esto no sólo lo logra con el cambio de vestuario, sino que además con la diversidad de composición –gesticular, dramática y/o cómica- para cada personaje que edifica: un vendedor de zapatos se diferencia de un experto en finanzas, aún compartiendo matices muy emparentados.

Lo que sí es difícil es el intento de señalar falencias, y el devenir (inevitable) de una nota numérica en esta nota. Hay ciertos momentos, en particular al comenzar la obra, en los que los diálogos de Porras se sintieron un tanto acelerados de tiempo, pero eso –quizás- se debe al estorbo de ese “romper el hielo” hasta que da pie a su primer canje de identidad/temperamento, e incorpora versatilidad pura desde entonces. En el aspecto técnico sucede algo similar: el uso de iluminación es, ante todo, pertinente y su presencia beneficia al foco de atención; y la música es, por demás, eficiente, aunque su presencia y su ausencia se percibe notablemente, y por momentos pierde fluidez. Sin embargo, insistimos, nada de esto perjudica el goce de la obra, y nada es “defectuoso”.

8.5 de 10

En Revista Meta agradecemos inmensamente el recibimiento por parte de la producción (con cena incluída), el cuidado y la espera con los ingresantes ya que, vale aclarar, el Teatro La Golondrina visto desde afuera pasa desapercibido. Además recomendamos consultar su sitio web y su página de Facebook para evitar la enorme confusión entre la Calle Sarmiento y la Avenida homónima, puesto que hay teatros en ambas direcciones y sería una pena que se desvivan buscando El Testigo donde no lo está (como le sucedió a esta persona desatenta, pero bien atendida, que escribe esta nota).

Ficha técnico artística
Dramaturgia:
Nicolás Juan Porras
Actúan:
Nicolás Juan Porras
Diseño de arte:
Locos Del Once
Fotografía:
Daniel Darrás, Pablo Garber, Maria Noble
Diseño gráfico:
Belén García Durigon
Asistencia de dirección:
Julieta Acevedo, Paula Intile
Prensa:
Simkin & Franco
Producción:
Locos Del Once
Dirección:
Maria Noble, Nicolás Juan Porras

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